Найдорожчі картини російських художників. Найдорожчі картини російських художників найдорожчих російських картин

Скільки коштує сучасне мистецтво? Які з нині живих художників користуються найбільшим визнанням, мірило якого - грошові знаки? Сайт Artnet відповів на це питання, проаналізувавши результати аукціонів з 2011 по 2015 рік і склавши список найбільш продаваних сучасних художників. На жаль, творців з Росії в списку не виявилося.

10. Ед Рушей

У 60-х роках минулого століття Ед, разом з такими знаменитими нині художниками, як Енді Уорхол і Джим Дайн, взяв участь в історичному заході «Нове зображення звичайних предметів». Це була одна з перших виставок в зароджується стилі «поп-арт» в Америці. Неосвіченому ж погляду картини Руше найбільше нагадують напис під трафарет на тлі пейзажів або життєрадісного сплеску кольорів. Однак за 4 роки його творіння були продані за загальну суму в 129 030 255 доларів.

9. Річард Прінс

Річард зробив собі ім'я тим, що заново фотографував образи з друкованої реклами, монтував їх в довільному порядку і прикрашав хльосткими гаслами. Від його рук постраждали ковбої «Мальборо», знаменитості, порнозірки, медсестри і подружки байкерів. А ще він розписує капоти машин. Громадськість оцінила його праці в 146 056 862 долара - саме за таку суму був проданий кілька робіт художника.

8. Яеї Кусама

Страждає психічними захворюваннями художниця любить покривати поверхні точками фарби - це називається «мережі нескінченності». І цей горошок, і власну хворобу вона примудрилася перетворити на товарний знак і тепер є найбільш продаваною сучасної художницею в світі ( 152 768 689 доларів).

7. Пітер Дойг

Один з представників традиційної пейзажного живопису. Його творчість користується незмінною популярністю у стомився гіперіронічним постмодерному глядача - адже після написів, колажів з фотографій і стільців в горошок так приємно зупинити свій погляд на нічному тропічному пейзажі. За 4 роки продано картин на 155 229 785 доларів.

6. Фань Цзен

Каліграфічні написи, прозорі акварельні пейзажі та портрети в традиційному китайському стилі продаються теж непогано - 176 718 242 долара з 2011 по 2015 рік.

5. Цуй Ручжоу

Цей сучасний китайський художник прославився своїми роботами тушшю, що зображують квіти, птахів і пейзажі. Однак прості обивателі не в силах зрозуміти могутню силу мистецтва - і в 2012 році прибиральниця готелю Grand Hayatt випадково викинула в смітник одну з його робіт ціною 3.7 млн \u200b\u200bдоларів. Роботи Цуя Ручжоу протягом 4 останніх років були продані за 223 551 382 долари.

4. Зенг Фанжо

Складні багатобарвні роботи ще одного китайського художника, де живі істоти і предмети чи заплуталися в павутині, то чи заблукали в зимовому лісі, а також зловісні піонери із закривавленими руками з 2011 по 2015 продавалися теж непогано - за 267 949 220 доларів.

3. Крістофер Вул

Товарний знак Крістофера - величезні білі полотна з чорними буквами. Чотири таких літери, що складаються в слово Riot ( «повстання») були продані на аукціоні Сотбі за 29.9 млн доларів. А всього за 4 роки було продано робіт художника на суму в 323 997 854 долара.

2. Джефф Кунс

Колишній чоловік порнозірки Чиччоліни воліє працювати в жанрі «нео-поп». Особливо знаменитий своїми скульптурами зі сталі, що імітують іграшки з довгастих повітряних кульок. За одну з робіт (сталеву оранжеву собаку) було заплачено на аукціоні Крісті 58,4 млн доларів. А ще Джефф планує поставити перед Лос-анджелеським музеєм мистецтва кран, на який повісить паровоз, щоб той сопів і випускав клуби диму. З 2011 по 2015 рік Кунс продав робіт на загальну суму в 379 778 439 доларів.

1. Герард Ріхтер

На першому місці в рейтингу художників з найбільш продаваними картинами знаходиться майстер, який навіть не вважає себе таким. За словами Герарда він довгий час створював щось, що не відноситься до мистецтва, композиції, кольору, творчості і т. д. А саме - покривав полотна розводами фарби за допомогою скребків і шпателів. Одна з таких картин під назвою «Абстрактний образ», найбільше нагадує загиблий в муках кавун, була оцінена на аукціоні Сотбі за 43.6 млн доларів, А роботи художника за чотири роки продалися за скромну суму в 1 165 527 419 доларів.

Один з наших улюблених підсумкових топ-10. Всі ці художники - справжня гордість Росії. І так - до рейтингу ми включаємо всіх авторів, які народилися на території Російської імперії, незалежно від того, чиє громадянство вони в подальшому брали

Саме тому рейтинг російських живописців або, кому подобається, «художників орбіти російського мистецтва» традиційно очолює Марк Ротко - уродженець латвійського Даугавпілса (тоді російського Двінська) Маркус Якович Роткович, який пізніше став легендою американського і світового мистецтва. У нього ж входить колишній російський юрист з німецьким, а пізніше французьким паспортом Василь Кандинський - батько абстракціонізму. З Кандинским в рейтингу сусідить його соратник Олексій Явленський, якого весь світ знає під дворянським von Jawlensky. Поруч - Хаїм Сутін, уродженець білоруського містечка Сміловичі, і російський парижанин, родом з Вітебська, Марк Шагал. А замикає десятку вивезений батьками з Білостока Гродненської губернії художник Макс Вебер.

Рейтинг топ-10 картин російських художників в 2016 році складено: місце народження - Росія, один художник - одна картина, продажу - тільки аукціонні (без галерейних і дилерських), а ціни в доларах по спадаючій. Зокрема, якби ми не використали правило «один художник - одна картина», то в топ-10 в цей раз складався б з чотирьох картин Шагала, двох - Сутина, двох картин Кандинського, плюс Родченко і Ротко. Ну, а з правилом виходить все-таки веселіше і різноманітніше.

В чому сенс? По-перше, це красиво! По-друге, дорого і, отже, престижно. І лише по-третє, пізнавально. Адже в першу чергу заради краси такі рейтинги і складаються - інші амбітні завдання перед ними і не ставляться.

Ну що, приступимо?

Топ-10 картин російських художників на аукціонах в 2016 році

Ну і в кінці - свого роду бонус-трек: Павло Челіщев. Цей російський сюрреаліст днями встановив свій персональний рекорд і лише трохи не дотягнув до топ-10 за підсумками 2016 року. Картина Челищева «Концерт» була сенсаційно продана на Christie's в п'ять разів дорожче за естімейт і тепер займає 11-й рядок у списку найдорожчих творів російського мистецтва, проданих на торгах в 2016 році, з результатом $ 1 735 000.

Нагадаю, що нещодавно ми підбили попередні підсумки для внутрішнього російського ринку мистецтва. У звіті була опублікована трійка внутрішніх аукціонних рекордів, а найдорожчою картиною 2016 року став «Полка» Гелія Коржева, продана за $ 370. 000.

Якщо ви думаєте, що всі великі художники залишилися в минулому, то ви навіть не уявляєте, наскільки сильно помиляєтеся. У цій статті ви дізнаєтеся про найвідоміших і талановитих художників сучасності. І, повірте, їх роботи засядуть у вашій пам'яті не менш глибоко, ніж роботи маестро з минулих епох.

Wojciech Babski

Войцех бабський - сучасний польський художник. Закінчив навчання в Сілезькому політехнічному інституті, але пов'язав себе з. В останнім часом малює, в основному, жінок. Фокусується на прояві емоцій, прагне до отримання якомога більшого ефекту простими засобами.

Любить колір, але часто використовує відтінки чорного і сірого, для досягнення найкращого враження. Чи не боїться експериментувати з різними новими техніками. Останнім часом набирає все більшу популярність за кордоном, в основному, в Великобританії, де з успіхом продає свої роботи, які вже можна знайти в багатьох приватних колекціях. Крім мистецтва цікавиться космологією і філософією. Слухає джаз. В даний час живе і працює в місті Катовіце.

Warren Chang

Уоррен Чанг - сучасний американський художник. Народився в 1957 році і виріс в Монтереї, штат Каліфорнія, з відзнакою закінчив коледж дизайну Арт-центр в Пасадені в 1981 році, де отримав ступінь бакалавра образотворчих мистецтв в області. Протягом наступних двох десятиліть він працював в якості ілюстратора для різних компаній в Каліфорнії і Нью-Йорку, перш ніж в 2009 році почати кар'єру професійного художника.

Його реалістичні картини можна розділити на дві основні категорії: біографічні інтер'єрні картини і картини, що зображують людей, які працюють. Його інтерес до подібній манері живопису сягає своїм корінням до творчості художника 16-го століття Яна Вермеєра, і поширюється на предмети, автопортрети, портрети членів сім'ї, друзів, учнів, інтер'єри студії, класу і вдома. Його мета полягає в тому, щоб в своїх реалістичних картинах створити настрій і емоції за допомогою маніпуляції світлом і використанні приглушених кольорів.

Чанг став відомий після переходу до традиційного образотворчого мистецтва. За останні 12 років він заробив безліч нагород і почесних звань, найпрестижніша з них - Master Signature від асоціації художників маслом Америки, найбільшого співтовариства художників маслом в Сполучених Штатах. Лише одна людина з 50, удостоюється можливості отримати цю нагороду. В даний час Уоррен живе в Монтереї і працює в своїй студії, також він викладає (відомий як талановитий педагог) в Академії мистецтв Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Ауреліо Бруні - італійський художник. Народився в місті Блера, 15 жовтня 1955 року. Отримав диплом за фахом сценографія в інституті мистецтва в Сполето. Як художник він самоучка, так як самостійно "зводив будинок знань" на фундаменті, закладеному ще в школі. Малювати маслом почав у віці 19 років. В даний час живе і працює в Умбрії.

Рання живопис Бруні сягає своїм корінням в сюрреалізм, але з часом він починає орієнтуватися на близькість ліричного романтизму і символізму, посилюючи це поєднання вишуканої витонченістю і чистотою своїх персонажів. Одухотворені і неживі об'єкти набувають рівного гідність і виглядають, майже, гіперреалістичність, але, при цьому, не ховаються за завісою, а дозволяють побачити суть своєї душі. Багатогранність і вишуканість, чуттєвість і самотність, задума і плідність є духом Ауреліо Бруні, що живиться пишністю мистецтва і гармонією музики.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос - сучасний польський художник, що спеціалізується в області масляної. Народився 1970 року в Глівіце, Польща, але з 1989 року живе і працює в США, в місті Шаста, штат Каліфорнія.

У дитинстві він вивчав мистецтво під керівництвом свого батька Яна, художника-самоучки і скульптора, тому вже з раннього віку, художня діяльність отримала повну підтримку з боку обох батьків. У 1989 році, у віці вісімнадцяти років, Балос виїхав з Польщі в США, де його шкільний учитель і за сумісництвом художник Кеті Гаггліарді спонукала Алкасандра надійти в художню школу. Потім Балос отримав повну стипендію університету в Мілуокі Вісконсін, де він навчався живопису у професора філософії Гаррі Розіна.

Після завершення навчання в 1995 році і отримання ступеня бакалавра Балос переїхав в Чикаго, щоб вступити на навчання в школі образотворчого мистецтва, Чиї методи грунтуються на творчості Жака-Луї Давида. Фігуративний реалізм і портретний живопис становили більшу частину робіт Балос в 90-х і початку 2000-х років. Сьогодні Балос використовує людську фігуру для того, щоб підкреслити особливості і показати недоліки людського буття, не пропонуючи, при цьому, ніяких рішень.

Сюжетні композиції його картин призначені для того, щоб бути самостійно інтерпретованими глядачем, тільки тоді полотна придбають свій істинний тимчасової і суб'єктивний сенс. У 2005 році художник переїхав до Північної Каліфорнії, з тих пір тематика його робіт значно розширилася і тепер включає в себе більш вільні методи живопису, включаючи абстракцію і різні мультимедійні стилі, що допомагають висловлювати ідеї та ідеали буття через живопис.

Alyssa Monks

Алісса Монкс - сучасна американська художниця. Народилася в 1977 році, в Ріджвуд, Нью-Джерсі. Почала цікавитися живописом, коли була ще дитиною. Навчалася в Новій Школі в Нью-Йорку і Державному університеті Монклер, а закінчивши в 1999 році Бостонський коледж, отримала ступінь бакалавра. Одночасно вона вивчила живопис в академії Лоренцо Медічі у Флоренції.

Потім продовжила навчання за програмою на ступінь магістра в нью-йоркській Академії Мистецтва, на кафедрі фігуративного мистецтва, закінчила його в 2001 році. У 2006 році вона закінчила коледж Фуллертона. Деякий час читала лекції в університетах і освітніх установах по всій країні, викладала живопис в нью-йоркській Академії Мистецтва, а також Державному університеті Монклер і Коледжі Академії Мистецтв Лайма.

"Використовуючи фільтри, такі як скло, вініл, вода і пар, я спотворюю людське тіло. Ці фільтри дозволяють створювати великі площі абстрактного дизайну, з проглядають крізь них островами кольору - частинами людського тіла.

Мої картини змінюють сучасний погляд на вже сформовані, традиційні пози і жести купаються жінок. Вони могли б багато чого розповісти уважному глядачеві про таких, здавалося б, самих собою зрозумілих речах, як користь плавання, танців і так далі. Мої персонажі притискаються до скла вікна душової кабіни, спотворюючи власне тіло, усвідомлюючи, що тим самим впливають на горезвісний чоловічий погляд на оголену жінку. Товсті шари фарби змішані так, щоб здалеку наслідувати склу, пару, воді і плоті. Однак поблизу стають очевидні чудові фізичні властивості олійної фарби. Експериментуючи з шарами фарби і кольором, я знаходжу момент, коли абстрактні мазки стають чимось ще.

Коли я тільки почала малювати людське тіло, я відразу була зачарована і навіть стала одержима їм і вважала, що повинна була робити свої картини як можна більш реалістичними. Я "сповідувала" реалізм, поки він не почав розплутувати і розкривати протиріччя в самому собі. Зараз я досліджую можливості і потенціал манери письма, де зустрічаються представницька живопис і абстракція - якщо обидва стилю можуть співіснувати в один і той же момент часу, я це зроблю ".

Antonio Finelli

Італійський художник - " спостерігач часу"- Антоніо Фінеллі народився 23 лютого 1985 року. В даний час живе і працює в Італії між Римом і Кампобассо. Його роботи були виставлені в декількох галереях в Італії і за кордоном: Римі, Флоренції, Новара, Генуя, Палермо, Стамбулі, Анкарі, Нью-Йорку, також їх можна знайти в приватних і державних колекціях.

Малюнки олівцем " спостерігача часу"Антоніо Фінеллі відправляють нас в вічну подорож по внутрішньому світу людської тимчасовості і пов'язаного з ним скрупульозним аналізом цього світу, головним елементом якого є проходження крізь час і наносяться їм на шкіру сліди.

Фінеллі пише портрети людей будь-якого віку, статі та національності, вирази облич яких свідчать про проходження крізь час, також художник сподівається знайти свідчення нещадність часу на тілах своїх персонажів. Антоніо визначає свої твори одним, загальною назвою: "Автопортрет", тому що на своїх олівцевих малюнках він не просто зображує особистість, але дозволяє глядачеві споглядати реальні результати проходження часу всередині людини.

Flaminia Carloni

Фламінія Карлоні - італійська художниця 37-ми років, дочка дипломата. У неї троє дітей. Дванадцять років жила в Римі, три роки в Англії і Франції. Отримала диплом в галузі історії мистецтва в школі мистецтв BD. Потім отримала диплом за спеціальністю реставратор творів мистецтва. Перш ніж знайти своє покликання і повністю присвятити себе живопису, вона працювала як журналіст, колорист, дизайнер, актриса.

Пристрасть до живопису у Фламіні виникла ще в дитинстві. Її основне середовище - масло, тому що вона любить "coiffer la pate" і також грати з матеріалом. Подібну техніку вона дізналася в роботах художника Паскаля Торюа. Фламінія натхненна великими майстрами живопису, такими як Бальтюса, Хоппер, і Франсуа Легран, а так само і різними художніми рухами: стріт-арт, китайський реалізм, сюрреалізм і реалізм епохи Відродження. Її улюблений художник Караваджо. Її мрія відкрити терапевтичну силу мистецтва.

Denis Chernov

Денис Чернов - талановитий український художник, народився в 1978 році в Самборі, Львівська область, Україна. Після закінчення Харківського художнього училища в 1998 році залишився в Харкові, де в даний час живе і працює. Також він навчався в Харківській державній академії дизайну і мистецтв, кафедра графік, закінчив її в 2004 році.

Він регулярно бере участь в художніх виставках, на даний момент їх відбулося понад шістдесят, як в Україні, так і за кордоном. Більшість робіт Дениса Чернова зберігаються в приватних колекціях в Україні, Росії, Італії, Англії, Іспанії, Греції, Франції, США, Канаді та Японії. Деякі роботи були продані на "Крістіс".

Денис працює в широкому діапазоні графічних і живописних технік. Рисунки карандашом - один з найулюбленіших їм методів живопису, список тем його олівцевих малюнків також досить різноманітний, він пише пейзажі, портрети, ню, жанрові композиції, книжкові ілюстрації, літературні та історичні реконструкції та фантазії.

На сьогоднішній день сучасний живопис набрала немислиму популярність, тому стала відома не тільки своєю тенденцією до розширення кордонів і дослідженню нових виразних засобів, але і рекордними цифрами продажів на ринку сучасного мистецтва за останні декілька років. Причому успіхом користуються художники практично з усього світу, від Америки і до Азії. Далі ви дізнаєтеся, чиї імена представляє найкраща сучасний живопис в світі, хто ж він, найдорожчий сучасний художник, і хто трішки не дотягнув до цього звання.

Найдорожчі сучасні художники

Серед того незліченної кількості імен, які нараховує сучасний живопис, картини лише певних художників користуються винятковим успіхом. Серед них найдорожчі картини виявилися у відомого неоекспресіоніста і ґрафітника Жана-Мішеля Баскіа, який, проте, загинув у віці 27 років. У нашому ж списку ви побачите лише першу сімку тих заможних художників, які живуть і донині.

Брайс Марден

Роботи цього американського автора досить важко класифікувати і привести до єдиного арт-напрямку, хоча його часто відносять до представників то мінімалізму, то абстракціонізму. Але на відміну від художників в цих стилях, до чиїх картинам нібито ніхто ніколи не торкався, сучасний живопис Мардена зберігає в собі мазки мастихіном і інші сліди його роботи. Одним з тих, хто вплинув на його творчість, вважається інший сучасний художник Джаспер Джонс, ім'я якого ви ще зустрінете далі.

Цзен Фаньчжи

Даний сучасний художник - одна з головних фігур китайської арт-сцени на сьогодні. Саме його робота під назвою «Таємна вечеря», створена за мотивами знаменитого твору Леонардо да Вінчі, була продана за 23,3 мільйона доларів і стала найдорожчою картиною, яку може похвалитися сучасна азіатська живопис. Відомими також є роботи художника «Автопортрет», триптих «Госпіталь» та живопис із серії «Маски».

У 90-і роки стиль його живопису часто зазнавав змін і в підсумку пішов від експресіонізму в символізм.

Пітер Дойг

Пітер Дойг - всесвітньо відомий шотландський сучасний художник, чия творчість пронизує тема магічного реалізму. Багато його роботи мають властивість дезорієнтувати глядача, навіть коли вони зображують впізнавані образи на кшталт фігур, дерев і будівель.

У 2015 році його картині «Swamped» вдалося побити рекорд і отримати звання найдорожчої картини сучасних художників з Шотландії, будучи проданою на аукціоні за 25,9 мільйона. Популярними є і полотна Дойга «Будинок архітектора в долині», «Біле каное», «Віддзеркалення», «Придорожня закусочна» та інші.

Крістофер Вул

У своїй творчості сучасний художник Крістофер Вул досліджує різні постконцептуального ідеї. Найбільш відомі сучасні картини художника є блокові написи, зображені чорним кольором на білому полотні.

Подібні картини сучасних художників викликають масу суперечок і невдоволень серед прихильників традиційного живопису, але, так чи інакше, одна з робіт Вула - «Апокаліпсис», - принесла йому 26 мільйонів доларів. Над заголовками картин Вул довго не думає, а називає їх відповідно написам: «Синій дурень», «Неприємності» і т. П.

Джаспер Джонс

Сучасний художник Джаспер Джонс відомий своїм бунтарським ставленням до абстрактного експресіонізму, який панував на арені живопису на початку кар'єри художника. Більш того, він працює, створюючи дорогі полотна з прапорами, номерними знаками, цифрами та іншими загальновідомими символами, які вже володіють ясним значенням і розгадувати їх не потрібно.

До речі, в найдорожчі картини сучасних художників входить робота американця «Прапор», продана на аукціоні в 2010 році за 28 мільйонів доларів. Можете також подивитися на роботи «Три прапора», «Фальстарт», «Від 0 до 9», «Мішень з чотирма особами» і багато інших.

Герхард Ріхтер

Цей сучасний художник з Німеччини, як і багато художників на початку свого шляху, навчався реалістичною академічного живопису, але згодом захопився більш прогресивним мистецтвом.

У творчості автора можна побачити вплив багатьох арт-напрямків XX століття, таких, як абстрактний експресіонізм, поп-арт, мінімалізм і концептуалізм, але разом з цим Ріхтер зберіг скептичне ставлення до всіх усталеним художнім і філософським переконанням, будучи впевненим у тому, що сучасна живопис - це динаміка і пошук. До робіт художника належать «Країна лугів», «Читання», «1 024 кольори», «Стіна» і т. Д.

Джефф Кунс

І, нарешті, ось він - найдорожчий сучасний художник усього світу. Американець Джефф Кунс працює в стилі нео-поп і відомий своїм яскравим, кітчевим і викликає творчістю.

В основному він відомий як автор величезної кількості сучасних скульптур, частина яких виставлялися в самому Версалі. Але також серед робіт художника є і картини, за які особливі поціновувачі готові віддати мільйони доларів: «Дзвін свободи», «Авто», «Дівчина з дельфіном і мавпою», «Сідло» та інші.

Забирай собі, розкажи друзям!

Читайте також на нашому сайті:

показати ще

Рейтинг найдорожчих робіт сучасних художників - це конструкція, що говорить про роль і місце художника в історії мистецтва куди менше, ніж про вік і фортеці здоров'я

Правила складання нашого рейтингу прості: по-перше, в розрахунок беруться тільки угоди з роботами нині живих авторів; по-друге, враховуються тільки публічні аукціонні продажі; і по-третє, дотримується правило «один художник - одна робота» (якщо в рейтингу робіт два рекорди належать Джонсу, то залишається тільки найдорожча, а решта в розрахунок не беруться). Ранжування ведеться в перерахунку на долари (за курсом на дату продажу).

1. Джефа Кунса Кролик. 1986. $ 91,075 млн

Чим довше спостерігаєш за аукціонною кар'єрою Джеффа Кунса (1955), тим більше переконуєшся в тому, що для поп-арту немає нічого неможливого. Можна захоплюватися скульптурами Кунса у вигляді іграшок з повітряних куль, а можна вважати їх кічем і несмаком - ваше право. Одного заперечувати не можна: інсталяції Джеффа Кунса коштують шалених грошей.

Джефф Кунс почав свій шлях до слави найуспішнішого в світі нині живе художника в далекому 2007 році, коли його гігантська металева інсталяція «Підвісне сердечко» була куплена за $ 23,6 млн на торгах Sotheby "s. Роботу купила представляє Кунса галерея Ларрі Гагосяна (в пресі писали, що в інтересах українського мільярдера Віктора Пінчука). Галерея набула не просто інсталяцію, а, по суті, витвір ювелірного мистецтва. Нехай робота виконана і не з золота (матеріалом послужила нержавіюча сталь) і розміром вона явно побільше звичайного кулона (скульптура заввишки 2,7 м важить 1 600 кг), але зате має подібне призначення. На виробництво композиції з серцем, покритим десятьма шарами фарби, було витрачено понад шести з половиною тисяч годин. В результаті за ефектне «прикраса» заплатили величезні гроші.

Далі був продаж «Квітки з повітряної кульки» пурпурного кольору за £ 12,92 млн ($ 25,8 млн) на лондонських торгах Christie's 30 червня 2008 року. Цікаво, що сім'ю роками раніше попередні власники «Квітки» придбали роботу за $ 1,1 млн. Нескладно підрахувати, що за цей час її ринкова ціна виросла майже в 25 разів.

Спад на арт-ринку 2008-2009 років дав скептикам привід позлословити про те, що мода на Кунса пройшла. Але вони помилилися: разом з арт-ринком відродився і інтерес до робіт Кунса. Наступник Енді Уорхола на троні короля поп-арту оновив свій персональний рекорд в листопаді 2012 року продажем на Christie's різнобарвною скульптури «Тюльпани» із серії «Торжество» за $ 33,7 млн \u200b\u200bз урахуванням комісії.

Але «Тюльпани» були «квіточками» в прямому і переносному сенсі. Всього через рік, в листопаді 2013 року, пішла продаж скульптури з нержавіючої сталі «Собака з повітряних куль (помаранчева)»: ціна молотка склала аж $ 58,4 млн! Нечувана сума для нині живе художника. Твір сучасного автора продали за ціною картини Ван Гога або Пікассо. Ось це були вже ягідки ...

З цим результатом Кунс на кілька років запанував на вершині рейтингу нині живих художників. У листопаді 2018 року його ненадовго перевершив Девід Хокні (дивіться другу сходинку нашого рейтингу). Але всього через півроку все повернулося на круги своя: 15 мая 2019 року в Нью-Йорку на торгах післявоєнного і сучасного мистецтва Christie's на продаж виставили хрестоматійну для Кунса скульптуру 1986 року - сріблястого «Кролика» з нержавіючої сталі, що імітує повітряну кульку подібної форми.

Всього таких скульптур Кунс створив 3 жарти плюс один авторський екземпляр. На торги потрапив екземпляр «Кролика» під номером 2 - з колекції культового видавця Сая Ньюхаус, співвласника видавничого дому Conde Nast (журнали Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ і ін.). Сріблястий «Кролик» був куплений «батьком гламуру» Саем Ньюхаус в 1992 році за значну за мірками тих років суму - 1 мільйон доларів. Через 27 років в боротьбі 10 Біддера ціна молотка скульптури 80-кратно перевищила попередню ціну продажу. А з урахуванням комісії Buyer's Premium підсумковий результат склав рекордні для всіх нині живих художників $ 91,075 млн.

2. Девід Хокні Портрет художника. Басейн з двома фігурами. 1972. $ 90 312 500

Девід Хокні (1937) - один з найбільш значущих британських художників ХХ століття. У 2011 році, за результатами опитування тисячі професійних британських художників і скульпторів, Девіда Хокні визнали найвпливовішим британським художником всіх часів. При цьому Хокні обійшов таких метрів, як Вільям Тернер і Френсіс Бекон. Його творчість, як правило, відносять до поп-арту, хоча в ранніх роботах він більше тяжів до експресіонізму в дусі Френсіса Бекона.

Народився і виріс Девід Хокні в Англії, в графстві Йоркшир. Мати майбутнього художника тримала сім'ю в пуританської суворості, а батько, простий бухгалтер, трохи малював на аматорському рівні, заохочував заняття сина живописом. У двадцять з невеликим Девід поїхав до Каліфорнії, де прожив в цілому близько трьох десятків років. У нього і зараз там зберігаються дві майстерень. Хокні зробив героями своїх творів місцевих багатіїв, їх вілли, басейни, залиті каліфорнійським сонцем газони. Одне з найвідоміших його творів американського періоду - картина «Сплеск» - являє собою зображення снопа бризок, що піднявся з басейну слідом за який стрибнув у воду людиною. Щоб зобразити цей сніп, «живе» не більше двох секунд, Хокні працював два тижні. До речі, ця картина в 2006 році була продана на Sotheby's за $ 5,4 млн і якийсь час вважалася найдорожчою його роботою.

Хокні (1937) вже за вісімдесят, але він як і раніше працює і навіть винаходить нові художні прийоми з використанням технічних новинок. Колись він придумав робити величезні колажі з полароїдних знімків, друкував свої роботи на факс-апаратах, а сьогодні художник з натхненням освоює малювання на iPad. Картини, намальовані на планшеті, займають гідне місце на його виставках.

У 2005-му Хокні остаточно повернувся зі Штатів до Англії. Тепер він пише на пленері і в майстерні величезні (часто складаються з декількох частин) пейзажі місцевих лісів і пусток. За словами Хокні, за 30 років, проведених в Каліфорнії, він так відвик від простої зміни пір року, що вона його по-справжньому захоплює і заворожує. Цілі цикли його недавніх робіт присвячені, наприклад, одному і тому ж пейзажу в різні пори року.

У 2018 році ціни на картини Хокні кілька разів пробивали позначку в 10 мільйонів доларів. А 15 листопада 2018 року на Christie's був зареєстрований новий абсолютний рекорд для творчості нині живе художника - $ 90 312 500 за картину «Портрет художника (Басейн з двома фігурами)».

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна картина. 1986. $ 46,3 млн

живий класик Герхард Ріхтер (1932) займає друге місце в нашому рейтингу. Німецький художник був лідером серед нині живих колег, поки не грянув 58-мільйонний рекорд Джеффа Кунса. Але навряд чи ця обставина може похитнути і без того залізний авторитет Ріхтера на арт-ринку. За підсумками 2012-го річний аукціонний оборот німецького художника поступається тільки аналогічним показникам Енді Уорхола і Пабло Пікассо.

Довгі роки ніщо не віщувало того успіху, який обрушився на Ріхтера зараз. Десятиліттями художник займав скромне місце на ринку сучасного мистецтва і анітрохи не прагнув до слави. Можна сказати, що слава наздогнала його сама. За відправну точку багато хто вважає покупку нью-йоркським музеєм МоМА в 1995 році серії робіт Ріхтера «18 жовтня 1977». Американський музей заплатив $ 3 млн за 15 картин в сірих тонах і незабаром задумався про проведення повноцінної ретроспективи німецького художника. Грандіозна виставка відкрилася шість років по тому, в 2001-му, і з тих пір інтерес до творчості Ріхтера ріс як на дріжджах. З 2004-го по 2008 рік ціни на його живопис виросли втричі. У 2010 році роботи Ріхтера принесли вже $ 76,9 млн, 2011 році, за даними сайту Artnet, твори Ріхтера на аукціонах в сумі заробили $ 200 млн, а в 2012-му (за даними Artprice) - $ 262,7 млн \u200b\u200b- більше, ніж роботи будь-якого іншого нині живе художника.

У той час як, наприклад, у Джаспера Джонса приголомшливий успіх на торгах супроводжує в основному тільки ранніх робіт, для творів Ріхтера таке різке поділ не характерно: попит однаково стійкий на речі різних творчих періодів, яких в кар'єрі Ріхтера було безліч. За останні шістдесят років цей художник спробував себе практично у всіх традиційних живописних жанрах - портреті, пейзажі, Марині, ню, натюрморті і, звичайно, абстракції.

Історія аукціонних рекордів Ріхтера почалася з серії натюрмортів «Свічки». 27 фотореалістичних зображень свічок на початку 1980-х, в період їх написання, коштували всього по 15 тисяч німецьких марок ($ 5 800) за роботу. Але «Свічки» все одно ніхто не купив на їх першій виставці в галереї Макса Хецлера в Штутгарті. Тоді тема картин була названа старомодною; сьогодні ж «Свічки» вважають роботами на всі часи. І стоять вони мільйони доларів.

У лютому 2008 року «Свіча», написана в 1983 році, була несподівано куплена за £ 7,97 млн \u200b\u200b($ 16 млн). Цей персональний рекорд протримався три з половиною роки. потім в жовтні 2011 року ще одна «Свічка» (1982) пішла з молотка на Christie's вже за £ 10,46 млн ($ 16,48 млн). З цим рекордом Герхард Ріхтер вперше увійшов до трійки найуспішніших сучасних художників, зайнявши своє місце за Джаспером Джонсом і Джеффом Кунсом.

Далі почався переможний хід «Абстрактних картин» Ріхтера. Подібні твори художник пише в унікальній авторській техніці: він завдає на світлий фон суміш простих фарб, А потім за допомогою довгого скребка розміром з автомобільний бампер розмазує їх по полотну. При цьому виходять хитромудрі кольорові переходи, плями і смуги. Розгляд поверхні його «Абстрактних картин» подібно розкопкам: на них сліди різноманітних «фігур» проглядають крізь розриви численних барвистих шарів.

9 листопада 2011 року на аукціоні сучасного і післявоєнного мистецтва Sotheby's масштабна «Абстрактна картина (849-3)» 1997 року пішла з молотка за $ 20,8 млн (£ 13,2 млн). А через півроку, 8 травня 2012 року на торгах післявоєнного і сучасного мистецтва Christie's в Нью-Йорку «Абстрактна картина (798-3)» 1993 року пішла за рекордні $ 21,8 млн (З урахуванням комісії). Через п'ять місяців - знову рекорд: «Абстрактна картина (809-4)» з колекції рок-музиканта Еріка Клептона 12 жовтня 2012 року на торгах Sotheby's в Лондоні пішла з молотка за £ 21,3 млн ($ 34,2 млн). Бар'єр в 30 млн був узятий Ріхтером з такою легкістю, немов мова йде нема про сучасного живопису, а про шедеврах, яким вже років сто - не менше. Хоча у випадку з Ріхтером схоже, що включення в пантеон «великих» відбулося вже за життя художника. Ціни на роботи німця продовжують рости.

Наступний рекорд Ріхтера належав фотореалістичному роботі - пейзажу «Соборна площа, Мілан (Domplatz, Mailand)» 1968 року. Робота була продана за 37,1 млн на аукціоні Sotheby's 14 травня 2013 року. Вид одній з найкрасивіших площ був написаний німецьким художником в 1968 році на замовлення компанії Siemens Electro, спеціально для міланського офісу компанії. На момент свого написання це була найбільша фігуративне твір Ріхтера (розміром майже три на три метри).

Рекорд «Соборній площі» протримався майже два роки, поки 10 лютого 2015 го його не перебити «Абстрактна картина» (1986): ціна молотка досягла £ 30,389 млн ($ 46,3 млн). Виставлена \u200b\u200bна торги Sotheby's «Абстрактна картина" розміром 300,5 × 250,5 см - одна з перших масштабних робіт Ріхтера в його особливій авторській техніці соскребания шарів фарби. В останній раз в 1999 році ця «Абстрактна картина" була куплена на аукціоні за $ 607 тис. (З цього року і аж до поточного продажу робота експонувалася в Музеї Людвіга в Кельні). На торгах 10 лютого 2015 року якийсь американський клієнт аукціонними кроками по £ 2 млн дійшов до ціни молотка в $ 46,3 млн. Тобто. З 1999 року робота виросла в ціні більш ніж в 76 разів!

4. Цуй ЖУЧЖО «Великі засніжені гори». 2013. $ 39,577 млн.

Довгий час ми не дуже уважно стежили за розвитком ситуації на китайському арт-ринку, не бажаючи перевантажувати наших читачів зайвою кількістю інформації про «Не нашому» мистецтві. За винятком дисидента Ай Вейвея, не настільки навіть дорогого, як резонансного художника, китайські автори здавалися нам дуже численними і далекими від нас, щоб вникати в те, що у них там на ринку відбувається. Але статистика, як то кажуть, дама серйозна, і вже якщо ми говоримо про найуспішніших нині живих авторів в світі, то без розповіді про видатних представників контемпорарі-арту Піднебесної все ж не обійтися.

Почнемо з китайського художника Цуй Жучжо (Cui Ruzhuo). Художник народився в 1944 році в Пекіні, з 1981 по 1996 рік жив в США. Після повернення в Китай став викладати в Національній Академії мистецтв. Цуй Жучжо переосмислює традиційну китайську манеру малювання тушшю і створює величезні полотна-сувої, які так люблять підносити в якості подарунків один одному китайські бізнесмени і чиновники. На Заході про нього відомо вкрай мало, хоча, мабуть, багато хто пам'ятає історію з сувоєм за $ 3,7 млн, який помилково викинули, прийнявши за сміття, прибиральники гонконгського готелю. Так ось - це був сувій саме Цуй Жучжо.

Цуй Жучжо вже за 70, а ринок його робіт процвітає. Понад 60 робіт цього художника переступили планку в $ 1 млн. Втім, успіх його твори мають поки лише на китайських аукціонах. Рекорди Цуй Жучжо дійсно справляють враження. спочатку його «Пейзаж в снігу» на торгах Poly Auction в Гонконзі 7 квітня 2014 року досяг ціни молотка в 184 мільйони гонконгських доларів ( $ 23,7 млн \u200b\u200bСША).

Рівно через рік, 6 квітня 2015 го,на спеціальному аукціоні Poly Auction в Гонконзі, присвяченому виключно роботам Цуй Жучжо, серія «Великий сніговий пейзаж гірського Цзяннань»(Цзяннань - історична область в Китаї, що займає правий берег нижньої течії Янцзи) З восьми пейзажів тушшю на папері досягла ціни молотка 236 мільйонів гонконгських доларів ( $ 30,444 млн США).

Рік по тому історія знову повторилася: на соло-аукціоні Цуй Жучжо, що проводився Poly Auctions в Гонконзі 4 квітня 2016 року полиптих з шести частин «Великі засніжені гори» 2013 року досяг ціни молотка (з урахуванням комісії аукціонного будинку) 306 мільйонів гонконгських доларів ($ 39,577 млн \u200b\u200bСША). Поки що це абсолютний рекорд серед азіатських нині живих художників.

Як вважає арт-дилер Джонсон Чан, вже 30 років працює з китайським сучасним мистецтвом, в наявності безумовне бажання підняти ціни на роботи цього автора, проте все це відбувається на такому ціновому рівні, де досвідчені колекціонери навряд чи захочуть щось купувати. «Китайці хочуть підняти рейтинги своїх художників, піднімаючи ціни на їх роботи на великих міжнародних аукціонах на кшталт того, що організував Poly в Гонконзі, проте не варто сумніватися в тому, що ці рейтинги повністю сфабриковані», - коментує Джонсон Чан останній рекорд Цуй Жучжо.

Це, звичайно, тільки думка одного окремо взятого дилера, а у нас в наявності реальний рекорд, записаний в усі бази даних. Так що будемо з ним рахуватися. Сам Цуй Жучжо, судячи з його висловлювань, далекий від скромності Герхарда Ріхтера, коли справа стосується його аукціонних успіхів. Схоже, що ця гонка за рекордами його всерйоз захоплює. «Я сподіваюся, що за найближчі 5-10 років ціни на мої роботи перевершать ціни на роботи західних майстрів на кшталт Пікассо і Ван Гога. Це китайська мрія », - каже Цуй Жучжо.

5. Джаспер Джонс Прапор. 1983. $ 36 млн

Третє місце в рейтингу сучасних художників належить американцеві Джасперу Джонсу (1930). Поточна рекордна ціна для робіт Джонса - $ 36 млн. Стільки заплатили за його знаменитий «Прапор» на торгах Christie "s 12 листопада 2014 року.

Серія картин «прапорів», розпочата Джонсом в середині 1950-х років, відразу після повернення художника з армії, стала однією з центральних у його творчості. Художника ще в молодості зацікавила ідея реді-мейд, перетворення повсякденного об'єкта на витвір мистецтва. Однак у Джонса прапори не були справжніми, вони були написані маслом на полотні. Таким чином, твір мистецтва набувало властивості речі зі звичайного життя, воно було в один і той же час і зображенням прапора і власне прапором. Серія робіт з прапорами принесла Джасперу Джонсу світову популярність. Але не менш популярні і його абстрактні роботи. Довгі роки список найдорожчих робіт, складений за вищенаведеними правилами, очолював його абстрактний «Фальстарт». До 2007 року цей дуже яскравий і декоративний полотно, написаний Джонсом в 1959 році, вважався володарем практично недоступною для нині живе художника (нехай і прижиттєвого класика) ціни - $ 17 млн. Стільки за нього заплатили в золотом для арт-ринку 1988 році.

Цікаво, що стаж Джаспера Джонса як носія рекорду ні безперервним. У 1989 році його перебила робота колеги по цеху Віллема де Кунінга: двометрова абстракція «Змішання» була продана на Sotheby "s за $ 20,7 млн. Джасперу Джонсу довелося посунутися. Але через 8 років, в 1997 році, де Кунінг помер, і« фальстарт »Джонса знову зайняв перший рядок аукціонного рейтингу нині живих художників майже на 10 років.

Але в 2007 році все змінилося. Рекорд «фальстарт» спочатку затьмарили роботи молодих і амбітних Деміена Херста і Джеффа Кунса. Потім була рекордна продаж за $ 33,6 млн картини «Сплячий інспектор по допомозі» пензля Лусіена Фрейда (нині вже покійного, а значить, не бере участі в цьому рейтингу). Далі почалися рекорди Герхарда Ріхтера. Загалом, поки що з поточним рекордом в 36 млн Джаспер Джонс, один з метрів американського післявоєнного мистецтва, що працює на стику нео-дадаїзму, абстрактного експресіонізму і поп-арту, знаходиться на почесному третьому місці.

6. ЕД РУШЕЙ Smash. 1963. $ 30,4 млн

Раптовий успіх картини «Smash» пензля американського художника Едварда Руше (р. 1937) на торгах Christie's 12 листопада 2014 вивів цього автора в число найдорожчих сучасних художників. Попередня рекордна ціна на роботи Еда Руше (часто прізвище Ruscha вимовляють по-російськи як «Руша», проте правильне вимова - Рушей) становила «всього» $ 6,98 млн: стільки заплатили за його полотно «Палаюча бензоколонка» в 2007 році. Сім років по тому його «Smash» при естімейті $ 15-20 млн досяг ціни молотка $ 30,4 млн. Очевидно, що ринок робіт цього автора вийшов на новий рівень - не дарма його роботами прикрашає Білий Дім Барак Обама, а сам Ларрі Гагосян виставляє його в своїх галереях.

Ед Рушей ніколи не прагнув в післявоєнний Нью-Йорк з його повальним захопленням абстрактним експресіонізмом. Замість цього на протязі більше 40 років він шукав натхнення в Каліфорнії, куди переїхав з Небраски в віці 18 років. Художник стояв біля витоків нової течії в мистецтві, що отримав назву поп-арт. Разом з Уорхолом, Ліхтенштейном, Уейном Тібо і іншими співаками масової культури Едвард Рушей в 1962 році взяв участь у виставці «Нове зображення звичайних речей» в Музеї Пасадени, що стала першою музейною експозицією американського поп-арту. Втім, сам Ед Рушей не любить, коли його творчість відносять до поп-арту, концептуалізму або якомусь іншому течією в мистецтві.

Його унікальний стиль називають «текстової живописом». З кінця 1950-х Ед Рушей почав малювати слова. Так само, як для Уорхола твором мистецтва стала банка супу, для Еда Руше такими стали звичайні слова і фрази, взяті їм чи то з рекламного щита або упаковки в супермаркеті, чи то з титрів фільму (Голлівуд завжди був у Руше «під боком», і на відміну від багатьох колег-художників Рушей поважав «фабрику мрій»). Слова на його полотнах набувають властивостей тривимірних об'єктів, це справжні натюрморти з слів. При погляді на його полотна першим в голову приходить візуальне і звукове сприйняття намальованого слова, і вже після - смислове значення. Останнє, як правило, не піддається однозначної дешифрування; обрані Руше слова і фрази можна трактувати по-різному. Те ж яскраво-жовте слово «Smash» на глибокому синьому тлі може сприйматися як агресивний заклик розбити вщент щось або когось; як самотнє прикметник, вирване з контексту (частина якогось газетного заголовка, наприклад), або ж просто як окреме слово, спіймана в урбаністичному потоці візуальних образів. Ед Рушей насолоджується цією невизначеністю. «Я завжди глибоко поважав дивні, незрозумілі речі ... Пояснення в якомусь сенсі вбивають річ», - сказав він в одному з інтерв'ю.

7. КРІСТОФЕР ВУЛ Без назви (RIOT). 1990. $ 29,93 млн

американський художник Крістофер Вул (1955) вперше увірвався в рейтинг нині живих художників в 2013 році - після продажу роботи «Апокаліпсис сьогодні» за $ 26,5 млн. Цей рекорд відразу поставив його в один ряд з Джаспером Джонсом і Герхардом Ріхтером. Сума цієї історичної угоди - більше $ 20 млн - здивувала багатьох, оскільки до неї ціни на роботи художника не перевищували $ 8 млн. Однак бурхливе зростання ринку робіт Крістофера Вула до того моменту був уже очевидний: в послужному списку митця було 48 аукціонних угод на суми понад $ 1 млн, причому 22 з них (майже половина) відбулися в 2013 році. Два роки по тому кількість робіт Кріса Вула, проданих дорожче $ 1млн, досягло 70, і новий персональний рекорд не змусив себе чекати. на торгах Sotheby's 12 травня 2015 робота «Без назви (RIOT)» була продана за $ 29,93 млн з урахуванням Buyer's Premium.

Крістофер Вул відомий головним чином своїми масштабними роботами з зображеннями чорних літер на білих алюмінієвих листах. Саме вони, як правило, встановлюють рекорди на аукціонах. Все це речі кінця 1980-х - початку 1990-х. Як свідчить легенда, одного разу Вул прогулювався ввечері по Нью-Йорку і раптом побачив на новому білому вантажівці графіті чорними літерами - слова sex і luv. Це видовище так його вразило, що він тут же повернувся в майстерню і написав свою версію з цими ж словами. На дворі був 1987 рік, і подальші пошуки художником слів і фраз для своїх «літерних» робіт відображають суперечливий дух цього часу. Це і заклик «продай будинок, продай машину, продай дітей», взятий Вулом з фільму «Апокаліпсис сьогодні», і слово «FOOL» ( «дурень») великими літерами, і слово «RIOT» ( «повстання»), часто зустрічалося в газетних заголовках того часу.

Слова і фрази Вул наносив на алюмінієві листи за допомогою трафаретів алкідними або емалевими фарбами, навмисно залишаючи патьоки, сліди від трафаретів і інші свідоцтва творчого процесу. Слова художник ділив так, щоб глядач не відразу розумів сенс. Спочатку ти бачиш тільки скупчення букв, т. Е. Сприймаєш слово як візуальний об'єкт, і тільки потім вчитуватися і розшифровувати сенс фрази або слова. Вул використовував шрифт, який був в ходу у американських військових після Другої світової війни, що посилює враження наказу, директиви, гасла. Ці «літерні» роботи сприймаються як частина міського ландшафту, як нелегальне графіті, яка порушила чистоту поверхні якогось вуличного об'єкта. Ця серія робіт Крістофера Вула визнана однією з вершин лінгвістичної абстракції, а тому і оцінюється настільки високо любителями сучасного мистецтва.

8. ПІТЕР Дойг Роуздейл. 1991. $ 28,81 млн

британець Пітер Дойг(1959), хоч він і відноситься до покоління постмодерністів Кунса і Херста, обрав для себе цілком традиційний жанр пейзажу, який тривалий час був не в фаворі у передових художників. Своєю творчістю Пітер Дойг відроджує згаслий було інтерес публіки до фігуративного живопису. Його роботи високо оцінюють як критики, так і неспеціалісти, і свідчення тому - стрімке зростання цін на його твори. Якщо на початку 1990-х його пейзажі коштували кілька тисяч доларів, то тепер рахунок йде на мільйони.

Творчість Дойга часто називають магічним реалізмом. На основі реальних пейзажів він створює фантазійні, загадкові і часто похмурі образи. Художник любить зображати покинуті людьми об'єкти: напівзруйновану будівлю споруди Ле Корбюзьє посеред лісу або пусте біле каное на гладі лісового озера. Крім природи і уяви, Дойга надихають фільми жахів, старі листівки, фотографії, любительські відеозаписи та ін. Картини Дойга барвисті, складні, декоративні і не провокаційні. Такий живописом володіти приємно. Підігріває інтерес колекціонерів ще і невисока продуктивність автора: проживає в Тринідаді художник створює не більше десятка картин на рік.

На початку 2000-х окремі пейзажі художника продавалися за кілька сотень тисяч доларів. Тоді ж роботи Дойга потрапили в галерею Саатчі, на бієнале в Музеї Уітні і в колекцію МоМА. У 2006 році була подолана аукціонна планка в $ 1 млн. А в наступному році стався несподіваний прорив: робота «Біле каное», запропонована на Sotheby's 7 лютого 2007 року з естімейтом $ 0,8-1,2 млн, в п'ять разів перевищила попередню оцінку і була продана за £ 5,7 млн \u200b\u200b($ 11,3 млн). На той момент це була рекордна ціна для робіт нині живе європейського художника.

У 2008-му пройшли персональні виставки Дойга в галереї Тейт і в Музеї сучасного мистецтва в Парижі. Багатомільйонні цінники для робіт Дойга стали нормою. Персональний рекорд Пітера Дойга останнім часом став оновлюватися по кілька разів на рік - ми тільки і встигаємо, що міняти картинку і місце цього художника в нашому рейтингу нині живих авторів.

На сьогоднішній день найдорожча робота Пітера Дойга - сніжний пейзаж «Роуздейл» ( "Rosedale") 1991 року. Що цікаво, рекорд був встановлений нема на Sotheby's або Christie's, а на торгах сучасного мистецтва аукціонного дому Phillips. Це сталося 18 травня 2017 року. Вид засніженого Роуздейл, одного з районів Торонто, був проданий телефонному покупцеві за $ 28,81 млн. Це приблизно на 3 мільйони вище попереднього рекорду ($ 25,9 млн за роботу «Заклопотані трясовиною»). Полотно «Роуздейл» брало участь в ключовий виставці Дойга в галереї Whitechapel в Лондоні в 1998 році, і в цілому ця робота для ринку була свіжою, а тому рекордна ціна цілком заслужена.

9. Френк СТЕЛЛА Мис сосен. 1959. $ 28 млн

Френк Стелла (Frank Stella) - яскравий представник постжівопісной абстракції і мінімалізму в мистецтві. На певному етапі його відносять до представників стилю жорстких контурів (hard edge painting). На перших порах Стелла протиставив строгу геометричність, аскетичну монохромність і структурованість своїх картин спонтанності і хаотичності полотен абстрактних експресіоністів начебто Джексона Поллока.

В кінці 1950-х років художник був помічений відомим галеристом Лео Кастеллі і вперше удостоївся виставки. На ній він представив так звані «Чорні картини» - полотна, зафарбовані паралельними чорними лініями з тонкими проміжками незафарбовані полотна між ними. Лінії складаються в геометричні форми, які схожі на оптичні ілюзії, ті самі картинки, які мерехтять, рухаються, закручуються, створюють відчуття глибокого простору, якщо довго на них дивитися. Тему паралельних ліній з тонкими розділовими смужками Стелла продовжив в роботах на алюмінії і міді. Змінювалися фарби, мальовнича основа і навіть форма картин (серед інших виділяються роботи в формі букв U, T, L). Але головний принцип його живопису як і раніше складався в чіткості контура, монументальності, простій формі, монохромности. У наступні десятиліття Стелла пішов від такої геометричной живопису в сторону плавних, природних форм і ліній, а від однотонних картин - до яскравих і різноманітним колірним переходам. У 1970-ті Стеллу полонили величезні лекала, за допомогою яких фарбують кораблі. Художник використав їх для величезних картин з елементами ассамбляжа - включав в роботи шматки сталевих труб або дротяної сітки.

У своїх ранніх інтерв'ю Френк Стелла відверто розмірковує щодо вкладених в свої роботи смислів, точніше, щодо їх відсутності: «Те, що ти бачиш, є те, що ти бачиш». Картина є сама по собі об'єкт, а не відтворення чого-небудь. «Це пласка поверхня з фарбою на ній і нічого більше», - говорив Стелла.

Що ж, підписана Френком Стеллою, ця «поверхню з фарбою на ній» сьогодні може коштувати мільйони доларів. Вперше в рейтинг нині живих художників Френк Стелла потрапив в 2015 році з продажем роботи «Перехід Делавера» (1961) за $ 13,69 млн із урахуванням комісії.

Через чотири роки, 15 травня 2019 року новий рекорд встановила рання (1959 року) робота «Мис сосен»: ціна молотка склала понад $ 28 млн з урахуванням комісії. Це одна з 29 «чорних картин» - тих самих, з якими Стелла дебютував на своїй першій виставці в Нью-Йорку. Випускнику Прінстонського університету Френку Стеллі тоді було 23 роки. Грошей на масляну фарбу для художників йому часто не вистачало. Молодий художник підробляв ремонтними роботами, йому дуже сподобалися чисті кольори малярської фарби, і тоді виникла ідея працювати цією фарбою на полотні. Чорної емалевої фарбою Стелла пише паралельні смуги, залишаючи тонкі лінії незагрунтовану полотна між ними. Причому пише він без лінійок, на око, без попереднього начерку. Стелла ніколи не знав, скільки саме чорних ліній вийде на конкретній картині. Наприклад, на картині «Мис сосен» їх вийшло 35. Назва роботи відсилає до назви мису в затоці Массачусетс - Point of pines. На початку ХХ століття на ньому був великий парк атракціонів, а сьогодні це один з районів міста Ревір.

10. Есітомо НАРА Ніж за спиною. 2000. $ 24,95 млн

Есітомо Нара (1959) - одна з ключових фігур японського нео-поп-арту. Японського - тому що, незважаючи на глобальну популярність і довгі роки роботи за кордоном, його творчість як і раніше відрізняє виражена національна ідентичність. Улюблені персонажі Нари - дівчата і собаки в стилі японських коміксів манга і аніме. Придумані ним образи вже багато років як «пішли в народ»: їх друкують на футболках, роблять з ними сувеніри та різний «Мерч». Народженого в бідній сім'ї, далеко від столиці, його не тільки люблять за талант, а й цінують як людину, яка зробила себе. Художник працює швидко, експресивно. Відомо, що деякі його шедеври були виконані буквально за ніч. Картини і скульптури Есітомо Нари, як правило, дуже лаконічні, а то і скупі в виразних засобах, але завжди несуть сильний емоційний заряд. Дівчатка-підлітки у Нари часто дивляться на глядача з недобрим прищуром. В їхніх очах - зухвалість, виклик і агресія. В руках - то ніж, то сигарета. Є думка, що зображені перверсії поведінки - це реакція на давить суспільну мораль, різні табу, і принципи виховання, прийняті у японців. Майже середньовічна строгість і сором заганяють проблеми всередину, створюють грунт для відкладеного емоційного вибуху. «Ніж за спиною» якраз ємко відображає одну з головних ідей художника. У цій роботі є і ненависний погляд дівчинки, і рука, загрозливо заведена за спину. До 2019 року картини і скульптури Есітомо Нара вже не раз брали позначку в мільйон, а то і кілька мільйонів. Але двадцять мільйонів - вперше. Нара - один з найвідоміших у світі художників японського походження. А тепер і найдорожчий з нині живих. 6 жовтня 2109 року на Sotheby's в Гонконзі він відібрав цей титул у Такасі Муракамі і помітно обійшов 90-річну авангардисткою Яеї Кусама (максимальні аукціонні ціни на її картини вже наближаються до $ 9 млн).

11. Цзен Фаньчжи Таємна вечеря. 2001. $ 23,3 млн

На торгах Sotheby's в Гонконзі 5 жовтня 2013 року масштабне полотно "Таємна вечеря" пекінського художника Цзен Фаньчжи (1964) було продано за рекордну суму 160 мільйонів гонконгських доларів - $ 23,3 млн США. Підсумкова вартість роботи Фаньчжи, написаної, звичайно ж, під впливом творчості Леонардо да Вінчі, виявилася вдвічі вищою за попередню оцінку близько $ 10 млн. Попередній ціновий рекорд Цзен Фаньчжи - $ 9,6 млн, Заплачених на гонконгських торгах Christie's в травні 2008 року за роботу «Серія Маска. 1996. No. 6 ».

«Таємна вечеря» - найбільше (2,2 × 4 метри) полотно Фаньчжи в серії «Маски», що охоплює період з 1994 по 2001 рік. Цикл присвячений еволюції китайського суспільства під впливом економічних реформ. Впровадження урядом КНР елементів ринкової економіки призвело до урбанізації і роз'єднання китайців. Фаньчжи зображує мешканців сучасних китайських мегаполісів, яким доводиться боротися за місце під сонцем. Всім відома композиція фрески Леонардо в прочитанні Фаньчжи набуває зовсім інший зміст: місце дії перенесено з Єрусалиму до класної кімнати китайської школи з типовими дошками ієрогліфів на стінах. «Христос» і «апостоли» перетворилися в піонерів з червоними краватками, і тільки «Іуда» носить золотий краватку - це метафора західного капіталізму, що проникає і руйнує звичний уклад життя в соціалістичній країні.

Роботи Цзен Фаньчжи стилістично близькі європейському експресіонізму і настільки ж драматичні. Але при цьому вони сповнені китайської символіки і специфіки. Ця різнобічність привертає до творчості художника як китайських, так і західних колекціонерів. Пряме підтвердження тому - провенанс «Таємної вечері»: робота була виставлена \u200b\u200bна торги відомим колекціонером китайського авангарду 1980-х - початку 1990-х - бельгійським бароном Гі Улленсом.

12. РОБЕРТ Райман Міст. 1980. $ 20,6 млн

на торгах Christie's 13 травня 2015 абстрактна робота «Міст» 85-річного американського художника Роберта Райман (Robert Ryman) була продана за $ 20,6 млнз урахуванням комісії - в два рази дорожче нижнього естімейт.

Роберт Райман (1930) не відразу зрозумів, що хоче стати художником. У віці 23 років він переїхав до Нью-Йорк з Нешвілла (штат Теннесі), бажаючи стати джазовим саксофоністом. А поки він не став знаменитим музикантом, довелося підробляти охоронцем в МоМА, де відбулося його знайомство з Солом Ле Віттом і Деном Флавіньо. Перший працював в музеї нічним секретарем, а другий охоронцем і ліфтером. Під враженням від побачених ним в МоМА робіт абстрактних експресіоністів - Ротко, Де Кунінга, Поллока і Ньюмана - Роберт Райман в 1955 році сам зайнявся живописом.

Райман часто зараховують до мінімалістів, проте він вважає за краще називатися «реалістом», оскільки його не цікавить створення ілюзій, він лише демонструє якості використовуваних їм матеріалів. Більшість його робіт написані фарбами всіх можливих відтінків білого кольору (від сіруватого або жовтуватого - до сліпуче білого) на основі лаконічною квадратної форми. За свою кар'єру Роберт Райман перепробував безліч матеріалів і технік: писав маслом, акрилом, казеїном, емаллю, пастеллю, гуашшю і т. Д. На полотні, стали, плексигласу, алюмінії, папері, гофрокартоне, вінілі, шпалерах і ін. Його друг, професійний реставратор Оррін Райлі, консультував його щодо їдкості тих матеріалів, що йому приходило в голову використовувати. Як сказав одного разу художник, «у мене ніколи не виникає питання, що писати, головне - як писати ». Вся справа в текстурі, в характері мазків, в кордоні між барвистою поверхнею і краями основи, а також в співвідношенні роботи і стіни. З 1975 року особливим елементом його творів стають кріплення, дизайн яких Райман розробляє сам і навмисне залишає їх видимими, підкреслюючи його роботи «настільки ж реальні, наскільки реальними є стіни, на яких вони висять». Райман воліє давати роботам «імена», але не «назви». «Ім'я» - це те, що допомагає відрізняти одну роботу від іншої, і Райман часто дає імена своїх творів по маркам фарби, компаніям і т.д., а «назва» претендує на якісь алюзії і глибоко приховані смисли, наявність яких в своїх роботах художник регулярно заперечує. Нічого, крім матеріалу і техніки, не має значення.

13. Демієн Херст Сонна весна. 2002. $ 19,2 млн

англійському художникові Деміену Херста (1965) судилося першим замахнутися на перше місце цього рейтингу в суперечці з живим класиком Джаспером Джонсом. Вже згадана робота «Фальстарт» могла б ще довго залишатися непотоплюваним лідером, якби 21 червня 2007 року інсталяція на той момент 42-річного Херста «Сонна весна» (2002) була продана на Sotheby "s за £ 9,76 млн, тобто за $ 19,2 млн. Робота, до слова, має досить незвичайний формат. З одного боку, це шафа-вітрина з муляжами таблеток (6 136 пігулок), по суті, класична інсталяція. А з іншого - вітрина ця зроблена плоскою (10 см в глибину), забрана в раму і вішається на стіну, як плазмова панель, цілком забезпечуючи тим самим комфорт володіння, властивий картинам. У 2002 році сестра цієї інсталяції, «Сонна зима», пішла за $ 7,4 млн, більш ніж в два рази дешевше. Різницю в ціні хтось «пояснював» тим, що у зими таблетки більш бляклі. Але зрозуміло, що дане пояснення абсолютно безпідставно, бо механізм ціноутворення для подібних речей вже не пов'язаний з їх декоративністю.

У 2007-му багато хто визнав Херста автором найдорожчої роботи серед художників сучасності. Питання, правда, з розряду «дивлячись як рахувати». Справа в тому, що Херст продавався за дорогі фунти, а Джонс за нині подешевшали долари, та ще й двадцять років тому. Але навіть якщо вважати за номіналом, без урахування 20-річної інфляції, то в доларах дорожче була робота Херста, а в фунтах - Джонса. Ситуація складалася прикордонна, і кожен сам був вільний вирішувати, кого вважати найдорожчим. Але протримався Херст на першому місці не так вже й довго. У тому ж 2007 році його змістив з першого місця Кунс зі своїм «Підвісним сердечком».

Якраз напередодні глобального спаду цін на сучасне мистецтво Херст зробив безпрецедентний для молодого художника починання - соло-аукціон своїх робіт, який відбувся 15 вересня 2008 року в Лондоні. Звістка про оголошений напередодні банкрутство банку Lehman Brothers анітрохи не зіпсувала апетиту любителям сучасного мистецтва: із запропонованих Sotheby's 223 робіт нових власників не знайшли лише п'ять (одним з покупців, до слова, був Віктор Пінчук). твір, добуток "Золоте теля" - величезне опудало бика у формальдегіді, увінчане золотим диском, - принесло аж £ 10,3 млн ($ 18,6 млн). Це кращий результат Херста, якщо вважати в фунтах (в тій валюті, в якій проводилася операція). Однак ми ведемо ранжування в перерахунку на долари, тому (хай вибачить нас «Золотий телець») кращою продажем Херста ми будемо вважати все ж «Сонну весну».

З 2008 року продаж рівня «Сонної весни» і «Золотого тільця» у Херста не було. Свіжі рекорди 2010-х - на роботи Ріхтера, Джонса, Фаньчжи, Вула і Кунса - посунули Деміена на шосту сходинку нашого рейтингу. Але не будемо виносити категоричного судження про закінчення ери Херста. На думку аналітиків, Херст як «суперстар» вже увійшов в історію, а значить, купувати його будуть ще дуже довго; втім, найбільша цінність в майбутньому прогнозується для творів, створених в найбільш новаторський період його кар'єри, тобто в 1990-х.

14. Мауріціо Каттелана Him. 2001. $ 17,19 млн

Італієць Мауріціо Каттелана (1960) прийшов в мистецтво після того, як попрацював охоронцем, кухарем, садівником і дизайнером меблів. Автор-самоучка став всесвітньо відомий завдяки своїм іронічним скульптурам і інсталяцій. Він обрушував метеорит на Папу Римського, перетворював дружину замовника в мисливський трофей, продірявив підлогу в музеї старих майстрів, показував гігантський середній палець фондовій біржі в Мілані, приводив живого ослика на ярмарок Frieze. У найближчому майбутньому Каттелана обіцяє встановити золотий унітаз в Музеї Гуггенхайма. В кінцевому підсумку витівки Мауріціо Каттелана отримали широке визнання в арт-світі: його запрошують на Венеціанську бієнале (інсталяція «Інші» у 2011 році - зграя з двох тисяч голубів, які грізно дивляться з усіх труб і балок на що проходять внизу натовпи відвідувачів), влаштовують йому ретроспективу в нью-йоркському Музеї Гуггенхайма (листопад 2011) і, нарешті, сплачують за його скульптури великі гроші.

З 2010 року найдорожчою роботою Мауріціо Каттелана була воскова скульптура виглядає з дірки в підлозі людини, зовні схожого на самого художника ( «Без назви», 2001). Ця скульптура-інсталяція, яка існує в кількості трьох примірників плюс авторська копія, вперше була продемонстрована в Музеї Бойманс ван Бенінгена в Роттердамі. Тоді цей пустотливий персонаж виглянув з дірки в підлозі залу з картинами голландських живописців XVIII - XIX століть. Мауріціо Каттеллан в цьому творі асоціює себе з зухвалим злочинцем, вторгається в сакральний простір музейного залу з картинами великих майстрів. Тим самим він хоче позбавити мистецтво ореолу святості, який йому надають музейні стіни. Роботу, заради експонування якої кожен раз доводиться дірявитимуть підлогу, продали за $ 7,922 мільйонів на Sotheby's.

Рекорд протримався до 8 травня 2016 року, коли ще більш провокаційна робота Каттелана «Him», що зображає уклінно Гітлера, пішла з молотка за $ 17,189 млн. Річ дивна. Назва дивне. Вибір персонажа - ризикований. Як все у Каттелана. Що значить Him? «Його» або «His infernal majesty»? Зрозуміло, що мова точно не йде про оспівуванні образу фюрера. У цій роботі Гітлер постає скоріше в безпорадному, жалюгідному вигляді. І абсурдному - втілення Сатани виконаний зростанням з дитини, одягнений в костюм школяра і стоїть на колінах зі смиренним виразом на обличчі. Для Каттелана цей образ - запрошення до роздумів про природу абсолютного зла і спосіб позбавлення від страхів. До речі, західному глядачеві скульптура «Him» добре відома. Її побратими по серії виставлялися більше 10 разів на провідних музеях світу, включаючи Центр Помпіду та Музей Соломона Гугенхайма.

15. МАРК Гротьян Без назви (S III Released to France Face 43.14). 2011. $ 16,8 млн

17 травня 2017 року на вечірніх торгах Christie's в Нью-Йорку з'явилася одна з найпотужніших живописних робіт Марка Гротьян з коли-небудь виставлялися на торги. Картину «Без назви (S III Released to France Face 43.14)» виставив паризький колекціонер Патрік Сегін з оцінкою в $ 13-16 млн, і оскільки продаж лота була гарантована забезпечення третіми особами, встановлення нового персонального аукціонного рекорду 49-річного художника ніхто особливо не здивувався . Ціна молотка $ 14,75 млн (а з урахуванням Buyer's Premium $ 16,8 млн) перевершила колишній аукціонний рекорд Гротьян більше, ніж на $ 10 млн. Це дозволило йому увійти в клуб нині живих художників, чиї роботи продаються за восьмизначні суми. Семизначних же результатів (продажів дорожче $ 1 млн, але не більше $ 10 млн) в аукціонної скарбничці Марка Гротьян вже близько тридцяти.

Марк Гротьян (1968), у творчості яких фахівці вбачають вплив модернізму, абстрактного мінімалізму, поп- і оп-арту, прийшов до свого фірмового стилю в середині 1990-х, після переїзду разом з другом Брентом Петерсоном в Лос-Анджелес і відкриття там галереї «Кімната 702». Як згадує сам художник, в той час він почав думати про те, що для нього в мистецтві на першому місці. Він шукав той мотив, з яким можна б було експериментувати. І зрозумів, що йому завжди були цікаві лінія і колір. Експерименти в дусі лучизма і мінімалізму з лінійною перспективою, численними точками сходу і різнокольоровими абстрактними трикутними формами в результаті принесли Гротьяну світову славу.

Від абстрактних барвистих пейзажів з декількома лініями горизонту і точками сходу перспективи в підсумку він прийшов до трикутним формам, що нагадує крила метеликів. Картини Гротьян 2001-2007 рр. так і називають - «Метелики». Сьогодні переміщення точки сходу або використання відразу декількох точок сходу, рознесених в просторі, вважається одним із найсильніших прийомів художника.

Наступна велика серія робіт отримала назву «Лица»; в абстрактних лініях цієї серії вгадуються риси людського обличчя, спрощеного до стану маски в дусі Матісса, Явленского або Бранкузі. Говорячи про граничний спрощення і стилізації форм, про композиційному вирішенні картин, коли розрізнені контури очей, ротів немов дивляться на нас з лісової гущавини, дослідники відзначають зв'язок «Осіб» Гротьян з мистецтвом первісних племен Африки і Океанії, тоді як самому художнику просто «подобається образ очей, що дивляться з джунглів. Я іноді уявляв собі особи бабуїнів або мавп. Не можу сказати, що свідомо чи підсвідомо я перебував під впливом первісного африканського мистецтва, скоріше, на мене впливали художники, які перебували під його впливом. Пікассо є найбільш очевидним прикладом ».

Роботи серії «Лица» називають брутальними і елегантними, що радують око і приємними для розуму. Згодом змінюється і фактура цих робіт: для створення ефекту внутрішнього простору художник використовує широкі мазки густий фарби, навіть розбризкування в стилі Поллока, однак поверхню картини вирівняна так, що при близькому розгляді вона здається абсолютно плоскою. Встановила аукціонний рекорд картина «Без назви (S III Released to France Face 43.14)» відноситься якраз до цієї прославленої серії Марка Гротьян.

16. Такасі МУРАКАМИ Мій самотній ковбой. $ 15,16 млн

японець Такасі Муракамі (1962) увійшов в наш рейтинг зі скульптурою «Мій самотній ковбой», Проданої на Sotheby's в травні 2008 року за $ 15,16 млн. З цим продажем Такасі Муракамі довгий час вважався найуспішнішим нині сущим азіатським художником - поки його не затьмарив продажем «Таємної вечері» Цзен Фаньчжи.

Такасі Муракамі працює як художник, скульптор, дизайнер одягу і аніматор. Муракамі хотів взяти за основу своєї творчості щось дійсно японське, без західних і будь-яких інших запозичень. У студентські роки його захоплювала традиційна японська живопис ніхонга, пізніше на зміну їй прийшло популярне мистецтво аніме і манга. Так народилися психоделічний Mr DOB, візерунки з усміхнених квіточок і яскраві, блискучі скульптури зі склопластику, немов би тільки що зійшли зі сторінок японських коміксів. Одні вважають мистецтво Муракамі фаст-фудом і втіленням вульгарності, інші називають художника японським Енді Уорхолом - і в рядах останніх, як бачимо, чимало дуже багатих людей.

Муракамі запозичив назву для своєї скульптури у фільму Енді Уорхола «Самотні ковбої» (1968), який японець, як він сам зізнався, ніколи не дивився, але аж надто йому сподобалося поєднання слів. Муракамі однієї скульптурою і влучив шанувальникам еротичних японських коміксів, і посміявся над ними. Збільшений в розмірах, та до того ж ще і тривимірний, герой аніме перетворюється на фетиш масової культури. Це художнє висловлювання цілком в дусі класичного західного поп-арту (згадаємо меблевий гарнітур Аллена Джонса або «Рожеву пантеру» Кунса), але з національною родзинкою.

17. KAWS. Альбом KAWS. 2005. $ 14 784 505

KAWS - псевдонім американського художника Брайана Донеллі з Нью-Джерсі. Він - наймолодший учасник нашого рейтингу, 1974 року народження. Донеллі починав художником-аніматором в Disney (малював фони для мультфільму «101 далматинець» та ін). З юності захоплювався графіті. Його фірмовим малюнком спочатку був череп з «іксами» на місці очниць. Роботи молодого райтера полюбилися діячам шоу-бізнесу і людям з індустрії моди: він зробив обкладинку для альбому Каньє Уеста, випускав колаборації Nike, Comme des Garçons і Uniqlo. Згодом KAWS став відомою фігурою в світі сучасного мистецтва. Його фірмова фігурка, нагадує Міккі-Мауса, прижилася в музеях, публічних просторах і в приватних зібраннях. Якось раз KAWS випустив лімітовану серію вінілових іграшок спільно з брендом My Plastic Heart, і вони несподівано стали предметом високого колекційного інтересу. Одним з пристрасних колекціонерів цих «іграшок» є засновник Black Star репер Тіматі: він майже повністю зібрав всю серію «Компаньйонів Кавс».

Робота KAWS встановила рекорд для творчості художника - 14,7 мільйона доларів - на торгах Sotheby's в Гонконзі 1 квітня 2019 року. Раніше вона була в колекції японського модного дизайнера Ніго. Метровий полотно The KAWS Album - оммаж обкладинці знаменитого альбому The Beatles «Оркестр клубу самотніх сердець сержанта Пеппера» (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band) 1967 року. Тільки замість людей на ньому намальовані Kimpsons - стилізовані герої мультсеріалу Simpsons з «іксами» замість очей.

18. ЦЗІНЬ Шані Таджицька наречена. 1983. $ 13,89 млн

Серед порівняно молодих і сучасних китайських художників, які всі як один відносяться до так званої «нової хвилі» кінця 1980-х в китайському мистецтві, в наш рейтинг абсолютно несподівано потрапив представник зовсім іншого покоління і іншої школи. Цзінь Шані (Jin Shangyi), якому зараз вже за 80, відноситься до яскравих представників першого покоління художників комуністичного Китаю. Погляди цієї групи художників формувалися в великій мірі під впливом найближчого комуністичного соратника - СРСР.

Офіційне радянське мистецтво, соцреалізм, незвична ще тоді для Китаю олійний живопис (на противагу традиційної китайської розпису тушшю) в 1950-і роки були на піку популярності, і в Пекінський художній університет на три роки (з 1954 по 1957) приїхав викладати радянський художник Костянтин Мефодійович Максимов. До нього в клас і потрапив Цзінь Шані, який на той момент був наймолодшим в групі. Свого вчителя художник завжди згадував з великим теплом, говорив, що саме Максимов навчив його правильно розуміти і зображувати модель. К. М. Максимов виховав цілу плеяду китайських реалістів, нині класиків.

У творчості Цзінь Шані відчувається вплив як радянського «суворого стилю», так і європейської школи живопису. Багато часу художник присвятив вивченню спадщини Ренесансу і класицизму, при цьому він вважав за необхідне зберігати і китайський дух в своїх роботах. Картина «Таджицька наречена», написана в 1983 році, вважається загальновизнаним шедевром, новою віхою в творчості Цзінь Шані. Її-то і виставили на аукціоні China Guardian в листопаді 2013 року і продали в кілька разів дорожче за естімейт - за $ 13,89 млн із урахуванням комісії.

19. Бенкс розкласти парламент. 2008. $ 12,14 млн

Настінні розписи з тегом Banksy стали з'являтися на стінах міст (спочатку британських, а потім по всьому світу) в кінці 1990-х років. Його філософські та разом з тим гострі графіті були присвячені проблемам настання держави на волі громадян, злочинів проти довкілля, безвідповідального споживання, нелюдяності системи незаконної міграції. Згодом настінні «закиди» Бенксі придбали небачену медійну популярність. По суті, він став одним з головних виразників громадської думки, який засуджує лицемірство держав і корпорацій, яке продукуватиме наростаючу несправедливість в капіталістичній системі.

Значення Бенксі, почуття «нерва часу» і точність його метафор оцінили не лише глядачі, а й колекціонери. У 2010-х за його твори давали сотні тисяч, а то і більше мільйона доларів. Дійшло до того, що графіті Бенксі виламували і крали разом з шматками стін.

В епоху розвиненої цифрової стеження Бенксі як і раніше вдається зберігати анонімність. Є версія, що це більше не одна людина, а група з декількох художників, на чолі якої стоїть талановита жінка. Це б багато пояснило. І зовнішнє неподібність райтерів, спійманих в об'єктиви камер свідків, і знеособлений трафаретний спосіб нанесення (дає високу швидкість і не вимагає безпосередньої участі автора), і зворушливу романтичність сюжетів розписів (кульки, сніжинки та ін.). Як би не було, люди з проекту Бенксі, включаючи його помічників, вміють міцно тримати язик за зубами.

У 2019 найдорожчим твором Бенксі несподівано став чотириметровий полотно Devolved Parliament ( «деградованих», «розклався» або «передав повноваження» парламент). Шимпанзе, спрощує в палаті громад, немов знущаються над глядачами в рік скандального Brexit. Дивно, що картина була написана за 10 років до цього історичного переломного моменту, і тому хтось вважає її пророчою. На аукціоні Sotheby's 3 жовтня 2019 року в ході запеклого торгу невідомий покупець придбав це масло за $ 12 143 000 - в шість разів дорожче за попередню оцінку.

20. ДЖОН Карр «Мило і просто». 1999. $ 12,007 млн

американський художник Джон Каррен (1962)відомий своїми сатиричними фігуративними картинами на провокаційні сексуальні і соціальні теми. Роботи Каррена примудряються поєднувати прийоми живопису старих майстрів (особливо Лукаса Кранаха Старшого і маньеристов) і фешн-фотографії з глянцевих журналів. Домагаючись більшого гротеску, Каррен часто спотворює пропорції людського тіла, збільшує або зменшує його окремі частини, зображує героїв в ламаних, манірних позах.

Починав Каррен в 1989-му з портретів дівчат, перемальовані з шкільного альбому; продовжив на початку 1990-х картинами з пишногрудими красунями, натхненними фото з Cosmopolitan і Playboy; в 1992 році з'явилися портрети заможних літніх дам; а в 1994 році Каррен одружився на скульптора Рейчел Файнштейн, яка стала його головною музою і моделлю на довгі роки. До кінця 1990-х технічна майстерність Каррена в поєднанні з кітчем і гротеском його картин принесли йому популярність. У 2003 році за розкрутку художника взявся Ларрі Гагосян, а вже якщо за учасника береться такий дилер, як Гагосян, то успіх гарантований. У 2004 році відбулася ретроспектива Джона Каррена в Музеї Уітні.

Приблизно в цей час роботи його стали продаватися за шестизначні суми. Поточний рекорд для живопису Джона Каррена належить роботі «Мило і просто», проданої 15 листопада 2016 року у Christie's за $ 12 млн. Картина з двома оголеними насилу подолала нижню планку естімейта $ 12-18 млн. І тим не менше, для Джона Каррена, якому зараз за 50, це безумовно прорив в кар'єрі. Його колишній рекорд 2008 року становив $ 5,5 млн (заплачених, до речі, за ту ж саму роботу «Мило і просто»).

21. Брайс Марді The Attended. 1996-1999. $ 10,917 млн

Ще один нині живе американський абстракціоніст в нашому рейтингу - це Брайс Марден (1938). Роботи Мардена в стилі мінімалізму, а з кінця 1980-х - жестикулярной живопису, виділяються унікальній авторській, злегка приглушеною палітрою. Поєднання кольорів на роботах Мардена навіяні його подорожами по світу - Греції, Індії, Тайланду, Шрі-Ланці. Серед авторів, що вплинули на становлення Мардена, - Джексон Поллок (на початку 1960-х Марден працював охоронцем в Єврейському музеї, де на власні очі спостерігав «дріппінгі» Поллока), Альберто Джакометті (познайомився з його роботами в Парижі) і Роберт Раушенберг (якесь час Марден працював його асистентом). Перший етап творчості Мардена відданий класичним мінімалістським полотнам, що складається з кольорових прямокутних блоків (горизонтальних або вертикальних). На відміну від багатьох інших мінімалістів, які добивалися ідеальної якості творів, як ніби віддрукованих машиною, а не намальованих людиною, Марден зберігав сліди роботи художника, поєднував різні матеріали (воскові і олійні фарби). З середини 1980-х років, під впливом східної каліграфії, на зміну геометричної абстракції прийшли звивисті, меандроподобние лінії, фоном для яких служили всі ті ж монохромні колірні поля. Одна з таких «меандрового» робіт - «The Attended» - на торгах Sotheby "s в листопаді 2013 року було продано за $ 10,917 млн \u200b\u200bіз урахуванням комісії.

22. П'єр Сулаж Peinture 186 x 143 cm, 23 décembre 1959. $ 10,6 млн

23. ЧЖАН Сяогана Вічне кохання. $ 10,2 млн

Ще один представник китайського сучасного мистецтва - символіст і сюрреаліст Чжан Сяоган (1958). На торгах Sotheby's в Гонконзі 3 квітня 2011 року, Де розпродавався китайський авангард з колекції бельгійського барона Гі Улленса, триптих Чжан Сяогана "Вічне кохання" був проданий за $ 10,2 млн. На той момент це був рекорд не тільки для художника, але і для всього китайського контемпорарі-арту. Кажуть, що роботу Сяогана купила дружина мільярдера Ван Вей (Wang Wei), яка збирається відкривати власний музей.

Чжан Сяоган, який захоплюється містицизмом і східною філософією, написав історію «Вічної любові» в трьох частинах - життя, смерть і відродження. Цей триптих брав участь в культовій виставці 1989 року «Китай / Авангард» в Національному художньому музеї. У тому ж 1989 році на площі Тяньаньмень військовими були жорстоко придушені студентські демонстрації. Слідом за цією трагічною подією почалося закручування гайок - виставка в Національному музеї була розігнана, багато художників емігрували. У відповідь нав'язаному зверху соцреалізму виник напрям цинічного реалізму, одним з головних представників якого став Чжан Сяоган.

24. БРЮС Наумана Безпорадний Генрі Мур. 1967. $ 9,9 млн

американець Брюс Науман (1941), Володар головного призу 48 Венеціанської бієнале (1999), довго йшов до свого рекорду. Науман починав свою кар'єру в шістдесятих. Знавці називають його, поряд з Енді Уорхолом і Йозефом Бойсом, однією з найвпливовіших фігур в мистецтві другої половини ХХ століття. Однак насичена інтелектуальність і абсолютна недекоративних деяких його робіт, очевидно, перешкоджали його швидкому визнанню і успіху у широкої публіки. Науман часто експериментує з мовою, відкриваючи несподівані смисли звичних фраз. Слова стають центральними персонажами багатьох його робіт, в числі яких неонові псевдовивескі і панно. Сам Науман називає себе скульптором, хоча за останні сорок років він спробував себе в абсолютно різних жанрах - скульптурі, фотографії, відеоарті, перформанси, графіку. На початку дев'яностих Ларрі Гагосян вимовив пророчі слова: «Справжню цінність робіт Наумана нам ще тільки належить усвідомити». Так воно і вийшло: 17 травня 2001 року на Christie's робота Наумана 1967 року «Безпомічний Генрі Мур (вид ззаду)» (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) поставила новий рекорд в сегменті післявоєнного мистецтва. Зроблений з гіпсу і воску зліпок пов'язаних за спиною рук Наумана пішов з молотка за $ 9,9 млн в колекцію французького магната Франсуа Піно (за іншими даними, американки Філліс Уоттіс). Естімейт роботи становив лише $ 2-3 млн, так що результат став для всіх справжньою несподіванкою.

До цієї легендарної продажу лише дві роботи Наумана переступили планку в мільйон доларів. А за всю його аукціонну кар'єру поки тільки шість творів, крім «Генрі Мура ...», пішли за семизначні суми, але їх результати все одно не йдуть ні в яке порівняння з дев'ятьма мільйонами.

«Безпомічний Генрі Мур» - одне із серії полемічних творів Наумана про фігуру Генрі Мура (1898-1986), британського художника, якого в шістдесяті роки відносили до найбільших скульпторам ХХ століття. Молоді автори, які опинилися в тіні визнаного майстра, тоді накинулися на нього з палкою критикою. Робота Наумана - відповідь на цю критику і одночасно роздум на тему творчості. Назва роботи стає каламбуром, так як з'єднує два значення англійського слова bound - пов'язаний (в буквальному сенсі) і приречений на якусь долю.

Увага! Всі матеріали сайту і бази даних аукціонних результатів сайт, включаючи ілюстровані довідкові зведення про продані на аукціонах творах, призначені для використання виключно у відповідності до ст. Тисяча двісті сімдесят чотири ГК РФ. Використання в комерційних цілях або з порушенням правил, встановлених ЦК України, не допускається. сайт не відповідає за зміст матеріалів, розміщеного третіми особами. У разі порушення прав третіх осіб, адміністрація сайту залишає за собою право видалити їх з сайту і з бази даних на підставі звернення уповноваженого органу.