Architektur von Frankreich Mitte 17 früh 19. Jahrhundert. Architektur in Frankreich XVII Jahrhundert

Die zweite Hälfte des XVII-Jahrhunderts ist die Zeit der höchsten blühenden Architektur des französischen Klassizismus.

Einer der Gründe für den führenden Wert der Architektur unter anderem in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts wurde in seinen spezifischen Funktionen verwurzelt. Es war die Architektur mit dem monumentalen Charakter seiner Formen und Haltbarkeit mit der größten Kraft, um Ideen einer zentralisierten nationalen Monarchie während seiner Reife auszudrücken. Diese Ära, die soziale Rolle der Architektur war besonders hell und seine ideologische Bedeutung und organisierte die Rolle in der künstlerischen Synthese aller Arten von visuellen, angewandten und Garten- und Parkkunst.

Die Organisation der Architektur der Architektur, deren Direktor, der zum prominenten Architekten und Theoretika von Francois Blondez (1617 - 1686) ernannt wurde, wurde stark von der Entwicklung der Architektur beeinflusst. Ihre Mitglieder waren hervorragende französische Architekten L. Brian, J. Gittar, A. Lenotr, L. Levo, P. Minyar, J. Ardenen-Mansar und andere. Die Aufgabe der Akademie bestand darin, die wichtigsten ästhetischen Normen und Kriterien für die Architektur des Klassizismus zu entwickeln, die von Architektur geführt wurden.

Die Entwicklung der Wirtschaft und des Handels verursachte intensive Konstruktion in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts neuer und weiterer Expansion alter französischer Städte. Marschall- und Militäringenieur-Fortifier Sebastian Voban errichtete mehr als dreißig neue stärkste Städte und rekonstruierten etwa dreihundert alte. Unter ihnen wurden die Stadt Longwi, Vitrite-les-Francois und die Stadt Ne-Bisty neu erbaut und hatte die Form eines Quadrats und eines Achtecks, umgeben von Wänden, Wassergraben und Bastionen. Ihre interne Planung war ein geometrisch richtiges System von Straßen und Quartiers mit einem Bereich in der Mitte.

An der Küste des Atlantiks werden die Häfen von Brest, Rochefort, Lorian und das mediterrane Meer gebaut. Mit einer ländlichen königlichen Residenz beginnt eine Stadt mit Versailles.

Die Architekten des Bullel- und Blonddez sind 1676 der Expansionsplan von Paris, so dass das Erscheinungsbild der Hauptstadt der Brillanz und der Größe der Monarchie von Louis XIV entsprach. Es wurde vorgesehen, das Territorium von Paris in den Nordwesten zu erweitern; Am Gelände der alten Befestigungsanlagen sind angelegte "Promenedes" entworfen, was den Beginn der Zukunft der großen Boulevards veröffentlicht hat. Die vorderen Eingänge werden in der Stadt der Bögen in Form von triumphierenden Bögen in der Stadt der Bögen in der Form von triumphierenden Bögen festgelegt: Saint-Denis, Saint-Martin, Saint-Bernard und Saint-Louis.

Nach Angaben der Projekte von J. Ardun-Mansar werden neue große Ensembles des Platzes des Wandoms und der Siege, die Louis XIV gewidmet sind, erstellt. Der Architekt L. Levo 1664 vervollständigt das Quadrangkel, mit einem geschlossenen Innenhof, der Zusammensetzung des Louvre, die von seinen nördlichen, südlichen und östlichen Gebäuden arrangiert wurde. Die östliche Fassade des Louvre, erstellt von K. Perro, FD "Orbe und L. Levo, gibt dem endgültigen Erscheinungsbild dieses wunderbaren Ensembles. Am linken Ufer der Seine ist das Projekt L. Brune fast so groß wie Louvre und Tuileries Der Komplex des Behindertenhauses mit einem umfangreichen grünen Panzer vor ihm, der durch den Bau einer herrlichen Rotationskirche in seinem Zentrum für das Projekt J. Arduna-Mansar fertiggestellt wurde.

Große Stadtplanung von Stadt in Paris, hauptsächlich am Ende der zuvor etablierten Ensembles von Kolber, änderte das Erscheinungsbild des Zentrums der Hauptstadt, aber im Allgemeinen wurden im mittelalterlichen Gebäudesystem durch Einschlüsse isoliert, die nicht organisch mit dem verbunden sind System von Autobahnen und Straßen. Bei diesem Ansatz für die Zusammensetzung der geschlossenen städtischen Ensembles war der Einfluss der Stadtplanungsprinzipien des italienischen Barocks betroffen.

Neue große Ensembles und Square werden zu dieser Zeit und in anderen Städten Frankreichs geschaffen - in der Tour, nach Dijon, Lyon usw.

Die Merkmale der Architektur der Mitte und der zweiten Hälfte des XVII Jahrhunderts sind sowohl in einem riesigen Bau von großen Parade-Ensembles betroffen, die den dominierenden Klassen der Ära des Absolutismus und des leistungsstarken Monarchens - der Königssonne erlassen und verherrlichen, betroffen sind von Louis XIV und in der Verbesserung und Entwicklung künstlerischer Prinzipien des Klassizismus.

In der zweiten Hälfte des XVII-Jahrhunderts wird eine konsistentere Anwendung der klassischen Reihenfolge beobachtet: Horizontale Mitgliedschaften werden über vertikal dominiert. Die hohen separaten Dächer verschwinden ständig, und das einzelne Dach wird ersetzt, oft getarnte Balustrade; Die Volumenzusammensetzung des Gebäudes wird zu einem einfacheren, kompakten, entsprechenden Ort und der Größe des Innenraums.

Zusammen mit dem Einfluss der Architektur eines alten Roms, der Auswirkungen der Architektur der italienischen Renaissance und des Barocks. Letztere wirkt sich auf die Kreditaufnahme einiger barocken Formen (hockte gebrochene Förste, üppige Cartoons, Reitungen) in den Prinzipien der Lösung des Innenraums (ANFILAD) sowie in der erhöhten Komplikation und der Pompuch der architektonischen Formen, insbesondere in den Innenräumen, Wo ihre Synthese mit Skulptur und Malerei oft baroque Merkmale in sich selbst als Klassizismus ist.

Eine der Werke der Architektur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, in der die Vorherrschaft der reifen künstlerischen Prinzipien des Klassizismus bereits eindeutig empfunden ist, ist das Landensemble des Palastes und des Parks in Le Vikont in der Nähe von Melena (1655 - 1661) .

Die Schöpfer dieser herausragenden Arbeiten, die für den allgemeinen Controller Fuchus gebaut wurden, und in vielerlei Hinsicht das Ensemble von Versailles, waren der Architekt Louis Levo (OK 1612 - 1670), der Meister des Gartenparks Art Andre Lenotr, der den Palace Park bespritzte, Und der Maler Charles Lebed, der daran teilnahm, das Interieur des Palastes und des Wandbilds von Plafon zu beenden.

Nach der Zusammensetzung des Plans, der Zuteilung der zentralen und eckigen turmähnlichen Bände, mit hoher separatem Dach, der allgemeinen offenen Natur des Gebäudes, wird auf eine Insel gesetzt, die von Wasser umgeben ist, das mit Wasser gefüllt ist, - der Palast von Das Dorf La Viscount ähnelt Meson-LUFFIT.

Trotzdem, in der Struktur und des Erscheinungsbildes des Gebäudes sowie in der Zusammensetzung des Ensembles insgesamt zweifellos konsequentere klassische architektonische Prinzipien.

Dies zeigt sich in erster Linie in der logischen und streng berechneten Planungslösung des Palastes und des Parks insgesamt. Die große ovale Form des Salons, die die zentrale Unbilder der Parade-Räumlichkeiten ist, wurde nicht nur das Verbundzentrum, nicht nur der Palast, sondern auch das Ensemble insgesamt, da seine Position an der Kreuzung der Hauptplanungsachsen des Ensembles ( Die Hauptparkgasse, die aus dem Palast stammt, und quer, was mit den Längsachsengebäuden zusammenfällt) macht es zu einem "Fokus" des gesamten Komplexes.

So werden das Gebäude des Palastes und des Parks einem streng zentralisierten Kompositionsprinzip untergeordnet, der es ermöglicht, eine Vielzahl von Elementen des Ensembles in die künstlerische Einheit mitzubringen und den Palast als Hauptkomponente des Ensembles hervorzuheben.

Für die Zusammensetzung des Palastes, der Einheit des Innenraums und des Volumens des Gebäudes, das die Werke der reifen klassischen Architektur unterscheidet. Der große ovale Salon wird im Volumen des Gebäudes mit einer kürzerlichen Rizalitis hervorgehoben, mit einem leistungsstarken Domdach gekrönt, statische und Ruhe der Silhouette des Gebäudes schafft. Die Einführung einer großen Reihenfolge des Pilasters, die zwei Etagen über dem Keller abdeckt, und eine leistungsstarke Horizontal von einem glatten, strengen, strengsten Profilen der klassischen Antlement erzielt in den Fassungen horizontaler Mitglieder über die Vertikale, die Integrität des Originals Fassaden und die Bulkzusammensetzung, die nicht für die Schlösser einer früheren Periode charakteristisch ist. All dies gibt das Erscheinungsbild des Palastes monumentaler Repräsentativität und der Parade.

Im Gegensatz zu etwas Zurückhaltung der Formen im Erscheinungsbild des Palastes erhielt das Interieur des Gebäudes eine reiche und kostenlose architektonische Interpretation. In einem der draufsten Räumlichkeiten - ovaler Salon, einer ziemlich strengen Reihenfolge des Corinth-Pilasters, der Wand, und zwischen Pilastern gewölbten Öffnungen und Nischen, mit einer herrlichen verzierten zweiten Wandstufe, mit Frachtbaroque in der Zeichnung der Caryiatiate kombiniert , Girlanden und Kartuschen. Der Innenraum ist von der Lieblings-Barockzufuhr, die die Einführung von Spiegeln in die gegen die Fenster angeordneten Nischen vergrößert. Perspektiven, die sich von den Fenstern gemütlicher Wohnzimmern und Salons in der umliegenden Landschaft in der Raum des Parketts und des Gassenparks öffnen, werden als eine Art logischer Fortsetzung des Innenraums wahrgenommen.

Das Park-Ensemble des Weges Viscount wird nach einem strikt regulären System erstellt. Geschicklich geschnittene grüne Pflanzungen, Gassen, Blumenbetten, Pfade bilden klare, leicht wahrgenommene geometrische Volumina, Flugzeuge und Linien. Springbrunnen und dekorative Statuen bilden einen umfangreichen Partner, der sich vor der Fassade des Palastes auf den Terrassen ausbreiten.

Unter anderen Gebäuden der linken Landschaftspaläste werden Hotels und Kirchen in der Originalität der Komposition und Merkmale des reifen klassischen Stils hervorgehoben, dem monumentalen Hochschulgebäude von vier Nationen (1661 - 1665), die auf der Aufgabe von Kardinal Maazarini für erstellt wurden die Ausbildung von Eingeborenen verschiedener Provinzen Frankreichs. An einem College mit vier Nationen (jetzt das Gebäude der französischen Akademie der Wissenschaften) entwickelt sich das Niveau der klassischen Architektur im Stadtsemble. Wenn Sie ein College-Gebäude an der linken Ufer der Seine haben, offenbart die linke, kraftvolle, weit verbreitete Halbwinkel seiner Hauptfassade in Richtung des Flusses und das Ensemble des Louvre so, dass die Kuppelkirche, die das Zentrum von ist Die College-Komposition fällt auf die Achse des Louvre. Dies erreicht die räumliche Einheit dieser großen städtischen Komplexe, wodurch ein der herausragenden Ensembles des Zentrums von Paris bildet, das am Flussbett gebunden ist.

In der Architektur des College-Gebäudes mit seinem umfangreichen Halbkreis, das auf der CHERA, entwickelt wurde, entwickelte Silhouette, die Zuteilung des Kompositionszentrums, deren dominierender Wert von den vergrößerten Mitgliedschaften und Formen des Eingabeportals und der Dome betont wird, fand erfolgreich das Bild eines öffentlichen Aufbaus großer Bedeutung. Basierend auf der kreativen Verarbeitung der Formen der Palast- und Kultarchitektur erzeugt die Linke das Erscheinungsbild eines öffentlichen Gebäudes mit einem Kuppel-Composite-Zentrum, das als Prototyp vieler staatlicher Gebäude in der europäischen Architektur des XVIII-XIX-Jahrhunderts diente.

Eine der Werke, in der die ästhetischen Prinzipien des französischen Klassizismus und der von der Akademie der Architektur erzeugten Kanonen den vollständigsten Ausdruck erhielten, ist die östliche Fassade des Louvre (1667-1678), in der Konstruktion und dem Bau des Claude Perra (1613 - 1688), Francois d Orbe beteiligte sich (1634 - 1697) und Louis Levo.

Die östliche Fassade des Louvre, die oft als Kolonnade des Louvre bezeichnet wird, ist Teil des Ensembles der beiden United im XVII-Jahrhundert - Tuileries und Louvre. Die Fassade einer großen Länge (173 m) hat eine zentrale und zwei Seitenrizalitis, zwischen der die doppelten Säulen der korinthischen Aufträge, die die hohe Antablement und das Bilden der schattierten Loggien unterstützen, auf der monumentalen glatten Base mit seltenen Fensteröffnungen aufliegen. Die reichsten Formen, Dekor- und Auftragsmitglieder des zentralen Eingangs mit einem Drei-Rollen-Teil werden mit erwarteten Formen und Anteilen mit einem strengen dreieckigen Fronon gekrönt. TIMPAN-Front ist reich verziert mit Skulpturrelief. Seitenrisals mit weniger reichen Kunststoffentwicklungen werden von den Dual-Pilastern derselben Reihenfolge zerlegt.

Francois d "Orbe, Louis Levo, Claude Perro. Östliche Fassade des Louvre (Kolonnade des Louvre). 1667 - 1678

Die flache architektonische Entlastung von seitlichen Risals schafft einen logischen Übergang zu den seitlichen Fassaden des Louvre, der die Zusammensetzung der östlichen Fassade wiederholt, wobei der Unterschied, dass die Dual Corinth-Säulen durch einzelne Pilaster derselben Reihenfolge ersetzt werden.

In einer einfachen und lakonischen volumetrischen Struktur des Gebäudes, in einer klaren und logischen Auszeichnung des Volumens auf Wander- und Trägerteilen, in den Details und Anteilen der Korintheraufträge in der Nähe des klassischen Kanons und schließlich in der Unterordnung der Zusammensetzung Hoch erkannte rhythmische Ordnung, ältere künstlerische Prinzipien der klassizistischen Architektur des XVII Jahrhunderts. Die monumentale Fassade mit den vergrößerten Formen und einer unterstrichenen Skala ist voller Größe und Adel, aber gleichzeitig spürte es den Schatten der akademischen Kälte und der Rationalität.

Ein wichtiger Beitrag zur Theorie und Praxis des französischen Klassizismus machte Francois Blondez (1617 - 1686). Zu seinen besten Werken sollten der Triumphbogen angemessen, das normalerweise Gate von Saint-Denis in Paris genannt wird. Die Architektur des monumentalen Bogens, der in die Herrlichkeit französischer Waffen errichtet wurde, um den Übergang französischer Truppen durch Rhein 1672 zu erinnern, zeichnet sich durch eine große Präsidie, eine Verallgemeinerung von Formen und unterstrichenen Paradity aus. Der große Verdienst der Blondine ist eine tief kreative Verarbeitung der Art des römischen Triumphbogens und die Schaffung einer Art Komposition, die die Architektur solcher Strukturen in den Jahrhunderten von XVIII-XIX beeinflusst hat.

Das Problem des architektonischen Ensembles, das fast im gesamten Jahrhundert, dem Fokus der Meister des Klassizismus des XVII-Jahrhunderts war, fand seinen Ausdruck in der französischen Stadtplanung. Ein hervorragender Innovator in diesem Bereich ist der größte französische Architekt des XVII Jahrhunderts - Jules Arduen-Mansar (1646 - 1708; von 1668 trugen er Ardenen-Mansar Nachname).

Errichtete von Arduen-Mansar-Projekten in Paris Square Louis großartig (anschließend Vandomskaya; 1685 - 1701) und das Quadrat der Siege (1684 - 1687) sind für die Praxis der städtischen Planung der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts sehr wichtig. Mit der Form eines Rechtecks \u200b\u200bmit geschnittenen Ecken (146x 136 m) wurde das Quadrat von Louis Gross als Paradekonstruktion zu Ehren des Königs konzipiert.

In Übereinstimmung mit der Idee wurde die dominierende Rolle in der Komposition in der Mitte auf der quadratischen Reiterstatue von Louis XIV-Bildhauer von Zhiradona gespielt. Die Fassaden, die den Bereich von Gebäuden, derselbe Art von Zusammensetzung bilden, mit einem leicht hervorstehenden Portikum an geschnittenen Ecken und im zentralen Teil der Gehäuse, dienen als architektonischer Rahmen des Weltraumraums. Mit den umliegenden Vierteln verbunden, nur zwei kurze Straßenkürzungen der Straßen, wird der Bereich als geschlossener, isolierter Raum wahrgenommen.

Ein anderes Ensemble ist der Bereich der Siege, der in Bezug auf die Form eines Kreises mit einem Durchmesser von 60 m - nach der gleichen Art der Umgebung der Fassaden und der Lage des Denkmals in der Mitte ist In der Nähe des Louis-Quadrats des Großen. In ihrer kompositorischen Absicht - ein Kreis mit einer Statue in der Mitte - die Ideen des Absolutismus waren ebenfalls heller. Die Platzierung des Bereichs an der Kreuzung mehrerer Straßen, die mit dem allgemeinen System des Stadtlayoutsystems verbunden sind, bereichert jedoch seine Schränke und Isolation. Die Schaffung des Bereichs der Siege Arduuen-Mansar legte die Grundlagen der progressiven Stadtplanungstrends in der Konstruktion von offenem, eng mit dem Planungssystem der Stadt der öffentlichen Zentren, die in der europäischen Stadtplanung in XVIII implementiert wurden und die erste Hälfte des XIX-Jahrhunderts. Ein weiteres Beispiel für einen erfahrenen Auflösung großer Stadtplanungsaufgaben ist der Arduth-Mansair der Kirche des behindertengerechten Hauses (1693 - 1706), der einen riesigen komplexen Komplex abschließt, der auf dem Projekt der liberalen Brune gebaut wurde (ca. 1635 - 1697). Das Haus der Menschen mit Behinderungen, die dazu bestimmt, Kriegsveteranen darin unterzubringen, konzipiert als eine der ehrgeizigsten öffentlichen Strukturen des XVII Jahrhunderts. Bevor die Hauptfassade des Gebäudes am linken Ufer der Seine gelegen ist, erstreckt sich die umfangreiche Gegend, die sogenannte Esplanade der Behinderten, die an den Fluss vorkommt, als ob er die Entwicklung des richtigen Bankensemble von Tuileries und Louvre in der linken Bank der Stadt. Ein strenger symmetrischer Komplex des Behindertenhauses besteht aus geschlossenem Umfang von vierstöckigen Gebäuden, die ein entwickeltes System mit einem entwickelten, rechteckigen und quadratischen Yards untergeben, das einem einzigen Verbundzentrum unterstellt ist - einem großen Hof und in seinem zentralen Teil der monumentalen Kuppel errichtet Kirche. Die Formulierung eines wichtigen kompakten Volumens der Kirche an der Haupt-, Verbundachse des Walzofens des Gebäudes Ardaen-Mansar ergab das Zentrum des Ensembles und reichte alle seine Elemente ab und absolvierte ihn mit einem gemeinsamen ausdrucksstarken Silhouette.

Die Kirche ist eine monumentale Zentralkonstruktion mit einem quadratischen Plan und einer Kuppel mit einem Durchmesser von 27 m, hochzeitreicher zentraler Raum. Die Proportionen und Auftragsmitglieder der Kirche sind zurückhaltend und streng. Der Autor wird ursprünglich vom Autor eines Bestechungsraums der Kirche mit einem gebrochenen, durch mehrere Schritte des Bodens und drei zerkleinerter Kuppelschalen konzipiert. Der Boden mit einer großen Öffnung in der Mitte schließt die Lichtöffnungen in die zweite Kuppelschale, was die Illusion der beleuchteten Himmelskugel entsteht.

Die Kuppel der Behinderte ist eine der schönsten und hohen Kuppeln der Weltarchitektur, die auch wichtige Stadtplanung ist. Neben den Kuppeln der Kirche von Val de Grey und erbaut im 19. Jahrhundert erzeugt er eine ausdrucksstarke Silhouette des südlichen Teils von Paris.

Komplette und umfassende Entwicklung progressive Trends in der Architektur des Klassizismus des XVII-Jahrhunderts werden in grandiosen Skala, Mut, Mut und Breitengrad des künstlerischen Planes des Versailandensembles (1668 - 1689) erhalten. Die wichtigsten Schöpfer dieses bedeutendsten Denkmals des französischen Klassizismus des XVII Jahrhunderts waren Architekten Louis Levo und Ardenen-Mansar, Meister der Gartenkunst Andre Lenotr (1613 - 1700) und der Künstler Lebedre, der an der Schaffung des Interieurs teilgenommen hat der Palast.

Die erste Idee des Ensembles von Versailles, bestehend aus der Stadt, des Palastes und des Parks, gehört nach Levo und Lenotra. Beide Meister begannen seit 1668 an dem Bau von Versailles zu arbeiten. Im Prozess der Umsetzung des Ensembles wurde ihr Plan zahlreiche Änderungen unterzogen. Der endgültige Abschluss des Versailandensembles gehört zu Arduun-Mansar.

Versailles als Hauptwohnsitz des Königs sollte die grenzenlose Macht des französischen Absolutismus ausrichten und verherrlichen. Dies erschöpft jedoch nicht den Inhalt des ideologischen und künstlerischen Designs des Ensembles von Versailles sowie seine herausragende Bedeutung in der Geschichte der Weltarchitektur. Von der offiziellen Verordnung eingereicht, der gezwungen ist, den despotischen Anforderungen des Königs und seiner ungefähren Erbauer von Versailles zu unterwerfen - die riesige Armee von Architekten, Künstlern, Gemälde-Binnen- und Garten-Park-Künsten, die in den riesigen kreativen Kräften von verkörpften die Franzosen.

Merkmale des Aufbaus eines Ensembles als streng bestelltes zentrales System basierend auf der absoluten zusammengesetzten Herrschaft des Palastes über alle anderen sind auf sein allgemeines ideologisches Design zurückzuführen. Der Versailles-Palast, der sich auf der hohen Terrasse befindet, konvergen drei breite direkte Strahlungsaussichten der Stadt, die einen Dreizahn bilden. Die mittlere Avenue setzt auf der anderen Seite des Palastes in Form der Hauptbahnlinie eines riesigen Parks fort. Senkrecht zu dieser Hauptverbundachse der Stadt und der Park befindet sich in der Breite des Palastes stark länglich. Die mittlere Allee des Dreizacks führt zu Paris, zwei anderen - in den königlichen Palästen von Saint-Clock und Co, als ob die Hauptlandschaft des Königs mit verschiedenen Bereichen des Landes kommuniziert werden.

Der Versailles-Palast wurde in drei Zeiträumen errichtet: der uralte Teil, der den Marmorhof umrahmt, ist die Jagdschloss von Louis XIII, der Bau 1624 und in der Zukunft stark umgebaut. Im Jahr 1668 - 1671 hackt der linke Corps mit seinem neuen Corps mit der Stadt mit dem Mittelstrahl des Dreizacks. Von der Seite des Marmorhofs erinnert der Palast dem frühen Bau der französischen Architektur des XVII-Jahrhunderts mit umfangreichen Kurdoner, Türmen, mit hoher Dachbildung, Fragilität von Formen und Details gekrönt. Der Bau rundet Ardenen-Mansar ab, was 1678 - 1687 noch mehr den Palast von zwei Gebäuden, südlich und nördlich mit einer Länge von 500 m und vom zentralen Teil der Parkfassade erhöht - eine riesige Spiegelgalerie mit einer Länge von 73 m mit den seitlichen Hallen des Krieges und des Friedens. Neben der Spiegelgalerie platzierte er das Schlafzimmer des Sunkönigs an der Seite des Marmorplatzes, wo die Achse der Trident Avenue der Stadt konvergiert ist. Im zentralen Teil des Palastes und am Marmorhof wurden die Apartments der königlichen Familie und der Parade-Adoptionshallen gruppiert. In riesigen Flügeln befanden sich die Räumlichkeiten des Gerichts, der Wächter und der Palastkirche.

Die Architektur der Fassaden des Palastes von Ardune-Mansair, vor allem aus dem Park, zeichnet sich durch eine große Einheit aus. Das stark gestreckte Styling ist das Gebäude des Palastes mit strenger, geometrisch korrekter Parklayout und natürlicher Umgebung gut kombiniert. In der Zusammensetzung der Fassade, dem zweiten, dem Erdgeschoss mit großen Architekten von Fenstern und strengsten und teilen und den Details der Säulen und dem Pilaster zwischen ihnen, die auf einem schweren Rush-Keller ruhen, sind unterschieden. Ein Kronenbau Das schwere Dachboden erzählt dem Erscheinungsbild des Palastes Monumentalität und der Repräsentativität.

Die Räumlichkeiten des Palastes zeichnet sich durch Luxus und Vielfalt von Oberflächen aus. Barockmotive sind weit verbreitet (runde und ovale Medaillons, komplexe Cartoons, Zierfüllungen über den Türen und gemeinsam) und teuren Endmaterialien (Spiegel, Bronze, Marmor, vergoldetes Holzschnitzerei, wertvolle Holzrassen), weit verbreitete Verwendung der dekorativen Malerei und Skulpturen - all dies soll eine beeindruckende Parade beeindrucken. Die Empfangshallen widmeten den alten Göttern: Apollon, Diana, Mars, Venus, Mercury. Ihre dekorative Dekoration spiegelte die symbolische Bedeutung dieser Räume wider, die mit der Verherrlichung von Tugenden und den Verdiensten des Königs und seiner Familie zusammenhängt. Bei Bällen und Empfängen servierte jede der Hallen als bestimmte Ziele - der Ort der Bankette, die Spiele in Billard oder Karten, der Konzertsaal, das Interieur für die Musitalisierung. In der Apollo-Halle, der den Luxus der Oberflächen übertraf, war der Rest der königliche Thron - ein sehr hohes Gussguss mit Gusssilber unter der Kankine. Der größte und vordere Raum des Palastes ist jedoch eine Spiegelgalerie. Hier durch breite gewölbte Öffnungen, einen herrlichen Blick auf die Hauptbahnlinie des Parks und der umgebenden Landschaft. Der interne Raum der Galerie wird durch eine Reihe von großen Spiegel, die sich in Nischen gegen Fenster befinden, illussig ausgebaut. Das Innere der Galerie ist reich verziert mit Marmor-Corinth-Pilastern und einem herrlichen Stuck-Cossice, das dem Übergang zu einem noch komplexeren in Zusammensetzung und Farbe dient, um eine große Decke des Malers von Lebed zu lösen.

Der Geist der offiziellen Feierlichkeit, die in Versailles herrschte. Die Räumlichkeiten wurden luxuriös eingerichtet. In einer Spiegelgalerie in glänzenden silbernen Kronleuchter waren Tausende von Kerzen beleuchtet und eine laute bunte Menge der gerichteten Halspalast-Anfilader, die in hohen Spiegel reflektierten. Der venezianische Botschafter, der eine der königlichen Empfänge in seinem Bericht aus Frankreich beschreibt, sagt, dass es leichter als der Tag war "und" die Augen wollten nicht an beispiellosen hellen Outfits, Männern in Federn, Frauen in üppigen Frisuren glauben wollten. " Er mag es, dass er "schlafen", "verzaubertes Königreich".

Im Gegensatz zu der Architektur der Fassaden des Palastes, die nicht mehr mehrere barocken Repräsentativität entstanden, sowie überladen mit Dekorationen und der Vergoldung von Innenräumen von Andre Lenotr, das Layout des Versailles Park, der das herausragendste Modell der Der französische reguläre Park zeichnet sich durch die erstaunliche Sauberkeit und Harmonie der Formen aus. Im Park-Layout und den Formen seiner "grünen Architektur" ist Lenotr das beständigste Ausdruck des ästhetischen Ideals des Klassizismus. Er sah in der natürlichen Umgebung das Objekt an vernünftiger menschlicher Aktivität. Die natürliche Landschaft von Lenotr wandelt in ein fehlerfreies klares, komplettes architektonisches System basiert auf der Idee der Rationalität und Ordnung.

Der allgemeine Blick auf den Park öffnet sich von der Seite des Palastes. Von der Hauptterrasse führt die breite Treppe an der Hauptachse der Ensemble-Zusammensetzung an den Laton-Brunnen, die Royal Gasse bohrte es dem Apollo-Brunnen mit einem weitläufigen ovalen Pool.

Die Zusammensetzung der Royal-Gassen-Enden, die mit einer riesigen Wasseroberfläche des kreuzförmigen Kanals weit bis zum Horizont fließt und dann in den Hauptstrahl konvergiert wird, dann sind die Aussichten, die von den abisolierten Bäumen und Bosets gebildet werden, die von ihr divergieren. Lenotr gab dem Park West östlich Orientierung, dank der in den Strahlen der aufgehenden Sonne, die sich in den großen Kanal und den Pools widerspiegeln, besonders großartig und strahlend erscheint.

In der organischen Einheit mit dem Park-Layout und dem architektonischen Erscheinungsbild des Palastes gibt es eine reiche und vielfältige Skulptur des Parks.

Versailal Park-Skulptur ist aktiv an der Bildung des Ensembles beteiligt. Skulpturale Gruppen, Statuen, Herma und Vasen mit Reliefs, von denen viele von herausragenden Bildhauer ihrer Zeit geschaffen wurden, schloss die Aussichten für grüne Straßen, Rahmenquadrate und Gassen, bilden komplexe und schöne Kombinationen mit einer Vielzahl von Brunnen und Pools.

Versalaa Park mit klar ausgesprochenem architektonischen Bau, Reichtum und verschiedenen Formen von Marmor- und Bronzeskulpturen, Laub von Bäumen, Springbrunnen, Pools, geometrisch klaren Linien der Gasse und Rasenformen, Blumenbeete, Bosets ähnelt einer großen "grünen Stadt "Mit einem IMFILADEN in verschiedenen Bereichen und Straßen. Diese "grünen Anfilader" werden als natürliche Fortsetzung und die Entwicklung des Innenraums des Palastes selbst wahrgenommen.

Das architektonische Ensemble von Versailles ergänzte das Gebäude des in dem Park erbauten Arduen-Mansar auf dem Projekt (1687 - 1688) - einen intimen königlichen Wohnsitz. Ein Merkmal dieses kleinen, aber monumentalem Erscheinungsbild eines einstöckigen Gebäudes ist eine frei asymmetrische Zusammensetzung; Parade-Wohnräume, Galerien und Wohngebäude sind rund um kleine angelegte Innenhöfe mit Springbrunnen gruppiert. Der zentrale Eingangsteil des Trianone ist als tiefe Loggia mit verdrillten Säulen einer überlappenden ionischen Reihenfolge angeordnet.

Als Palast, so vor allem der Park von Versailles mit seiner breiten Promenade, einer Fülle von Wasser, leichter Absicht und räumlicher Raum als prächtige "szenische Plattform" für eine Vielzahl von ungewöhnlich bunten und üppigen Brillen - Feuerwerk, Beleuchtungen, Bälle , Ballett-Divertisses, Performances, Maskerade-Prozessionen und Kanäle - zum Wandern und die Feierlichkeiten der Flotte. Als Versailles errichtet wurde und noch nicht zum offiziellen Zentrum des Staates wurde, setzte sich seine "Entertainment" -Funktion an. Im Frühjahr 1664 gründete der junge Monarch zu Ehren seiner Lieblings Louise de Lavalier eine Reihe von Feierlichkeiten unter dem romantischen Namen "Genießen Sie die geneigte Insel genießen". Zuerst in diesen achttägigen Festivals, in denen fast alle Arten von Künsten teilnahmen, gab es noch viele Vitalität und Improvisation. Im Laufe der Jahre haben die Feierlichkeiten ein zunehmend ehrgeiziger Charakter mitgenommen, der in den 1670er Jahren seinen Apogee erreicht, als ein neuer Favorit in Versailles regiert wurde - dem verschwenderischen und brillanten Marquis de Mont-Dran. In den Augenzeugengeschichten wurden in verschiedenen Gravuren, in verschiedenen Gravuren, Raub der Versailles und seinen Feiertagen in andere europäische Länder aufgeteilt.

Kapitel "Die wichtigsten Stadien der französischen Kunst", "französische Architektur des XVII-Jahrhunderts", "französische Architektur des späten XVII- und XVIII-Jahrhunderts", "der allgemeine Stand der Architektur in Europa in der XVII- und XVIII-Jahrhunderte" -Architektur von Frankreich XVII - XVIII BB "aus dem Buch Auguste Shuizi" Architektur Geschichte "(Auguste Choisy, Histoire de l" Architektur, Paris, 1899). Laut der Veröffentlichung der All-Union-Akademie der Architektur, Moskau, 1935

Die wichtigsten Stadien neuer Kunst

Lassen Sie uns der französischen Architektur zum Ergebnis des XVI-Jahrhunderts bis zur Zeit der Bekanntmachung religiöser Kriege zurückerstatten. Die Architektur erlebt die gesamte Umwandlung der Rückkehr der Welt und der Wohlstand: es ist bescheiden und nach den Liga-Kriegen, verschwenderisch in Richelieu, majestätisch und feierlich, bis in Louis XIV, kalt und streng am Vorabend der Revolution . Betrachten Sie nacheinander diese Werkzeuge, die sie entweder auseinander oder gleichzeitig verwendet haben.

Französische Architektur des XVII Jahrhunderts

Stein- und Ziegelarchitektur und ihre Formen

Die Kombination von Ziegeln und Stein. - Unter Henrich IV werden dekorative Effekte oft durch solche konstruktiven Techniken erreicht, in denen die Farbkontraste mit niedrigen Kosten die Fassaden des lebhaften und abwechslungsreichen Typs ergeben; Das ist das Design der Wände in Form eines Rahmens von verrückten Steinen mit einer Füllung von grobem Mauerwerk.

Die Füllfläche ist mit farbigem Stuck bedeckt: Gemäß der Tradition, die aus der frühen Renaissance stammt, ist das Gerahmung der Öffnungen durch alle Etagen ( feige. 437.), die sich von der Fundament für lehnfreie langen weiße Streifen bilden, auf einem roten Wandhintergrund und auf blauem Hintergrund von Schieferdächern hervorheben.

Diese Architektur nutzen Sie immer mit einfachen Mitteln, wobei diese Architektur sowohl für Farbkontraste als auch für klare Konturen bis hin zu den gemusterten Umrissen der Dächer und dem Lugar strebt; Sie genießt wenig Profiling und vermeiden Sie absolut kleine Details: Es gibt einige Konturen und das Spiel von Farben.

Zu den frühesten Denkmälern dieses Stils gilt meyen-Palast auf der streichen Antoine-StraßeAufstieg zur Ära von Heinrich III.

Dann folgen: mit Henrich IV palast Kardinal Buron in der Abtei Saint-Germain de Pré, Gebäude auf der Gegend von Dofina und in der Gegend von Vagesov ( feige. 437.); unter Louis XIII - der Hauptkern des Versailles-Palastes; Eines der neuesten Beispiele dieses Stils - palace Mazarini. (Nationalbibliothek), gebaut von Francois Manzar in der Minderheit von Louis XIV. Zur gleichen Architektur gehört und palace Rambuy..

Anwendung in der Steinarchitektur von Formen, die aus einer Kombination von Stein und Ziegeln ergeben. - In der vorherigen Gruppe, als Ableitung davon, gibt es eine Reihe von Gebäuden, die ausschließlich aus Stein errichtet wurden, sondern auch Dekoration in der am meisten beschriebenen gemischten Gestaltung leisten.

Als Beispiele für diese eigentümliche Formübertragung geben wir: unter Louis XIII - schillo Palace in der St. Anguan StreetGebaut J. Dyserto., Sorbonne und Kardinal-Palastgebaut Lemerce.; Zu Beginn der Regierungszeit von Louis XIV - palast d "Omon auf der Straße ZhuiGebaut Fr. Mansar..

Bestellungen dekorieren.

Die Architektur des Ziegels und des Steins, offensichtlich mit dem Verlangen nach Einsparungen, ist am besten für Gebäude geeignet, aus denen nichts erforderlich ist, mit Ausnahme der eleganten Einfachheit. Für monumentale Strukturen wird es auf Haftpflichtdekorationen zurückgegriffen, in Frankreich, wie in Italien, zwischen den beiden Entscheidungen, ob diese Dekorationen in Übereinstimmung mit der Skala der gesamten Fassade oder auf der Skala von nur dem Boden, den sie dekorieren, entsprechen . Von hier in der Garantiearchitektur gibt es zwei Strömungen, die wir unten folgen werden.

Dekoration, verbunden mit der Waage der Böden. - Wenn die Dekoration mit der Skala der Etagen verknüpft ist, werden verschiedene Bestellungen in jeder Etage platziert. Dies sind die Anlagen, die (die Abteilung von Ionna), die am Ende der Regierungszeit von Heinrich IV errichtet wurden.

Mit Louis XIII ist die Tradition der Anwendung kleiner Bestellungen S. de Challet in Luxemburg-Palast. Und auf der Fassade Saint-zheree..

Auf der gleichen Methode erstellt Lemerce. Zentraler Pavillon B. Louvrian Yard. Und im Palast Liankur.(fig. 438.) - seine Hauptarbeit, von der uns nur einige Zeichnungen uns erreichten.

Zu Beginn der Regierungszeit von Louis XIV Lepotre Wendet den gleichen Weg zur Dekoration an bove Palace. (Straße Francois Miron); Mit dieser Art treffen wir uns im Schloss Burseta Biscuit. (Katze d "oder); der letzte Vertreter dieses Systems war Fr. Mansard (maison Castle, Haston Haston Pavilion in Blois).

Das System kleiner Bestellungen zu Beginn des XVII-Jahrhunderts hat einen Erfolg genossen. Versuch im Palast, versuchte Versuch, eine Kompromisslösung zu finden: Antablement speichern und Pilastern zerstören oder durch Säulen ersetzen.

Für die ganze Zeit der Regierungszeit von Henry IV erfüllen wir nur eine Frank-Anwendung des traditionellen Systems - die Galerie des Louvre ( feige. 439.). Diese wundervolle Komposition gibt uns eine Vorstellung von der Flexibilität, die Kunst noch beibehalten hat. Die untere Etage wurde vorher gebaut (er stammt zurück in die Ära von Catherine Medici), und es war notwendig, es mit dem Flügel des Palastes zu koordinieren, deren Carnis, der für MN-Übergang an den MN Mezzanice entfielen.

Betrachten Sie nun das entgegengesetzte System:

Dekorieren mit einem kolossalen Haftbefehl. - Unter den ersten Gebäuden, in denen ein paar Etagen zu einem großen Pilotbefehl zusammengefasst wurden, haben wir den Flügel bereits angerufen castle Chantilia.Im Zusammenhang mit der Ära von Heinrich II.

Wir bringen ein Fragment der Fassade ( feige. 440, C.). Es zeigt deutlich die mit diesem System verbundenen Schwierigkeiten. Anteile erreicht einen exorbitanten Wert, um die Proportionalität mit Pilastern zu erhalten; Die Fenster gehen verloren und wie ein Styling. Um von Antablem willen, gehen sie Zugeständnisse auf klassische Proportionen, aber um ihre Fenster nicht zu erkennen, werden sie von ihnen mit dem Teil des Daches erfasst, um sie in eine Art Ansatz, die Nichtfassade, nicht mit der Dach; Versuchen Sie manchmal sogar, Fenster von zwei Böden von einem gerahmten zu decken, als ob eine gemeinsame Öffnung simuliert wird.

Dank all dieser Kompromiss wird die kolossale Ordnung zu einem der üblichen Elemente der französischen Architektur. Wir stoßen auf Henrich III in palast Dian de France (Pava Street, in Marhe); In Henrich IV wurde es auf die Galerie angewendet, die den Louvre mit Tuilerien verbindet (Abb. 440, L); Erbaut während Louis XIII herzogin Savoy Palace. (Garasier Street) ist ein Beispiel für ionische Pilaster, die aus dem Maßstab entschlossen austreten. Dorianische Pilaster mit mehr bescheidenen Größen sind mit dem Versailles-Palast dekoriert.

Durch den Beginn der Regierungszeit von Louis XIV manifestiert sich immer mehr entschlossen eine Tendenz für große Bestellungen. Sie finden die Größe, die die neuen Eigenschaften der Monarchie erfüllt. Löwe und Dorbe Wenden Sie sie in der alten Südfassade des Louvre an, in der Burg am College mit vier Nationen (Institut); Lemue genießt diese feierliche Form für palace d "Avo (Tampl Street); Fr. Mansard wendet es an der Hauptfassade an kloster Minov. Im Suburb von St. Anto'an.

Anschließend geliehen Perso, 1670, eine kolossale Ordnung als Thema für seine Louis Colonnade und im XVIII Jahrhundert. Gabriel wird diesen Haftbefehl in den Palästen in der Zustimmung wiederholen.

Behandlung von Fassaden von Rustami und Panel

Rostverarbeitung. - Wir haben bereits darauf hingewiesen, dass die Konsequenzen aus der Verwendung einer kolossalen Reihenfolge fließen: die Notwendigkeit riesiger Cossen und die Notwendigkeit, die Öffnungen übermäßig zu erhöhen. Es ist in gewissem Umfang möglich, um die Größe zu erhalten, die der architektonischen Zusammensetzung der Bestellung verleiht, die von der Basis des Gebäudes steigt, wenn Sie die Pilaster mit Rush-Klingen ersetzen. Die Kosten werden reduziert, und gleichzeitig, da die Form der Bestellung nur impliziert wird, werden die Anforderungen der Proportionen weniger zwingend gewünscht, was den Grenzwert und den Wert der Antlphempants und der Größe ermöglicht der Fenster.

Die Mitgliedschaft von Fassaden durch rustikale Klingen anstelle von Pilastern wurde von Lemar in der Regierungszeit von Louis XIII in verwendet schloss Richelieu. und im Kardinalpalast; Mit Louis XIV, verwendet diese Techniken L. brunet. - Für die Bearbeitung von Fassaden Häuser deaktiviert, Fr. Manzar - für. Val de Gara.Perro - für den nördlichen Vorsprung des Louvre.

Dekoration durch ein Panel. - Die Architektur stoppt diesen Weg nicht zur Vereinfachung. Am Ende werden diese verrosteten Klingen zerstört; Eine Antablement, die die Fassade an den nackten Wänden aufliegt, kaum mit Framing dekoriert, die die Grenzen der Zwischenplatte umreißt.

Der Innenhof des Behindertenhauses stellt ein hervorragendes Beispiel für solche Fassaden dar, bei dem nur die Profile der Traufe und die Klingen von Bestellungen blieben. In dem gleichen Geist pero dekorieren

Observatory, fr. Blonddez - Tor Saint-Denis, Bull - Tor Saint-Marten.

Französische Architektur des verstorbenen XVII- und XVIII-Jahrhunderts

Offizieller Stil. - letzter Drittel des XVII Jahrhunderts. Es beginnt die Abnahme des Geschmacks, das Auftreten des Rückgangs ist spürbar. Um es zu verhindern, arbeitet Kolber 1671 die Akademie der Architektur und weist sie an, indem er die Theorie lehrt, die Lücken des Handkraftstudenten zu füllen. Er lenkt Architekten in Rom, um dort inspiriert zu werden, bestellt die Veröffentlichung von Werken an klassischen Antiquitätendenkmälern, versucht, die Kunst dessen wiederzubeleben, was die Position seiner Meister erhöht. Aber die Färbekunst ist mächtiger, um zu durchdringen und schnell zu erreichen. Lemercia und FR GENERA. Mansard stirbt; Die nächste Generation für ihn schafft immer noch mehrere Werke, die der vorherigen Periode würdig sind, aber im allgemeinen Stil wird im Allgemeinen ein schlaffer, die Ausführung ist mediocre.

In einem Anstrengung zum falschen Ideal des Adels wird es angehalten, nach dem Beispiel der Italiener, auf monotonen Fassaden, die alle gleiche Motive dieselben Motive wiederholen, - und diese kalte Symmetrie ist an der Stelle der Teile der Teile so verborgener Gebäude, das hinter derselben Fassade und Kapellen und Treppen und sogar Bäder steht; Sogar die Dächer sind maskiert. Der Hauptwunsch ist, nichts außerhalb zu identifizieren, was an den täglichen Bedarf an wesentlichen Alltag erinnert wird.

Dies ist eine solche Architektur, als wäre ich nicht für gewöhnliche Sterbliche geschaffen, ich mag den König. Jules Arduuen-Mansar beantragte es vollständig auf den Versailles-Palast ( feige. 441., ABER); Die Fassade, die eindeutig auf alle diese Trends betrifft, bezieht sich auf 1675. Die Traditionen hoher Kunst und Rückgang des XVIII Jahrhunderts. - letzte Jahre des XVII Jahrhunderts. mit einer Erstattung an vielfältigere Formen gekennzeichnet; Dann erwirbt der Stil von Arduuen-Mansar eine größere Flexibilität, es kann sein, dass es darum geht, mit ihm andere Architekten zusammenzuarbeiten, darunter Saint-Simon Lassuyrer.

Sei so, wie es kann, aber vor dem Tod von Ardenen-Mansar (1708), als ob eine Wiederbelebung beobachtet wurde: Er endet seine Aktivitäten von zwei Meisterwerken - das Haus von
Gültig und Versailles-Kapelle. Die Not des Endes der Regierungszeit von Louis XIV ist durch diese Wiederbelebung eingeschränkt, und es ist nur entschlossen erneuert, nachdem die Regentschaft etabliert ist. Ab sofort gibt es sozusagen zwei Architekturen: Man setzt die strengen Traditionen der vorherigen Zeit fort, der andere kommt auf dem Weg der anspruchsvollen Gnade, was sehr ehrlich die Raffinesse der modernen Gesellschaft widerspiegelt.

Der Stil einer neuen Schule, ROCOCO-Genre, wird nur um 1730 gegründet und findet das Hauptausdringungsmittel angesichts von Buffran; Der klassische Schulstil verfügt über eigene Vertreter von Gabriel, Suffon, schließlich, Louis und Antoine.

Bei der Fortsetzung der gesamten zweiten Hälfte der Herrschaft von Louis XV existieren beide Schulen völlig unabhängig: Während Nancy Palaces mit Rokoko-Dekorationen überlastet sind, zeichnet sich der Einwilligungsbereich durch den majestätischen Vorteil und der Ergrärfung seiner herrlichen Umrisse ( feige. 441, B., 1750) Innenschule der Mitte des 13. Jahrhunderts. Louis XVI ist nach der Zeit ausgeatmet: Die philosophische Bewegung lenkt den Geist in Richtung der Antike. Geschmäcker sind völlig verändert, und die Sauberkeit der Formen versucht, sogar die Schule von Gabriel und Suffro zu übertreffen. Mit dem Ansatz der Revolution fiel in die Trockne, und zusammen mit der Revolution beginnt die Krise der Kunst, aus dem aus dem Ausweg nur in unserer Zeit kaum geplant ist.

Der Gesamtstatus der Architektur in Europa in den Jahrhunderten von XVII und XVIII

In der XVII- und XVIII-Jahrhunderte. Europa wird von teilweise modernem Italien, teilweise Frankreich, beeinflusst. Im Allgemeinen dominieren französische Einflüsse; Somit sind französische Architekten den meisten ihrer Paläste für deutsche Fürsten erhöht: in Berlin, in München, in Stuttgart, in Mann-Spiel.

Insigo Jones.Aus, von dem die klassische Architektur in England beginnt, entwickelte sich anscheinend seinen Stil, indem er direkt die Monumente Italiens studierte und die Schule gründete, deren Nachfolger im XVIII Jahrhundert. Kammern erschienen, der Erbauer des Palastes Somerset.

Ren (S. Wren), Architektenkathedrale St. Paul in London grenzt an die Schule, die das Haus der Personen mit Behinderungen in Frankreich schuf; Erbaut von ihm Kathedrale von St. Paulus war wiederum als Hauptprobe für Amerika, als er ein Capitol in Washington baute.

In Russland im XVIII. Jahrhundert. Es offenbart sich hauptsächlich durch den italienischen Einfluss - in den Palästen von St. Petersburg.

Wie für italienische Kunst, der SZVUK, der alle modernen Architekturschulen ist, dann waren seine letzten Kreaturen: Bernini Colonnade auf St. Peter, majestätisch, aber keine strenge Fassade, die von Architekten al. Galiläa-Kirche San Giovanni Ying Lathero und Kälteanlagen Vavuteli in Caserta.

Kapitel "Kunst von Frankreich." Abschnitt "Kunst 17. Jahrhundert". Universelle Kunstgeschichte. Tom IV. Art von 17-18 Jahrhunderten. Autoren: V.e. Bullen (Architektur) usw. Capteleva (Fine Arts); Unter der allgemeinen Ausgabe von Yu.d. Kolpinsky und E.I. Rotenberg (Moskau, State Publishing House "Art", 1963)

Im 17. Jahrhundert, vor den französischen Leuten, nach der Zeit der blutigen Bürgerkriege und dem wirtschaftlichen Zerstörer, konfrontierte die Aufgaben der weiteren nationalen Entwicklung in allen Bereichen des wirtschaftlichen, politischen und kulturellen Lebens. Unter den Bedingungen der absoluten Monarchie - mit Henrich IV und insbesondere im zweiten Quartal des 17. Jahrhunderts. Mit Richelieu, der energetische Heilminister von Healing Louis XIII, wurde das System der Staatszentralisierung gelegt und intensiviert. Infolge des konsequenten Kampfes gegen die feudale Opposition, der wirksamen Wirtschaftspolitik und der Stärkung des internationalen Status hat Frankreich einen erheblichen Erfolg erzielt und wird zu einem der mächtigsten europäischen Kräfte.

Die Erklärung des französischen Absolutismus basierte auf der Volksausbeutung der Massen. Richelieu sagte, dass die Leute wie Mulu waren, der früher gewöhnt war, um die Schwerkraft zu tragen und von einem langen Aufenthalt mehr als von der Arbeit zu verderben. Französische Bourgeoisie, die Entwicklung, deren Absolutismus mit seiner wirtschaftspolitischen Politik bevormundete, war in einer doppelten Situation: Sie suchte politisch dominant, aber aufgrund seiner Unreife konnte er mit der königlichen Autorität auf dem Weg der Lücke stehen, weil Die Bourgeoisie hatte Angst vor ihnen und interessierte sich für die Erhaltung von Privilegien, die vom Absolutismus gegeben wurden. Dies wurde in der Geschichte des sogenannten Parlaments-Wedels (1648-1649) bestätigt, als die Bourgeoisie, die durch einen mächtigen Anstieg des Volksrevolutionselements erschreckt hatte, einen direkten Verrat gemacht hatte, einen Kompromiss mit dem Adel machte.

Der Absolutismus vorbestimmt viele charakteristische Merkmale bei der Entwicklung der französischen Kultur des 17. Jahrhunderts. Wissenschaftler, Dichter, Künstler wurden vom königlichen Gericht angezogen. Im 17. Jahrhundert wurden der grandiose Palast und die öffentlichen Strukturen in Frankreich errichtet, majestätische Stadt Ensembles wurden erstellt. Es wäre jedoch falsch, die gesamte ideologische Vielfalt der französischen Kultur 17. Jahrhundert zu reduzieren. Nur zum Ausdruck der Ideen des Absolutismus. Die Entwicklung der französischen Kultur, die mit dem Ausdruck nationaler Interessen verbunden ist, war komplexer, einschließlich Trends, sehr weit von den offiziellen Anforderungen.

Das kreative Genie der französischen Menschen zeigte sich in der Philosophie, in der Literatur und in der Kunst, hell und vielfältig. Das 17. Jahrhundert ergab Frankreich der großen Denker von Descartes und Gassendi, Korifeev Korneli, Racina und Moliere, und in Plastikkunst - so große Meister, als der Architekt Arduuen-Mansar und der Maler Nikola Poussin.

Akuter sozialer Kampf hat allen Entwicklung der französischen Kultur der Zeit einen gewissen Aufdruck auferlegt. Insbesondere öffentliche Widersprüche erschienen insbesondere in der Tatsache, dass einige fortgeschrittene Figuren der französischen Kultur in einem Zustand des Konflikts mit dem königlichen Gerichtshof standen und außerhalb Frankreichs leben und arbeiten mussten: Descartes übrig für Holland, und Poussin verbrachte fast sein ganzes Leben lang in Italien. Offizielle Gerichtskunst in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Entwickelt sich hauptsächlich in den Formen des pompösen Barocks. Im Kampf gegen offizielle Kunst haben sich zwei künstlerische Linien entwickelt, von denen jedes ein Ausdruck fortgeschrittener realistischer Trends der Ära war. Der Meister der ersten dieser Richtungen, der den Namen Peitres de la Realite in französischen Forschern erhielt, dh die Maler der realen Welt, arbeiteten in der Hauptstadt sowie in der Provinzkunstschulen und mit all ihrem Individuum Unterschiede wurden von einem gemeinsamen Merkmal kombiniert: Idealformen vermeiden, sie wandten sich zur direkten, direkten Verkörperung von Phänomenen und Taten der echten Realität. Ihre besten Errungenschaften beziehen sich in erster Linie auf ein Haushaltsbild und ein Porträt; Biblische und mythologische Grundstücke wurden auch von diesen Meistern in von der Alltagsrealität inspirierten Bildern verkörpert.

Die tiefgreifendste Reflexion der wesentlichen Merkmale der Ära manifestierte sich jedoch in Frankreich in den Formen des zweiten dieser fortschrittlichen Strömungen - in der Kunst des Klassizismus.

Die Besonderheiten verschiedener Bereiche der künstlerischen Kultur identifizierten bestimmte Merkmale der Entwicklung dieses Stils in Drama, Poesie, in Architektur und bildenden Künsten, aber mit all diesen Unterschieden haben die Prinzipien des französischen Klassizismus eine gewisse Einheit.

In den Bedingungen des Absolutisten sollte die Abhängigkeit einer Person aus öffentlichen Institutionen mit einer besonderen Schärfe von staatlichen Verhandlungen und Nachlassbarrieren entdeckt werden. In der Literatur, in der das ideologische Klassizist des Klassizismus seinen vollständigsten Ausdruck fand, ist der Dominierende der Zivilverschuldung, der Sieg des öffentlichen Jahres über den Beginn des Persönlichkeiten. Die Unvollkommenheit des REALITY-Klassizismus entgegengesetzt den Idealungen der Rationalität und der harten Disziplin der Person, mit deren Hilfe die Widersprüche der realen Existenz überwunden werden sollten. Ein Konflikt von Geist und Gefühlen, Leidenschaft und Schulden charakteristisch für den dramatischen Klassizismus, der Refraination der widersprüchlichen Widersprüche dieser Ära und der Welt um ihn herum. Vertreter des Klassizismus fanden die Verkörperung ihrer öffentlichen Ideale im antiken Griechenland und des republikanischen Roms sowie die Personifizierung der ästhetischen Normen für sie eine antike Kunst.

Die Architektur, laut eigenem Charakter, hauptsächlich mit den praktischen Interessen der Gesellschaft, war in der stärksten Abhängigkeit vom Absolutismus. Nur unter Bedingungen einer leistungsstarken zentralisierten Monarchie war damals die Schaffung von enorm, erfüllt im vereinheitlichen Plan von Urban und Palast Ensembles, die die Idee der Macht des absoluten Monarchens verkörpern konzipiert. Es ist nicht zufällig, deshalb bezieht sich die Blüte der Architektur des französischen Klassizismus auf die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts, als die Zentralisierung der absolutistischen Macht seinen Scheitelpunkt erreichte.

In einigen anderen Mal, die Entwicklung des Klassizismusmals des Klassizismus, des Gründers und des Hauptvertreters, der der größte französische Künstler 17. Jahrhundert war. Nikola Pusssen.

Die künstlerische Theorie der Malerei des Klassizismus, die Grundlage der Schlussfolgerungen von italienischen Theoretiker und Aussagen von Poussin, in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wandten sich in eine konsistente Lehre, in ideologischer Hinsicht, es hat viel mit der Theorie gemeinsam der klassischen Literatur und Dramaturgie. Es betont auch das öffentliche Prinzip, den Triumph des Geistes über das Gefühl, den Wert der antiken Kunst als unbestreitbares Beispiel. Nach Poussin sollte das Kunstwerk eine Person erinnern, um eine Person zu erinnern, "auf die Kontemplation der Tugend und Weisheit, mit deren Hilfe er in der Lage sein kann, fest und unerschütterlich vor den Schlägen des Schicksals zu bleiben."

In Übereinstimmung mit diesen Aufgaben wurde ein System von künstlerischen Mitteln entwickelt, das in den bildenden Künsten des Klassizismus und der strikten Regulation von Genres verwendet wurde. Der Moderator galt als das Genre der sogenannten historischen Malerei, darunter Kompositionen auf historischen, mythologischen und biblischen Parzellen. Der Schritt unten war das Porträt und die Landschaft. Haushaltsgenre und Stillleben im Malereiklassizismus eigentlich abwesend.

Aber in geringerem Maße als französische Dramatiker, angezogen auf die Formulierung der Humanressourcen, dem Thema der Zivilverschuldung. Für mehr fühlte er sich von der Schönheit menschlicher Gefühle, Reflexionen über das Schicksal einer Person an, über seine Haltung gegenüber der Welt auf der ganzen Welt, dem Thema der poetischen Kreativität. Besonders sollte es für das philosophische und künstlerische Konzept der Naturthemen wichtig sein. Die Natur, die Poussin als höchste Verkörperung der Rationalität und Schönheit wahrgenommen hat, ist ein lebendes Umfeld für seine Helden, ihre Handlungen Arena, eine wichtige, oft dominante Komponente im figurativen Inhalt des Bildes.

Für Poussin war die antike Kunst weniger als die Summe kanonischer Techniken. Poussin in der alten Kunst gefangen, die Hauptsache - sein Geist, seine Lebensposition, die organische Einheit der hohen künstlerischen Verallgemeinerung und Gefühle der Vollständigkeit des Seins, figurativer Helligkeit und großer sozialer Inhalt.

Die Kreativität von Poussin fällt in die erste Hälfte des Jahrhunderts, die durch den Aufstieg des öffentlichen und künstlerischen Lebens in Frankreich und dem aktiven sozialen Kampf gekennzeichnet ist. Daher die allgemeine progressive Orientierung seiner Kunst, der Reichtum seines Inhalts. Die Situation hat sich in den letzten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts in der größten Stärkung der absolutistischen Unterdrückung und Unterdrückung fortschrittlicher Phänomene des öffentlichen Gedankens entwickelt, als die Zentralisierung auf Künstler verbreitet hat, die sich in der Royal Academy vereint und gezwungen, ihre Kunst zu dienen, um die Monarchie zu verwirklichen . Unter diesen Bedingungen hat ihre Kunst tiefgreifende soziale Inhalte verloren, und schwache, begrenzte Merkmale der klassischen Methode wurden im Vordergrund durchgeführt.

In der ersten Hälfte und der Mitte des 17. Jahrhunderts entwickeln sich die Prinzipien des Klassizismus allmählich in der französischen Architektur. Der Boden für sie wurde von den Architekten der französischen Renaissance erstellt. Aber im selben Zeitraum in der französischen Architektur des 17. Jahrhunderts. Die Traditionen, aufsteigend bis zum Mittelalter, sind immer noch erhalten, und dann auf einmal organisch mit Renaissance-Architekten assimiliert. Sie waren so stark, dass selbst die klassischen Bestellungen eine Art Interpretation beim Bau der ersten Hälfte des Jahrhunderts erworben haben. Die Anordnung der Reihenfolge ist der Ort auf der Oberfläche der Wand, Proportionen und Details - unterliegen den Prinzipien des Aufbaus der Wand, die sich in der gotischen Architektur entwickelt haben, mit ihren eindeutig dedizierten vertikalen Elementen des Gebäudesrahmens (Stensis) und Große Fensteröffnungen. Halbsäulen und Pilaster, die den Duft füllen, sind in Paaren oder Strahlen gruppiert; Dieses Motiv in Kombination mit zahlreichen Befestigungselementen und der Langzeitkonstruktion der Fassade verleiht dem Aufbau ein erhöhtes vertikales Aspiration, ein ungewöhnliches klassisches System der Bestellzusammensetzungen. Die von der französischen Architektur der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts geerbten Traditionen. Von der vorhergehenden Epoche sollte die Zerstellung des Gebäudes auch auf die einzelnen Turmvolumina zurückgeführt werden, die von Pyramidendächern geleitet wird. Der erhebliche Einfluss auf die Bildung der Architektur des frühen Klassizismus wurde von zusammengesetzten Techniken und Motiven des italienischen Barocks bereitgestellt, das hauptsächlich im Innenarchitektur verwendete.

Einer der frühen Palaststrukturen der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Es gab einen luxemburgischen Palast in Paris (1615-1620 / 21), erbaut von Salomon Deck (nach 1562-1626).

Die Zusammensetzung des Palastes zeichnet sich durch die Platzierung des Haupt- und Services, niedrigeren Gehäusen aus - FLIBELs um den umfangreichen Fronthof (KURDONER). Eine Seite des Hauptgebäudes steht vor dem Innenhof, dem anderen - zum umfangreichen Garten. In der Volumenzusammensetzung des Palastes wurde die erste Hälfte des 17. Jahrhunderts für die französische Palastarchitektur deutlich gezeigt. Traditionelle Merkmale, zum Beispiel Isolation in der dritten dreistöckigen Gebäude des Palastes von eckigen und zentral turmähnlichen Bänden, die mit hohen Dächern gekrönt wurden, sowie die Zerhöhung des inneren Raums von Winkeltürmen in absolut identische Wohnabschnitte.

Das Erscheinungsbild des Palastes, in einigen Merkmalen, von denen die Ähnlichkeit mit den Schlössern des vorangegangenen Jahrhunderts dank der natürlichen und klaren Kompositionskonstruktion ist, sowie das klare rhythmische System von Bunkaufträgen, die die Fassaden zerlassen, zeichnet sich durch Monumentalität aus und Repräsentativität.

Die Massivität der Wände wird mit horizontalem Rost betont, wobei Wände und Wurzelelemente vollständig bedeckt werden.

Die Fassade der Kirche Saint-Zherwe (begann 1616) in Paris nimmt einen prominenten Platz ein. In diesem Gebäude wird die traditionelle Zusammensetzung der Fassade der Kirchen des italienischen Barocks mit den gotischen Stretch-Proportionen kombiniert.

In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Frühe Beispiele großer Ensemble-Lösungen. Der Schöpfer des ersten in der Architektur des französischen Klassizismus des Palastes, des Parks und der Stadt Richelieu (begann 1627) war Jacques Lemerman (ca. 1585-1654).

Die Zusammensetzung des derzeit erhaltenen Ensembles basierte auf dem Prinzip der Kreuzung im rechten Winkel zweier Hauptachsen. Einer von ihnen überfällt mit der Hauptstraße der Stadt und der Parkgelee, die die Stadt mit einem Bereich vor dem Palast verbindet, der andere ist die Hauptachse des Palastes und des Parks. Das Park-Layout ist auf einem strengsten regulären System aufgebaut, das sich rechtwinklig kreuzt oder von einer Mittelgasse abgreift.

Die Stadt Richelieu gelegen, war die Stadt Richelieu von einer Wand und einem Wassergraben umgeben und bildete einen allgemeinen Plan in Form eines Rechtecks. Die Planung der Straßen und der Stadtviertel der Stadt ist demselben strengen System von rechteckigen Koordinaten, ebenso wie das gesamte Ensemble, das in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts hindeutet. Neue städtische Planungsprinzipien und entscheidende Pausen mit der spontanen Planungsplanung einer mittelalterlichen Stadt mit Kurven und engen Schwalben, kleinen nahen Quadraten, überfüllten und chaotischen Gebäuden. Das Rickel Palace Building wurde in das Hauptgebäude und das Fluelwasser unterteilt, das einen großen geschlossenen rechteckigen Innenhof vor ihm mit einem vorderen Eingang bildete. Das Hauptgebäude mit Filageln durch Tradition, aufsteigend mit den mittelalterlichen und Renaissance-Schlössern, war von einem mit Wasser gefüllten Graben umgeben. Die Layout- und Massenzusammensetzung des Hauptgebäudes und der FREGENEL mit eindeutig dedizierten Winkeluntersuchungen waren in der Nähe des oben diskutierten Luxemburger Palastes.

Im Ensemble des Stadt- und Palastes, Richelieu, einige Teile, waren noch nicht ausreichend mit der Einheit, aber im Allgemeinen gelang es, dass Lemerus eine neue Art von komplexer und strikter räumlicher Zusammensetzung, eine unbekannte Architektur der italienischen Renaissance und des Barocks erstellt hatte.

Eine herausragende Arbeit der Architektur der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Es gab einen weiteren Bau des Lemerac-Pavillons der Uhr (begann 1624), der der zentrale Teil der westlichen Fassade des Louvre ist. Die Zusammensetzung dieser wundervollen Proportionen und der Zeichnung der Details der Fassade war auf seine organische Verbindung mit einem errichteten Lesko zurück im 16. Jahrhundert in der Louvre Fassade - einer der besten Proben der französischen Renaissance. Geschickt kombiniert die architekturische Architektur von streng und gleichzeitig plastisch gesättigte Fassaden des Pavillons mit einem reich verzierten Haftbefehl und skulpturalen Einsätzen der Fassade von Lesko, gibt Lemar dem Pavillon besondere Beeindruckendheit und Monumentalität. Er hat über den dritten Zertifikatboden errichtet. Ein hoher vierter Stock mit einem Barocksystem, aber klassisch für Details der Frontonen, die mit einem Paar von Kartuien getragen werden, und absolvierte das Volumen des Pavillons eines leistungsstarken Kupplungsdaches.

Zusammen mit Lemar war der größte Bogen der ersten Hälfte des Jahrhunderts Francois Mansar (1598-1666). Die herausragenden Arbeiten sollten dem Landpalast von Meson-LUFLIT (1642-1650) zurückzuführen sein, der von Nevtiba aus Paris errichtet wurde. Im Gegensatz zu dem traditionellen Schema früherer städtischer und ländlicher Paläste besteht kein geschlossener Innenhof, der von offiziellen Filztiers gebildet wird. Alle Bürogelände befinden sich im Erdgeschoss des Gebäudes. In Form des Buchstabens P, offen und leicht von allen vier Seiten sichtbar, ist der monumentale Gebäude des Palastes mit hohen pyramidenförmigen Dächern durch Verbundungssaft und ausdrucksvolles Silhouette gekennzeichnet. Das Gebäude ist umgeben von Wasser, das mit Wasser gefüllt ist, und deren Standort, da es auf der Insel in einem schönen Wasserrahmen, dem Palast mit einer natürlichen Umgebung war, betont seinen Primat in der Zusammensetzung des Ensembles.

Im Gegensatz zu früheren Palästen zeichnet sich der Innenraum des Gebäudes von großer Einheit aus und konzipiert als System von austauschbaren Räumen und Wohnzimmern mit Balkonen und Terrassen, die in den Park und den Garten und den Garten gehen. Im strikt befohlenen Innenbau manifestieren sich die Merkmale des Klassizismus bereits eindeutig. Wohn- und Bürogelände im ersten und dritten Etagen (und nicht in seitlichen Turmvolumen, beispielsweise im Luxemburger Palast), verletzen nicht die räumliche Einheit der Innenräume des Gebäudes, der Front und der Feierlichkeiten. Das System der Befreiung der von Manzar aufgetragenen Böden im ersten Stock und einfacher ionischer - in der zweiten ist ein Workshop, der versucht, zu einer stilistischen Einheit neuer klassischer und alter traditioneller architektonischer Formen zu führen.

Eine weitere große Arbeit von Francois Manzar - Die Kirche von Val de Gara (1645-1665) wurde nach seinem Tod auf seinem Projekt errichtet. Die Zusammensetzung des Plans basierte auf einem traditionellen Schema der Dome-Basilika mit einem breiten Zentralschiff, das sich mit einem zylindrischen Bogen überlappt, und eine Kuppel in der mittleren Industrie. Wie in vielen anderen französischen Kultanlagen, dem 17. Jahrhundert stammt die Fassade des Gebäudes zurück zum traditionellen Schema der Kirchenfassade des italienischen Barocks. Die Kirche wird mit einer hohen Trommeltrommel gekrönt, einer der höchsten Kuppeln von Paris.

So in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Der Prozess des alternden neuen Stils und die Bedingungen für die Blütezeit der französischen Architektur der zweiten Hälfte des Jahrhunderts sind vorbereitet.

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts, nach der Zeit der Bürgerkriege und dem bekannten Rückgang des kulturellen Lebens, in den bildenden Künsten, wie in der Architektur, war es möglich, den Kampf der Remnanten des Alten mit den Sprossen der Neue Beispiele für folgende schräge Traditionen und mutige künstlerische Innovationen.

Der interessanteste Künstler dieser Zeit arbeitete in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts, der Gravier- und Jacques-Callo-Schublade (ca. 1592-1635). Er wurde in Nancy geboren, in Lothringen, junge Männer gingen nach Italien, wo er zu Beginn in Rom lebte, und dann in Florenz, wo er 1622 bis zu seiner Heimat auf seiner Heimat war.

Ein sehr aufragender Meister, Callo erstellte mehr als tausend fünfhundert Gravuren, äußerst vielfältig in seinen Themen. Er musste mit dem französischen Königshof und den Herzogarten von Toskana und Lothringen zusammenarbeiten. Die Brillanz des Gerichtslebens dauerte jedoch nicht von ihm - einem dünnen und akuten Beobachter - die Vielfalt der umliegenden Realität, voller scharfer sozialer Kontraste, der grausame militärische Schocks entsteht.

CALLO - Künstler der Übergangszeit; Die Komplexität und Inkonsistenz seiner Zeit erklären die widersprüchlichen Funktionen seiner Kunst. CALLO-Überreste des Manierismus sind immer noch spürbar - sie beeinflussen den Weltbild des Künstlers und in ihren visuellen Empfängen. Gleichzeitig gibt Callos Kreativität ein lebendiges Beispiel für das Eindringen in die französische Kunst neuer, realistischer Trends.

Callo arbeitete an der Technik des Ätzens, die er verbesserte. Normalerweise verwendet der Meister, der beim Gravieren des wiederholten Ätzens verwendet wird, wodurch es die spezielle Definition der Linien und der Härte der Zeichnung erlaubte.

In den Werken von Calla Frühzeit sind die Fiktionselemente noch stark. Sie beeinflussen den Wunsch nach bizarren Grundstücken, übertrieben groteske Ausdrucksfähigkeit; Die Fähigkeit des Künstlers nimmt manchmal den Charakter selbst ausreichender Virtuosität ein. Diese Merkmale sind besonders hell in der Reihe von Gravuren von 1622. "Balli" ("Tänze") und "Gobby" ("Gorbny"), die unter dem Eindruck der italienischen Komödie von Masken erstellt wurden. Werke dieser Art, noch weitgehend oberflächlich, deuten auf eine etwas einseitige Suche des Künstlers der externen Ausdrucksfähigkeit hin. In anderen Serien werden jedoch Gravuren klarer von realistischen Trends ausgedrückt. Dies ist die gesamte Galerie der Typen, die der Künstler direkt auf den Straßen sehen könnte: Bürger, Bauern, Soldaten (Caprichecchi-Serie, 1617), Gypsy (Serie "Gipses", 1621), Vagrants und Bettler (Serie "Bettler", 1622) ). Diese kleinen Figuren, die mit außergewöhnlicher Schärfe und Beobachtung hergestellt wurden, besitzen außergewöhnliche Mobilität, akute Merkmale, Ausdrucksfähigkeit von Posen und Gesten. Mit der VirtuoSo-Artistry wurde Caldo von der eleganten Leichtigkeit von Cavallar (Caprichecchi-Serie) übermittelt, einem klaren Rhythmus des Tanzes in den Figuren italienischer Akteure und deren Unterhosen (Serie "Balli"), starker Primat der Provinz-Aristokratie (Lärring-Adel-Serie) ), senile Figuren in Lumpen (Serie "Bettler").

Am informativsten in der Arbeit von Callo seine Multifigur-Kompositionen. Themen sind sehr unterschiedlich: Dies ist das Image der Gerichtsfestivals ("Turnier in Nancy, 1626), Messen (" Fair in Impress ", 1620), militärische Triumphs, Schlachten (Panorama" Siege Bredi ", 1627), Jagd ( "Big Jagd", 1626), Szenen für mythologische und religiöse Parzellen ("Martyrium von St. Sebastian", 1632-1633). In diesen relativ kleinen Listen erzeugt der Meister ein breites Bild des Lebens. Callo-Gravuren sind Panorama; Der Künstler sieht an, was passiert, als ob aus der Ferne passiert, was es ermöglicht, die breiteste räumliche Abdeckung zu erreichen, um in das Bild riesige Massen von Menschen, zahlreiche varikraktive Episoden einzubeziehen. Trotz der Tatsache, dass die Formen (und noch mehr Details) in den Kompositionen von Callo oft sehr klein sind, werden sie vom Künstler nicht nur mit der bemerkenswerten Ziehfigur hergestellt, sondern auch vollständig Vitalität und Eigenschaften. Das Callo-Verfahren in sich negativer Seiten; Individuelle Merkmale von Akteuren, individuellen Details sind in der Gesamtmasse zahlreicher Veranstaltungsteilnehmer oft schwer fassbar, die Hauptsache geht unter der Sekundärseite verloren. Kein Wunder, dass sie normalerweise gesagt werden, dass Callo seine Szenen ansieht, als ob in ein invertierter Ferngläser: seine Wahrnehmung unterstreicht die Abgelegenheit des Künstlers von der dargestellten Veranstaltung. Diese spezifische Funktion von CALLO ist überhaupt keine formale Technik, es ist natürlich mit seinem ArtView verbunden. Callo arbeitete in der Ära der Krise, als die Ideale der Renaissance ihre Kraft verloren haben, und neue positive Ideale haben sich noch nicht selbst genehmigt. Der Mensch in Callo ist im Wesentlichen machtlos vor äußeren Kräften. Es ist nicht zufällig, dass das Thema einiger Kompositionen von Callo eine tragische Farbe erwerben. Wie zum Beispiel Gravur "Martyrium von St. Sebastian. " Das tragische Prinzip in dieser Arbeit wird nicht nur in seiner Geschichtenentscheidung abgeschlossen - der Künstler präsentierte zahlreiche Shooters, ruhig und klären, als Ziel auf dem Schießbereich, der Pfeile in der Sebastian-Post, aber auch in diesem Sinne von Einsamkeit und Impotenz herstellte Das, das von den bewölkten Pfeilen der winzigen, schwierigen, schwer zu Unterscheidung der Figur von Heiligen ausgedrückt wird, als in einem riesigen grenzenlosen Raum verloren geht.

Der größte akute erreicht Callo in den beiden Serien von "Kriegskatastrophen" (1632-1633). Mit gnadenlosen Wahrhaftigkeit zeigte die Wahrhaftigkeit einen Künstler des Leidens, der auf seinen einheimischen Lorraine fiel, der von königlichen Truppen erfasst wurde. Gravuren dieses Zyklus zeigen die Szenen von Hinrichtungen und Raubüberfällen, die Bestrafung von Marodeuren, Bränden, Opfer von Kriegs- und Straßenkrügen. Der Künstler erzählt ausführlich über schreckliche Ereignisse. In diesen Bildern gibt es keine Idealisierung und sentimentale Mitleid. Callo, als ob er seine persönliche Haltung gegenüber dem, was passierte, nicht ausdrückt, schien er unkluger Beobachter. Aber in der Tatsache einer objektiven Katastrophenentladung des Krieges wurde ein bestimmter Fokus und der progressive Sinn der Kunst dieses Künstlers abgeschlossen.

In der frühen Phase des französischen Absolutismus in der Gerichtskunst war die vorherrschende Bedeutung die Richtung eines barocken Charakters. Anfänglich, da es jedoch keine bedeutenden Meister in Frankreich gab, wandte sich der königliche Hof an berühmte ausländische Künstler. Im Jahr 1622, um monumentale Zusammensetzungen zu schaffen, dekoriert das neu gebaute Luxemburger Palast, Rubens wurde eingeladen.

Allmählich begannen sich zusammen mit Ausländern, französische Meister voranzutreiben. Am Ende der 1620er Jahre. Der Ehrentitel des "Ersten Künstlers des Königs" erhielt Simon VEU (1590-1649). Für lange Zeit lebte VWE in Italien und arbeitete an den Muffins der Kirchen und auf Gründen der Gäste. 1627 wurde er von Louis XIII nach Frankreich angerufen. Viele der von VEU erstellten Gemälde wurden vor unserer Zeit nicht erhalten und sind von Gravuren bekannt. Es gehört zum Pompuss, verwittert in den hellen bunten Tönen der Zusammensetzung religiöser, mythologischer und allegorischer Inhalte. Proben seiner Arbeit können "St." dienen Karl Borry "(Brüssel)," zum Tempel bringen "(Louvre)," Hercules unter den Göttern des Olympus "(Hermitage).

VEU erstellt und leitete den offiziellen, gerichteten Richtungs in der französischen Kunst. Zusammen mit seinen Anhängern litt er in französische monumentale dekorative Maltetechniken des italienischen und flämischen Barocks. Im Wesentlichen war die Arbeit dieser Meister nicht genug. Die Attraktivität von VEU in ihren späteren Klassizismus wurde ebenfalls nur auf rein externe Kreditaufnahme reduziert. Echte Monumentalität und Kraft, manchmal Priorität der Priorität, oberflächlich und auf den äußeren Effekt, die Kunst von VEU und seinen Anhängern war schlecht mit einer live nationalen Tradition verbunden.

Im Kampf gegen die offizielle Richtung in der Kunst von Frankreich wurde der neue realistische Strom - Peitres de la Realite ("Farben der realen Welt") gebildet. Die besten Meister dieses Ziels, die ihre Kunst in ein bestimmtes Bild der echten Realität in ihre Kunst drehten, schufen humaner, voller hoher Würde des Bildes der französischen Menschen.

Im frühen Zeitpunkt der Entwicklung dieses Gebiets haben viele der unbedeutenden Meister die Auswirkungen von Caravaggios Kunst erlebt. Für ein paar Caravaggio stellte es sich als Künstler heraus, um ihre Fächer und die visuellen Techniken selbst vorzulegen, und andere Meister gelang es, die wertvollen Aspekte der karavaggistischen Methode kreativ nutzen zu können.

Der erste von ihnen gehörte Valentien (eigentlich Jean de Boulon; 1594-1632). Im Jahr 1614 kam Valentien in Rom an, wo seine Aktivität floss. Wie andere Karavegers schrieb Valentien Bilder an religiösen Grundstücken, die sie im Genre-Geist behandeln (zum Beispiel "Peter-Verzicht"; das Museum für bildende Künste. A. S. Pushkin), aber seine großbrennenden Genre-Zusammensetzungen sind am berühmtesten. Die traditionellen Motive, die für den Caravageismus in ihnen in ihnen sind, sind dabei, Valentien neigt zu ihrer akuten Interpretation. Ein Beispiel dafür ist eines der besten Bilder - "Kartenspieler" (Dresden, Gallery), wo das Spektakel des Spektakels der Situation spektakulär ist. Der Naivität des unerfahrenen jungen Mannes, das Gelassenheit und das Selbstbewusstsein der Shulera, die mit ihm spielt, und vor allem das ominöse Erscheinungsbild eines Kompliments an seinen Partner, füttert auch Anzeichen hinter den jungen Männern, ist ebenfalls ausdrucksstark. Kontraste der Beleuchtung in diesem Fall werden nicht nur für die Kunststoffmodellierung verwendet, sondern auch, um den dramatischen Stress des Bildes zu verbessern.

Die herausragenden Meister ihrer Zeit gehören zu Georges de Latour (1593-1652). Er war in seiner Zeit berühmt, er wurde vollständig vergessen. Das Erscheinungsbild dieses Zauberers enthüllte erst kürzlich.

Bisher bleibt die kreative Entwicklung des Künstlers in vielerlei Hinsicht unklar. Nur wenige biographische Informationen, die über die Rätsel erhalten, extrem fragmentarisch. Lorraine in der Nähe von Nancy wurde in Lorraine geboren und zog dann nach Luneville, wo er seinen Rest verbrachte. Es gibt einen Vorschlag, den er in seiner Jugend Italien besuchte. Latur erlebte einen starken Einfluss der Kunst von Caravaggio, aber seine Arbeit ging weit über die Grenzen eines einfachen Nachfolgs an die Empfänglichkeit des Caravagismus über. In der Kunst der Luneville-Meister fanden die ursprünglichen Merkmale der aufkommenden nationalen französischen Malerei des 17. Jahrhunderts den Ausdruck.

Latt schrieb hauptsächlich Gemälde an religiösen Parzellen. Die Tatsache, dass er sein Leben in der Provinz verbrachte, erhielt seine Marke auf seine Kunst. In der Naivität seiner Bilder, im Schatten der religiösen Inspiration, die in einigen seiner Werke erwischt werden kann, in der unterstrichenen Statikheit seiner Bilder und in einer eigentümlichen Elementalität seiner künstlerischen Sprache auch ein gewisses Ausmaß an das Echo des mittelalterlichen Weltanschauung. Aber in den besten Werken erzeugt der Künstler die Bilder einer seltenen spirituellen Reinheit und großer poetischer Kraft.

Eine der lyrischen Werke von Latural - das Bild "Weihnachten" (Rennes, Museum). Es zeichnet sich durch Einfachheit, fast Ersatzkunst aus und gleichzeitig tiefe Wahrhaftigkeit, die von einer jungen Mutter dargestellt ist, mit einer nachdenklichen Zärtlichkeit eines Backkindes und einer älteren Frau, die sich sorgfältig mit einer brennenden Kerze kümmelte, in der Merkmale des Neugeborenen. Das Licht in dieser Zusammensetzung ist von großer Bedeutung. Die Dunkelheit der Nacht wird mit Kunststoff-Traktakungen deutlich, an die Grenze der verallgemeinerten Figuren der Figuren, das Gesicht des Bauerntyps und der berührenden Figur eines reifen Kindes; Unter der Wirkung von Licht, tief, reich, reich an dem starken Farbklang des Klangs der Kleidung. Seine glatte und entspannende Ausstrahlung schafft eine Atmosphäre der Feierlichkeit der Nachtstille, die nur durch die Messung des schlafenden Kindes gestört wird.

Eng in seiner Stimmung für "Weihnachten" und Louvra "Anbetung der Hirten". Das wahrheitsgemäße Erscheinungsbild der französischen Bauern, die Schönheit ihres einfachen Gefühls, der Künstler verkörpert mit Aufrichtigkeit.

Bilder von Latural an religiösen Themen werden oft im Genre-Geist interpretiert, aber gleichzeitig werden sie der Schatten der Trivialität und des Alltags beraubt. Diese sind bereits erwähnt "Weihnachten" und "Anbetung der Hirten", "Mutiger Magdalen" (Louvre) und echte Meisterwerke von latural - "St. Joseph-Carpenter "(Louvre) und" Angels Phänomen von St. Joseph "(Nantes, Museum), wo ein Engel ein schlankes Mädchen ist - betrifft die Hand von Josephs Kerze mit einer Geste gleichzeitig und sanft. Das Gefühl der spirituellen Reinheit und der ruhigen Kontemplation in diesen Werken hebt Bilder von einem Loyatur über den Alltag auf.

Zu den höchsten Errungenschaften der latalischen Beziehungen "St. Sebastian, trauert von St. Irina "(Berlin). In der Stille der tiefen Nächte leuchteten nur durch eine helle Flamme der Kerze über den von Arlasia Sebastian durchbohrten offenen Körper die traurigen Machen der Trauer seiner Frauen. Der Künstler gelang es, nicht nur das Gesamtgefühl zu übergeben, das alle Teilnehmer an der Aktion vereint, sondern auch die Farbnuancen dieses Gefühls in jedem der vier Placks - einem erschöpften Frost, traurigem Verwirrung, bitterer Schrei, tragische Verzweiflung. Aber der Latur ist in der Erstellung des Leidens sehr zurückgehalten - es erlaubt keine Übertreibung überall, und desto stärker ist der Auswirkungen seiner Bilder, in der es nicht so viel eine Person gibt, wie viel Bewegung, Gesten, die Silhouetten der Figuren selbst erworben haben eine riesige emotionale Ausdrucksfähigkeit. Neue Funktionen werden in Form von Sebastian verfolgt. In seiner hervorragenden erhöhten Höhe ist der heroische Beginn ausgebildet, der dieses Bild mit den Kreationen der Meister des Klassizismus betrifft.

In diesem Bild bewegte sich Latour von der inländischen Farbe der Bilder, von mehreren naiven Elementenalität, die ihren früheren Werken inhärent sind. Ehemalige Kammerabdeckung von Phänomenen, die Stimmung der fokussierten Intimität hat sich hier mehr Monumentalität verändert, ein Gefühl der tragischen Größe. Sogar ein Geliebter eines brennenden Kerzenmotivs wird in einem anderen, erbärmlicheren, erbärmlichen - ihr riesiger, der mit der Flamme angehört, an die Flamme der Fackel erinnert.

Extrem wichtiger Ort in der realistischen Malerei von Frankreich der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Es nimmt die Kunst von Louis Lenin ein. Louis Lenen, wie seine Brüder Antoine und Mathieu, arbeiteten hauptsächlich auf dem Gebiet des Bauerngenze. Das Bild des Lebens der Bauern verleiht den Werken von Lenen hellen demokratischen Farben. Ihre Kunst wurde schon lange vergeben, und nur aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Studieren und Sammeln ihrer Werke begannen.

Brüder Lenen - Antoine (1588-1648), Louis (1593-1648) und Mathieu (1607-1677) waren Einheimische von Lana in Picardia. Sie kamen aus einer kleinen bürgerlichen Familie. Jugendliche in seiner Heimat Picardia gab ihnen die ersten und lebhaftesten Eindrücke des ländlichen Lebens. Nachdem Lenos nach Paris gezogen, blieb Lenos dem Geräusch und Glitzer der Hauptstadt fremd. Sie hatten einen gemeinsamen Werkstatt, der von der ältesten von ihnen - Antoine ging. Er war der direkte Lehrer seiner jüngeren Brüder. Im Jahre 1648 wurden Antoine und Louis Lenen in der neu erstellten Royal Academy of Malerei und Skulptur angenommen.

Antoine Lenin war ein gewissenhafter, aber nicht sehr begabt vom Künstler. In seiner Arbeit, in der Portraitarbeiten herrschten, viele weitere archaische; Die Zusammensetzung ist Fraktion und eingefroren, die Eigenschaften zeichnen sich nicht durch den Verteiler ("Family Portrait", 1642; Louvre) aus. Die Kunst von Antoine markierte den Beginn der kreativen Suche nach seinen jüngeren Brüdern und vor allem der größten von ihnen - Louis Lenin.

Die frühen Werke von Louis Lenin sind in der Nähe von seinem älteren Bruder. Es ist möglich, dass Louis zusammen mit Mathieu nach Italien reiste. Die Karavadzhist-Tradition bot einen bekannten Auswirkungen auf die Bildung seiner Kunst. Seit 1640 manifestiert Louis Lenen sich als völlig unabhängiger und ursprünglicher Künstler.

Georges de Lutur, Menschen aus den Menschen, wurden in arbeitet an arbeitet an religiösen Parzellen abgebildet. Louis Lenen drehte sich direkt in seine Arbeit auf das Leben der französischen Bauernschaft. Die Innovation von Louis Lenin ist eine grundlegend neue Interpretation des Lebens der Menschen. Es ist in den Bauern, dass der Künstler die besten Parteien an den Menschen sieht. Er gehört zu seinen Helden mit einem Sinne von tiefer Respekt; Das Gefühl von Rigor, Einfachheit und Wahrhaftigkeit ist mit seinen Szenen des Bauernlebens gefüllt, wo die grundstillenden, kompletten Vorteile bescheidene, gemütliche Menschen sind.

In seinen Leinwänden dauert er die Zusammensetzung in der Ebene wie eine Erleichterung, wodurch Zahlen in bestimmten räumlichen Grenzen platziert werden. Die Figuren werden von einer klaren, generalisierten Schleifenlinie offenbart, wobei die Figuren der durchdachten Zusammensetzung der Zusammensetzung untergeordnet sind. Schöner Colorist, Louis Lenen untergeben die zurückhaltende Blumenkamin mit einem silbernen Ton und erreicht die Weichheit und Raffinesse von bunten Übergängen und Verhältnissen.

Die meisten reifen und perfekten Werke von Louis Lenin wurden in den 1640er Jahren erstellt.

Scuse-Frühstück einer armen Bauernfamilie im Gemälde "Bauerntrupp" (Louvre), aber was für ein Selbstwertgefühl, aber mit diesen Arbeitern, die sich auf die Melodie konzentrieren, die der Junge auf der Geige spielt. Immer zurückhaltend, wenig miteinander verbunden, die Helden von Lenen werden jedoch als Mitglieder des Teams wahrgenommen, vereint durch die Einheit der Stimmung, der Allgemeinheit der Wahrnehmung des Lebens. Ein poetisches Gefühl, das seine Malerei "Gebet vor dem Mittagessen abzielt (London, National Gallery); Streng und einfach, ohne jeden Schatten der Sentimentalität, ist eine Szene einen Besuch der alten Bauernfrau mit Enkelkindern in der Hermitage-Leinwand "Visit Babushka" dargestellt; Feierlich voller ruhiger Fröhlichkeit, klassisch klarer "Reiter-Halt" (London, Victoria und Albert Museum).

In den 1640er Jahren. Louis Lenen schafft auch eines seiner besten Werke "Familia" (Hermitage). Früher, heftig nebliger Morgen; Die Bauernfamilie geht auf den Markt. Mit einem warmen Sinne zeigt der Künstler dieser gewöhnlichen Menschen, ihre offenen Personen: ein müder Bauer, ein Tolstip, ein umsichtiger Arbeiter und schmerzhaftes, zerbrechliches, kein ernstes Mädchen. Plata fertige Figuren ragen auf einem leichten Lufthintergrund eindeutig hervor. Wunderbare Landschaft: Ein breites Tal, eine ferne Stadt am Horizont, luftbetrieben mit einem silbernen Kaminblau im Auslandshimmel. Mit großer Fähigkeit überträgt der Künstler die Wesentlichkeit der Objekte, ihre strukturierten Merkmale, stumpfe Ausstrahlung des Kupferbidons, der Härte felsiger Böden, Unhöflichkeit der einfachen Haushaltskleidung von Bauern, Shaggy Wolle Esel. Die Technik des Abstrichs ist sehr vielfältig: ein glatter, fast ein Email-Brief verbindet sich mit einem freien strawigen Gemälde.

Die Louis "Forge" kann als höchste Errungenschaft von Louis Lenin bezeichnet werden. Normalerweise zielte Louis Lenen Bauern während der Mahlzeiten, Erholung, Unterhaltung; Hier ist das Objekt seines Bildes zu einer Arbeitsszene geworden. Es ist großartig, dass es in der Arbeit war, dass der Künstler die wahre Schönheit des Menschen sah. Wir finden nicht in der Arbeit von LOUIS LENINs Bildern, die auf die Kraft und Stolz wie die Helden seiner "Schmiede" erweitert würden - ein einfacher Schmied, der von einer Familie umgeben würde. In der Komposition mehr Freiheit, Bewegung, Schärfe; Früher reibungslos, mehrbelebte Beleuchtung, die durch Beleuchtungsrücklagen geändert wurde, verstärkte emotionale Ausdrucksfähigkeit von Bildern; In der Abstrich selbst mehr Energie. Der Ausgang außerhalb der traditionellen Grundstücke, appelliert an das neue Thema, das in diesem Fall bei der Erstellung eines der frühen beeindruckenden Arbeitskräfte in europäischen bildenden Künsten beigetragen hat.

In dem bäuerlichen Genre Louis Lenin, das mit besonderem Adel erfüllt und klar ist, als ob die gereinigte Wahrnehmung des Lebens in der direkten Form scharfer sozialer Widersprüche dieser Zeit nicht widerspiegelt. Seine psychologischen Bilder sind manchmal zu neutral: das Gefühl der ruhigen Gelassenheit, da es alle Vielfalt der Erfahrungen seiner Helden aufnimmt. Trotzdem in der Ära der Volksausbeutung der Volksmassen, die das Leben der französischen Bauernschaft fast auf den Lebensstandard von Tieren brachte, unter den Bedingungen eines mächtigen Volkes Protest, der Kunst von Louis Leniene, der den Menschen argumentierte Würde, die moralische Reinheit und moralische Macht der Franzosen, hatte einen großen progressiven Wert.

Während der Periode der weiteren Stärkung des Absolutismus hatte das realistische Bauerngenre nicht günstige Aussichten für ihre Entwicklung. Dies wird durch ein Beispiel der kreativen Entwicklung des jüngeren Lenen-Mathieu bestätigt. Als vierzehn Jahre jünger als Louis, gehörte er im Wesentlichen einer anderen Generation. In seiner Kunst hat Mathieu Lenen den Geschmack der edlen Gesellschaft. Er begann seinen kreativen Weg als Nachfolger Louis Lenin ("Bauern in Zabachka"; Ermitage). In der Zukunft hat sich die Themen und die ganze Natur seiner Kreativität dramatisch dramatisch - Mathieu schreibt Porträts von Aristokraten und eleganten Genreszenen aus dem Leben einer "guten Gesellschaft".

In Richtung der "Maler der realen Welt" gehörte zu einer großen Anzahl von Provinzkünstler, die solche Handwerker deutlich als Georges de Latur und Louis Lenen erheblich unterlegen hatten, lebhafte und wahrheitsgemäße Werke zu schaffen. Таковы, например, Робер Турнье (1604 - 1670), автор строгой и выразительной картины «Снятие со креста» (Тулуза, Музей), Ришар Тассель (1580-1660), написавший острый по характеристике портрет монахини Катрин де Монтолон (Дижон, Музей) , und andere.

In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts Realistische Trends entwickeln sich auch auf dem Gebiet des französischen Porträts. Das größte Porträt dieser Zeit war Philip de Champion (1602 - 1674). Flemandes im Ursprungs, er verbrachte sein ganzes Leben in Frankreich. Shampeny nutzte in der Nähe des Hofes die Schirmherrschaft von König und Richelieu.

Shampen begann seine Karriere als Meister der dekorativen Malerei, er schrieb auch Gemälde an religiösen Parzellen. Der am weitesten verbreitete Abschluss von Shampena enthüllte jedoch in der Porträtfläche. Er war eine Art Historiogramm seiner Zeit. Er besitzt Porträts von Mitgliedern des Königshaus, Staatsmännern, Wissenschaftlern, Schriftstellern, Vertretern der französischen Kleriker.

Zu den Werken von Champions sind das berühmteste Porträt von Kardinal Richelieu (1636, Louvre). Kardinal ist in vollem Wachstum dargestellt; Es erscheint langsam vor dem Betrachter. Seine Figur im Kardinalmantel mit breitem gefallenem Falten verbreitet klare und klare Kontur gegen den Hintergrund des Bechers. Der gesättigte Ton des rosafarbenen Mantels und der goldene Hintergrund sind mit einem dünnen, blassen Gesicht von Kardinal, seinen beweglichen Händen, beschattet. Mit all seinem Paradacy ist das Porträt jedoch von externem Infrarot beraubt und ist nicht mit Zubehör überlastet. Seine echte Monumentalität ist im Sinne der inneren Kraft und der Zusammenarbeit in der Einfachheit der Kunstentscheidung. Natürlich unterscheiden sich Porträts von Champions, die von einer repräsentativen Natur beraubt sind, noch mehr Schweregrad und lebenswichtige Überzeugungskraft. Zu den besten Werken des Meisters gehört zum Porträt von Arno d "Andilia (1650).

Und die Künstler des Klassizismus und der "Maler der realen Welt" waren in der Nähe der fortgeschrittenen Ideen der Ära - eine hohe Idee der Würde einer Person, dem Wunsch nach ethischer Bewertung seiner Handlungen und klar, gereinigt aus dem ganze zufällige Wahrnehmung der Welt. Dadurch können beide Richtungen in der Malerei trotz der Unterschiede, die zwischen ihnen hatten, eng miteinander in Kontakt.

Klassizismus erwirbt in der französischen Malerei aus dem zweiten Quartal des 17. Jahrhunderts eine führende Bedeutung. Die Arbeit seines größten Vertreters von Nicola Poussin ist die Spitze der französischen Kunst 17 Jahrhunderte.

Poussin wurde 1594 in der Nähe der Stadt Andeli in der Normandie in der Familie eines armen Militärs geboren. Auf den jugendlichen Jahren von Poussin und seiner frühen Arbeit ist sehr wenig bekannt. Vielleicht hat sich sein erster Lehrer, der in diesen Jahren den Aneli Kantnen Waren in den Jahren besuchte, das Treffen mit dem entscheidend, um die künstlerische Berufung des jungen Mannes zu ermitteln. Nach Waren verlässt Poussin heimlich seine einheimische Stadt und geht nach Paris. Diese Reise bringt jedoch nicht viel Glück. Erst ein Jahr später fällt er sofort in die Hauptstadt und verbringt mehrere Jahre dort. Bereits in den jugendlichen Jahren enthüllt Poussin große Zwecke und unermüdlicher Durst nach Wissen. Er studiert Mathematik, Anatomie, antike Literatur, die auf Gravierungen mit Werken von Rafael und Julio Roman vertraut ist.

In Paris trifft Poussin mit dem modischen italienischen Dichter Kavaler Marino und zeigt sein Gedicht "Adonis". Diese Illustrationen, die auf unsere Zeit erhalten bleiben, sind die einzig zuverlässigen Werke des Pussens seiner frühen Pariser Zeit. Im Jahr 1624 verlässt der Künstler nach Italien und setzt sich in Rom ein. Obwohl Poussin dazu bestimmt war, fast sein ganzes Leben in Italien zu leben, liebte er seine Heimat herzlich und war eng mit den Traditionen der französischen Kultur verbunden. Er war Alien zum Karrierismus und neigt nicht dazu, einen einfachen Erfolg zu finden. Sein Leben in Rom widmete sich anhaltende und systematische Arbeiten. Poussin skizzierte und gemessene antike Statuen, setzte sein Studium mit Wissenschaft, Literatur fort, studierte die Abhandlungen von Alberti, Leonardo da Vinci und Durera. Er illustrierte eine der Listen des Vertrags Leonardo; Derzeit ist dieses wertvolles Manuskript in der Einsiedelei.

Kreative Suche nach Poussin in den 1620er Jahren. Waren sehr komplex. Der Meister ging lang, indem er seine künstlerische Methode schaffte. Antike Kunst und Künstler der Renaissance waren für ihn mit den höchsten Proben. Unter den modernen Bologna-Meistern schätzte er den strengsten von ihnen - Domenicino. Die Behandlung negativ zu Caravaggio, Poussin ist seiner Kunst noch nicht gleichgültig.

In den 1620er Jahren. Pusssen, die bereits den Klassizeimpfad verbessert, sah oft jenseits seines Rahmens hinaus. Solche Bilder wie das "Schlagen von Babys" (Shantilia), "Martyrium von St. Erasmus "(1628, Vatikan Pinakotek) ist durch die Merkmale der Nähe zu Caravagizismus und Barock, eine bekannte Verringerung der Bilder, gekennzeichnet, übertrieben eine dramatische Interpretation der Situation. Ungewöhnlich für Pussen in seinem verschlimmernden Ausdruck bei der Übertragung eines Sinns von herzzerreißendem Trauer, ein hermitatives "Entfernen aus dem Kreuz" (ca. 1630). Das Drama der Situation hier wird durch eine emotionale Interpretation der Landschaft gestärkt: Die Aktion wird vor dem Hintergrund des Gewitterhimmels mit den Reflexionen der roten ominösen Morgengrauen eingesetzt. Ein anderer Ansatz kennzeichnet seine Arbeit im Sinne des Klassizismus.

Der Kult des Geistes ist einer der Hauptqualitäten des Klassizismus, und daher weder einer der großen Meister des 17. Jahrhunderts. Der rationale Start spielt nicht eine solche wichtige Rolle als Poussin. Der Meister selbst sagte, dass die Wahrnehmung des Kunstwerks eine konzentrierte Denk- und Zeitarbeit erfordert. Der Rationalismus betrifft nicht nur in der gezielten Folge auf das ethische und künstlerische Ideal, sondern auch in der von ihm erstellten Kunst. Er baute die Theorie der sogenannten Modi, die versuchte, in seiner Arbeit zu folgen. Der Mode des Pushen bedeutete eine Art figuratives Schlüssel, die Summe der Techniken für die emotionalen Eigenschaften und der zusammensetzungs-szenischen Lösung, die am meisten dem Expression eines bestimmten Themas entsprach. Diese Modi von Poussin gaben Namen von den griechischen Gegenständen verschiedener Länder eines musikalischen Gebäudes. Zum Beispiel wird das Thema des Moralfeates von dem Künstler in strengen harten Formen verkörpert, der von Pusssen im Konzept von Doriy Lada, den Themen einer dramatischen Natur - in Form von "Frigian Lada", den Themen freudig und idyllisch, verkörpert ist - In den Formen von "ionischen" und "Lidius" Ladinen. Die Stärke der Pusse-Werke wird durch diese künstlerischen Techniken eine deutlich ausgeprägte Idee, eine klare Logik, ein hoher Abschluss des Plans erreicht. Gleichzeitig war die Unterordnung der Technik jedoch mit bestimmten stabilen Standards, die Einführung rationaler Momente war auch eine größere Gefahr, da er zur Vorherrschaft eines unerschütterlichen Dogmas, einem tödlichen kreativen Prozess führen könnte. Es war dazu, dass alle Akademiker, die nur die externen Pushen-Techniken folgten, kamen. Anschließend stand diese Gefahr vor dem Pussen selbst.

Einer der charakteristischen Proben des ideologischen und künstlerischen Klassizismus kann als Pushenovsky-Komposition "Tod von Deutschland" (1626/27; Minneapolis, Institute of Arts) dienen. Hier gibt es bereits die Auswahl des Helden - einen mutigen und edlen Commander, der Trupp der besten Hoffnungen der Römer, die in Ordnung des misstrauischen und neidischen Kaisers Tiberius vergiftet wurde. Das Bild zeigt Deutschland auf seinem Sterbebettalpin, umgeben von seiner Familie und seiner Anhängerin, um ihn von dem allgemeinen Gefühl der Aufregung und des Trauer umarmt.

Sehr fruchtbar für die Kreativität von Poussin war die Leidenschaft für die Kunst des Tizian in der zweiten Hälfte der 1620er Jahre. Die Appell an die tizianische Tradition erleichterte die Offenlegung der lebhaftesten Parteien des Pusens Talent. Die Rolle war die Rolle des Titian-Colorismus und bei der Entwicklung des Malens, um Pussen zu geben.

In seinem Moskauer Film "Rinaldo und Armida" (1625-1627), dessen Grafik aus dem Gedicht des Tasso "von Jerusalem" entnommen wird, wird die Episode aus der Legende der mittelalterlichen Ritterlichkeit wie ein Motiv der antiken Mythologie behandelt . Der Zauberer des Armids, der den schlafenden Ritter-Crusader Rinaldo findet, nimmt ihn in seine magischen Gärten und die Pferde des Armides, die ihren Wärme auf die Wolken bringen und kaum von schönen Mädchen zurückgehalten haben, sehen aus wie die Pferde des Gottes der Sonne von Helios (dieses Motiv wird oft häufig in den Malereien der Pushen gefunden). Die moralische Höhe einer Person wird von der Korrespondenz seiner Gefühle und Handlungen angemessener Naturgesetze für Pushen bestimmt. Daher ist das Ideal von Poussin ein Mann, der mit der Natur ein einzelnes glückliches Leben lebt. Dieses Thema, der der Künstler, widmete sich solche Stege 1620-1630, als "Apollo and Daphne" (München, Pinakotek), "Vakhanlia" in Louvre und der Londoner Nationalgalerie, "The Rialdom of Flora" (Dresden, Galerie). Er belebt die Welt der alten Mythen, wo die Dunkelheit satires, schlanke Nymphen und fröhliche Amrants in der Einheit mit schönen und freudigen Natur dargestellt sind. Anschließend erscheinen anschließend in der Arbeit von Poussin, solche ruhigen Szenen, so entzückende Frauenbilder erscheinen.

Die Konstruktion von Gemälden, in denen plastisch greifbare Figuren im Gesamtrhythmus der Zusammensetzung enthalten sind, hat Klarheit und Vollständigkeit. Es ist immer klar, dass die Bewegung der Figuren, dies gemäß Poussin, "Körpersprache" immer anders ist. Farbbereich, oft gesättigt und reich, auch dem nachdenklichen rhythmischen Verhältnis von bunten Flecken untergeordnet.

In den 1620er Jahren. Erstellt eines der gefangenen Bilder von Poussin - Dresden "Sleeping Venus". Das Motiv dieses Gemäldes ist das Image der Göttin, das in den in der wunderschönen Landschaft umgebenen Schlaf eingetaucht ist, zurück zu den Proben der venezianischen Renaissance. In diesem Fall nahm der Künstler jedoch die Idealität der Bilder von den Bildern der Wiederbelebung aus, und die andere ihrer wesentlichen Qualität ist eine große Vitalität. Die Lackierung selbst ist die Art der Göttin, das junge Mädchen mit einem gesicht gemachten Gesicht, mit einer schlanken eleganten Figur, voller Natürlichkeit und einer besonderen Intimität des Gefühls, dass dieses Bild aus dem Leben gerissen scheint. Im Gegensatz zu der ruhigen Rest der schlafenden Göttin spürte noch mehr die Donnerspannung eines heißen Tages. In der Dresdner-Leinwand ist heller als überall, der Anschluss von Poussin mit dem Colorismus von Tizian ist greifbar. Im Vergleich zum gemeinsamen bräunlichen, gesättigten dunklen Goldmuster sind die Farbtöne des nackten Körpers der Göttin besonders schön unterschieden.

Die Hermitage-Wasserstraße "Tancred and Hermine" (1630s) war dem dramatischen Thema der Liebe von Amazon Herminia zum Knight-Crusader Tancredu gewidmet. Das Grundstück wird auch aus dem Gedicht von Tasso genommen. Im verlassenen Gelände, auf dem felsigen Boden, verwundet in einem tancred-Duell. Mit einer karierenden Zärtlichkeit unterstützt es den treuen Freund von Waffrin. Hermine, der gerade vom Pferd bewegt hatte, stürzt auf die geliebten und schnellen Quetschen von Swords seines blonden Haares, um seine Wunden festzuziehen. Ihr Gesicht, ein Blick, der an Tancred angeklebt ist, sind die schnellen Bewegungen einer schlanken Figur durch ein großes inneres Gefühl spirituell. Die spirituelle Erhebung des Bildes der Heldin wird durch die Farbentscheidung ihrer Kleidung betont, in der die Kontraste von Graustahl- und tiefen blauen Tönen mit erhöhter Kraft klingen, und die allgemeine dramatische Stimmung des Bildes findet ein eigenes Echo in der Landschaft gefüllt mit dem flammenden Glanz der Abenddämmerung. Die Rüstung von Tancred und das Schwert von Herminium spiegeln den ganzen Reichtum an Farben in ihrer Sweeps wider.

In der Zukunft ist der emotionale Moment in der Arbeit von Poussin ein stärker mit dem organisierenden Grundsatz des Grunds verbunden. In den Werken der Mitte der 1630er Jahre. Der Künstler erreicht ein harmonisches Gleichgewicht zwischen Geist und Gefühl. Die führende Bedeutung ist das Bild einer heroischen, perfekten Person als Verkörperung moralischer Majestät und geistiger Macht.

Ein Beispiel für eine tiefe philosophische Offenbarung des Themas in den Werken von Poussin gibt zwei Möglichkeiten für die Zusammensetzung "Arcade-Hirten" (zwischen 1632 und 1635, Cezoort, dem Treffen des Herzogs von Devonshire, Seeillo. Und 1650, Louvre). Der Mythos von Arcadia, ein Land des ruhigen Glücks, oft in der Kunst verkörpert. Aber Pussen in diesem idyllischen Grundstück äußerten eine tiefe Vorstellung von der Lebensfrequenz und der Unvermeidlichkeit des Todes. Er stellte die Hirten vor, die das Grab plötzlich mit der Inschrift sahen "und ich war in Arkadia ...". Im Moment, als eine Person mit einem Gefühl des wolkenlosen Glücks gefüllt ist, scheint er die Stimme des Todes zu hören - eine Erinnerung an die Kurzzeit des Lebens, über das unvermeidliche Ende. In der ersten, emotionaleren und dramatischen Londoner Version ist die Verwirrung von Hirten stärker, was als ob sie sich plötzlich angesichts des Todes auftauchte, der in ihre helle Welt einmarschierte. In der zweiten, einer viel später späteren Louis-Version der Helden sind nicht einmal überschattet, sie behalten ruhig und wahrgenommen den Tod als natürliches Muster. Dieser Gedanke mit einer besonderen Tiefe ist im Bild einer ausgezeichneten jungen Frau verkörpert, deren Erscheinungsbild der Künstler die Merkmale der stoischen Weisheit gab.

Das Louvra-Bild "Die Inspiration des Dichters" ist ein Beispiel dafür, wie die abstrakte Idee von Pusssen in der Tiefe verkörpert ist, die eine große Kraft der Exposition gegenüber Bildern aufweist. Im Wesentlichen scheint das Grundstück dieser Arbeit an alle Tätigkeiten zu grenzen: Wir sehen den jungen Dichter, der mit einem Kranz in Gegenwart von Apollo und Muse, jedoch am wenigsten in diesem Bild von allergorischer Trockenheit, belegt und ergreift. Die Idee des Bildes ist die Geburt eines ausgezeichneten Kunst, seine Feier wird nicht als abstrakt wahrgenommen, sondern als eine spezifische, figurative Idee. Im Gegensatz zu üblich im 17. Jahrhundert. Allegorische Kompositionen, deren Bilder extern rhetorisch kombiniert werden, für das Louvre-Bild, der innere Assoziation von Bildern ist durch den allgemeinen Gebäude von Gefühlen, der Idee der erhöhten Schönheit der Kreativität gekennzeichnet. Das Bild einer ausgezeichneten Muse im Pussy-Bild lässt Sie an die poetischsten weiblichen Bilder in der Kunst des klassischen Griechenlands erinnern.

Zusammengesetztes Bau eines Gemäldes in seiner Art von Beispiel für Klassizismus. Es ist durch eine große Einfachheit gekennzeichnet: Die Figur des Apollo wird auf beiden Seiten in der Mitte platziert, die Figuren der Muse und der Dichter sind symmetrisch angeordnet. In dieser Entscheidung gibt es jedoch keine geringste Trockenheit und Künstlichkeit; Kleinere subtil gefundene Verschiebungen, Wendungen, Bewegungen von Figuren, ein Baum, der an der Seite fliegt, fliegende Amur - all diese Techniken, die nicht die Zusammensetzung der Klarheit und das Gleichgewicht berauben, das Leben des Lebens einbringt, der von dieser Arbeit auszeichnete Die bedingt schematischen Kreationen der Akademiker, die die Muschi gepatcht haben.

Dabei, ein künstlerischer und zusammengesetzter Plan für die malerische Arbeit von Poussin zu werden, hatten seine wunderbaren Zeichnungen große Bedeutung. Diese Sepese-Skizzen, die mit außergewöhnlichem Breitengrad und Mut, basierend auf dem Vergleich von Licht- und Schattenflecken hergestellt wurden, spielen eine vorbereitende Rolle bei der Umdrehung der Idee der Arbeit in eine fertige bildhafte Ganzzahl. Alive und dynamisch, sie reflektieren, wie es war, den ganzen Reichtum der kreativen Fantasie des Künstlers in seiner Suche nach einem zusammengesetzten Rhythmus und einen emotionalen Schlüssel, der der ideologischen Absicht entspricht, widerspiegelt.

In den folgenden Jahren ist die harmonische Einheit der besten Werke der 1630er Jahre. allmählich verliert. In Maltemense wachsen die Merkmale der Abstraktheit und Rationalität. Die Braukrise der Kreativität ist während seiner Reise nach Frankreich scharf intensiviert.

Ruhm Pusssen erreicht den französischen Hof. Nach einer Einladung zur Rückkehr nach Frankreich zieht Poussa in jeder Hinsicht die Fahrt. Nur ein kaltimperativer persönlicher Brief von König Louis XIII macht ihn gehorchen. Im Herbst 1640 verlässt Poussin für Paris. Eine Reise nach Frankreich bringt dem Künstler viel bittere Enttäuschung. Seine Kunst erfüllt den heftigen Widerstand gegen diejenigen, die mit den Gerichtsvertretern der dekorativen Barock-Richtung, die von Simon Veu geführt haben, zusammengearbeitet haben. Das Netzwerk von schmutzigen Intrigen und Denunziationen von "Diese Tiere" (so genannt ihren Künstler in seinen Briefen) endet Pusssen, der makellosen Ruf einer Person. Die gesamte Atmosphäre des Gerichtslebens inspiriert ihm einen rauerförmigen Abscheu. Der Künstler, nach ihm, es ist notwendig, aus der Schleife auszubrechen, die er an den Hals an den Hals steckte, so dass wiederum in der Stille seiner Werkstatt in echter Kunst, denn ", wenn ich dabei bleibe Land, er schreibt, - ich muss sich in Pachkun verwandeln, wie ein anderer hier ist hier. " Das königliche Gericht zieht keinen großen Künstler an. Im Herbst 1642 lässt Pusssen unter dem Vorwand seiner Frau seiner Frau zurück nach Italien, diesmal für immer.

Kreativität Poussin in den 1640er Jahren. Bemerkt durch die Merkmale der tiefen Krise. Diese Krise wird von den angegebenen Tatsachen der Biografie des Künstlers nicht so viel nicht so erklärt, wie er zunächst den inneren Widersprüchen des Klassizismus selbst erfolgt. Die Live-Realität dieser Zeit entsprach jedoch nicht den Idealen der Rationalität und der Bürgervirtue. Ein positives ethisches Klassizismus-Programm hat den Boden verliert.

Poussin, das in Paris arbeitet, konnte ihn nicht vollständig von den auf ihn eingestellten Aufgaben abweisen. Die Werke der Pariser Zeit sind kalt, offiziell in der Natur, sie sind erheblich zur Erreichung des externen Effekts der barocken Kunstfunktion ausgedrückt ("Time spart die Wahrheit von Neid und Zwietracht", 1642, Lille, Museum; "Wunder von St. Francis Xaveria ", 1642, Louvre). Es war diese Art von Arbeit, die anschließend als Beispiele der Künstler des akademischen Lageres wahrgenommen wurde, die von Charlin Lebed geleitet wurde.

Aber auch in diesen Werken, in denen der Herr streng an der klassischen künstlerischen Lehre eingehalten wurde, erreichte er nicht mehr dieselbe Tiefe und Vitalität von Bildern. Der Rationalismus charakteristisch für dieses System, die Verordnung, die Vorherrschaft einer abstrakten Idee im Hinblick auf einen Sinne, der Wunsch nach Idealität wird durch seinen einseitigen übertriebenen Ausdruck erhalten. Ein Beispiel ist die "Großzügigkeit des SCYPION" des Museums für Fine Arts. A. S. Pushkin (1643). Darstellung des römischen Kommandanten von SCYPION von Afrikaner, der seine Rechte an der Captive Carthaginian Princess aufgegeben und in den Bräutigam zurückkehrte, verherrlicht der Künstler die Tugend der weisen Kommandeure. In diesem Fall erhielt jedoch das Thema der Versuchung der moralischen Schulden eine kalte, rhetorische Ausführungsform, die Bilder verloren die Vitalität und Spiritualität, Gesten sind bedingt, die Tiefe des Denkens wurde durch Widerspruch ersetzt. Die Figuren scheinen gefroren zu sein, Farbmotley, mit einer Dominanz von kalten lokalen Farben, eine malerische Art und Weise zeichnet sich durch unangenehme Malikierung aus. Ähnliche Merkmale sind durch 1644-1648 erstellt. Bilder aus dem zweiten Zyklus von "Seven Sakramenten".

Die Krise der klassischen Methode betraf in erster Linie auf Pusssen-Plotkompositionen. Von den späten 1640er Jahren. Die höchsten Errungenschaften des Künstlers äußern sich in anderen Genres - im Porträt und in der Landschaft.

Bis 1650 ist ein der bedeutendsten Werke von Poussin sein berühmtes ludwidrisches Selbstporträt. Der Künstler für Poussin ist in erster Linie ein Denker. Wenn in der Zeit die Eigenschaften der äußeren Repräsentativität im Porträt betont wurden, als die Bedeutung des Bildes durch die soziale Entfernung bestimmt wurde, indem die soziale Entfernung das Modell aus gewöhnlichen Sterblichen unterträgt, sieht Pussen den Wert einer Person in der Stärke seines Intellekts in Schöpferkraft. In einem Selbstporträt behält der Künstler die strikte Klarheit des Kompositionsbaues und der Klarheit der linearen und volumetrischen Lösung. Die Tiefe des ideologischen Inhalts und der wundervolle Fertigstellung des "Selbstporträts" von Poussin übertrifft erheblich die Werke französischer Portraits und gehört zum besten Porträt der europäischen Kunst des 17. Jahrhunderts.

Die Leidenschaft für die Landschaft ist mit einer Änderung verbunden. Sein Weltbild. Es besteht kein Zweifel, dass Pussen die gesamte Idee einer Person verloren hat, die für ihre Werke von 1620-1630s charakteristisch war. Versuche, diese Präsentation in den Zeichnungszusammensetzungen der 1640er Jahre zu verkörpern. zum Versagen geführt. Das figurative Pussensystem aus den späten 1640er Jahren. Es ist bereits auf anderen Prinzipien gebaut. In den Werken dieser Zeit ist die Aufmerksamkeit des Künstlers das Bild der Natur. Für Pousna ist die Natur die Personifikation der höchsten Harmonie des Seins. Eine Person hat seine beherrschende Position verloren. Es wird nur als eine von vielen Art der Natur wahrgenommen, deren Gesetze er gezwungen ist, zu gehorchen.

Der Künstler mit seiner inhärenten Theasthaftigkeit studierte um Rom um Rom, studierte die Landschaften römischer Kampagnen. Seine unmittelbaren Eindrücke wurden in wunderschönen Landschaftszeichnungen aus der Natur übertragen, die durch die außergewöhnliche Frische der Wahrnehmung und der subtilen Lyrismus zeichnen.

Malerische Landschaften von Poussin haben kein Gefühl der Direktheit, die in ihren Zeichnungen inhärent sind. In seinen malerischen Werken ist das perfekte, verallgemeinernde Prinzip stärker, und die Natur in ihnen erscheint als Träger perfekter Schönheit und Größe. Geräuschender ideologischer und emotionaler Inhalt, Landschaften von Poussin gehören zu den höchsten Errungenschaften, die im 17. Jahrhundert üblich sind. Die sogenannte heroikanische Landschaft.

Pusmenische Landschaften sind mit dem Gefühl der Erhabenheit und der Größe der Welt durchdrungen. Riesige sperrige Felsen, üppige Höcker, kristalltransparente Seen, kühlende Federn, Strom unter den Steinen und schattigen Büschen, sind in einer plastisch klaren, ganzheitlichen Zusammensetzung, basierend auf abwechselnden räumlichen Plänen, deren, der sich parallel zur Leinwandsee befindet, verbunden. Die Ansicht des Betrachters nach der rhythmischen Bewegung bedeckt den Raum in seiner gesamten Abstufung. Colorist Gamma ist sehr zurückhaltend, meistens ist es auf einer Kombination von kaltblauen und bläulichen Tönen von Himmel und Wasser und warme bräunlich graue Töne von Böden und Felsen gebaut.

In jeder Landschaft erzeugt der Künstler ein einzigartiges Bild. Als breite und feierliche Hymne wird die Natur von der "Landschaft mit einem Polyfem" (1649; Hermitage) wahrgenommen; Ihre mächtige Größe erobert in der Moskauer "Landschaft mit Herkules" (1649). Das Pusssen weigert Johannes der Theologe auf der Insel Patmos (Chicago, Institute of Arts), der die traditionelle Interpretation dieses Grundstücks ablehnt. Es schafft eine seltene Schönheit und Befugnisse der Landschaft - die lebende Personifizierung des schönen Eldlas. Das Bild von John in der Interpretation von Poussin erinnert nicht an einen christlichen Einsiedler, sondern einen alten Denker.

In den späten Jahren verkörpert auch die thematischen Gemälde von Poussin in Landschaftsformen. Dies ist das Bild von Fokion-Begräbnis (nach 1648; Louvre). Der alte Held-Fach wurde von der Strafe seiner undankbaren Mitbürgerinhaber ausgeführt. Er wurde auch in der Beerdigung in seiner Heimat verweigert. Der Künstler stellte den Moment vor, an dem Sklaven auf Athen auf den Bindern von FOKION-Überresten sind. Vor dem Hintergrund des blauen Himmels und der grünen Bäume, Tempel, Türme, städtische Wände sind hervorgehoben. Das Leben geht zu ihr! Der Hirte packt Herde, auf der Straße des Willens ziehen den Wagen und den Reiter Rushes. Eine wunderschöne Landschaft mit besonderer Schärfe lässt Sie die tragische Idee dieser Arbeit spüren - das Thema der Einsamkeit einer Person, seiner Impotenz und der Zerbrechlichkeit angesichts der ewigen Natur. Sogar der Tod des Helden kann seine indifferente Schönheit nicht überschatten. Wenn die vorangegangenen Landschaften die Einheit der Natur und des Menschen argumentierten, erscheint die Idee, dem Helden und der umliegenden Welt zu widersprechen, in der Fokion-Faune, die den menschlichen Konflikt und der Realität, der für diese Ära charakteristisch ist, personifiziert.

Die Wahrnehmung der Welt in seinen tragischen Widersprüchen spiegelte sich im berühmten Pussen-Landschaftszyklus "vier Jahreszeit" wider, der in den letzten Jahren seines Lebens (1660 -1664; Louvre) machte. Der Künstler stellt und entscheidet in diesen Arbeiten das Problem des Lebens und des Todes, der Natur und der Menschheit. Jede Landschaft hat einen bestimmten symbolischen Wert; Zum Beispiel, "Frühling" (Adam und Eva werden beispielsweise in Paradies präsentiert) - diese Blüte der Welt, die Kindheit der Menschheit, "Winter" zeigt eine Flut, den Tod des Lebens. Die Natur von Poussin und im tragischen "Winter" erfolgt durch Größe und Kraft. Wasser, das mit dem Boden flattert, mit unerbittlicher Unwanderbarkeit alle Lebewesen absorbiert. Nirgendwo ist keine Erlösung. Der Ausbruch von Blitzschneidet durch die Dunkelheit der Nacht, und die durch Verzweiflung umarmte Welt erscheint wie in der Immobilität versteinert. Im Gefühl von chilligem Teller, das das Bild eindringt, verkörpert Pusssen die Idee, sich rücksichtsloser Tod zu nähern.

Der tragische "Winter" war die letzte Arbeit des Künstlers. Im Herbst 1665 stirbt Pusssen - stirbt.

Der Wert der Kunst von Pussa für seine Zeit und die folgenden Epochen sind enorm. Seine wahren Erben waren keine Französischen Akademiker der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, und Vertreter des revolutionären Klassizismus des 18. Jahrhunderts, der in den Formen dieser Kunst geschafft wurde, um die großen Ideen ihrer Zeit auszudrücken.

Wenn die Kreativität des Pushen ihre tiefe Umsetzung verschiedene Genres fand - ein historisches und mythologisches Bild, ein Porträt und eine Landschaft, dann arbeiteten die anderen Meister des französischen Klassizismus hauptsächlich in einem Genre. Als Beispiel kann Claude Lorreen zusammengerufen werden (1600-1682) -Ruplin, zusammen mit Pushend, einem Vertreter der klassischen Landschaft.

Claude Gelee wurde in Lothringen (französischer Lothringen) geboren, von wo aus es den Spitznamen Lorren passierte. Er kam aus der Bauernfamilie. Früher Osapotev, Lorran, ging nach Italien, wo er Malerei studierte. Fast alles Leben ist Lorrena, mit Ausnahme eines zweijährigen Aufenthalts in Neapel und einem kurzfristigen Besuch in Lothringen, der in Rom übergab.

Lorren war der Schöpfer einer klassischen Landschaft. Separate Werke dieser Art sind auf der Kunst der italienischen Meister des späten 16 - frühen 17. Jahrhunderts aufgetaucht. - Annibal Karracchi und Domenicino. Der deutsche Maler Elsheimer, der in Rom arbeitete, leistete ein großer Beitrag zur Landschaftsmalerei. Aber nur Lorrenenlandschaft hat sich im fertigen System entwickelt und in ein unabhängiges Genre umgewandelt. Lorren wurde von den Motiven echter italienischer Natur inspiriert, aber diese Motive werden in ein ideales Bild umgewandelt, das den Standards des Klassizismus entspricht. Im Gegensatz zu Pussen, dessen Natur in den heroischen Plan wahrgenommen wurde, lauten Lorlen in erster Linie einen Text. Er ist direkter von einem lebendigen Sinne, einem Schatten der persönlichen Erfahrung, ausgedrückt. Er zeigt gerne das unbegrenzte Meer (Lorren häufig den Seehafen geschrieben), breite Horizonte, überfließendes Licht in der Takte des Sonnenaufgangs oder des Sonnenuntergangs, den vorbestimmten Nebel, der verdichteten Dämmerung. Für frühe Landschaften zeichnet sich Lorlena durch einige Überlastungs-Architekturmotive, gebräunte Töne, starke Beleuchtungsrückgänge aus - zum Beispiel in Campo VACHCHINO (1635; Louvre), der die Wiese auf dem Gelände des alten römischen Forums darstellt, wo die Menschen unter den alten Ruinen streifen .

In seinem kreativen Blühen schließt sich Lorrer den 1650er Jahren an. Von dieser Zeit erscheinen seine besten Werke. So zum Beispiel "Abduktion von Europa" (ca. 1655; das Museum der Fine Arts A. S. S. Pushkin). Die Zusammensetzungen von reifen Lorreen zeigen nicht - für wenige Ausnahmen - ein bestimmtes Landschaftsmotiv. Sie schaffen ein allgemeines Bild der Natur. Im Moskauer Bild wird eine schöne Azure Bay präsentiert, deren Küste an den Hügeln der ruhigen Umrisse und der transparenten Bäume von Bäumen begrenzt ist. Die Landschaft wird mit einem hellen Sonnenlicht überfluten, nur in der Mitte der Bucht auf dem Meer legen Sie einen hellen Schatten aus der Wolke. Alles voller hektischer Ruhe. Die menschlichen Figuren haben nicht so eine solche wichtige Bedeutung von Lorreen, wie in den Landschaften von Poussin (Lorlen selbst wollte nicht gerne Zahlen schreiben und sie inträgt, andere Meister auszuführen). Eine Episode von einem alten Mythos im idyllischen Geist eines alten Mythos auf der Entführung von Zeus, der sich in einen Bullen verwandelte, entspricht jedoch einem schönen Mädchen in Europa der Gesamtstimmung der Landschaft; Gleiches gilt für andere Lorlen-Gemälde - Natur und Menschen werden in einer bestimmten thematischen Beziehung in ihnen gegeben. Zu den besten arbeitet lorreen 1650s. Beschafft die Dresdner-Komposition "Acyc und Galatia" 1657.

In der späten Arbeit von Lorrena wird die Wahrnehmung der Natur emotionaler. Es ist zum Beispiel interessiert, ändert sich in der Landschaft je nach Tageszeit. Die Haupteinrichtung bei der Stimmungsübertragung sind Licht und Farbe. In den Gemälden des in der Leningrad-Hermitage gelagerten ganzheitlichen Zyklus verkörpert der Künstler die dünne Poesie "Morgen", einen klaren Frieden von "einen halben Tag", einem nebligen-goldenen Sonnenuntergang "Abend", eine bläuliche Dunkelheit "Nächte". Die poetischsten dieser Gemälde ist "Morgen" (1666). Hier ist alles wohltatt silberblaue Rauchabfallendämmerung. Am aufhellenden Himmel wird eine transparente Silhouette eines großen dunklen Baums hervorgehoben; In einem düsteren Schatten werden antike Ruinen noch verschickt - das Motiv, das den Schatten der Traurigkeit in eine klare und ruhige Landschaft einleitet.

Lorren ist auch als Graveur-Ätzer und als Zeichner bekannt. Seine Landschaftsskizzen aus der Natur, die der Künstler während der Spaziergänge um Rom aufgetreten ist, sind besonders bemerkenswert. In diesen Figuren mit außergewöhnlicher Helligkeit betraf das emotionale und unmittelbare Gefühl der Natur von Lorran. Die Skizzen dieser, die intern mit der Verwendung von Waschen durchgeführt wurden, zeichnen sich durch erstaunliche Breitengrad und malerischer Freiheit aus, die Fähigkeit, starke Auswirkungen zu erreichen. Die Motive der Zeichnungen sind sehr vielfältig: Es ist eine Landschaft einer Panorama-Natur, in der ein paar kräftige Pinselstriche den Eindruck von der endlosen Breitengrad, dann eine dicke Gasse und die Sonnenstrahlen und den Sonnenstrahlen durch das Laub machen Von den Bäumen, fällt auf die Straße, einfach mit einem Stein an den Ufern des Flusses überwachsen, schließlich die Zeichnung eines majestätischen Gebäudes, umgeben von einem schönen Park ("Villa Albani").

Bilder von Lorreene seit langem - bis Anfang 19 V. blieb Mastern der Landschaftsmalerei. Aber viele seiner Anhänger, die nur seine äußeren visuellen Techniken wahrgenommen hätten, verloren das wahrhaft lebende Naturgefühl.

Der Einfluss von Lorren ist in der Arbeit seines zeitgenössischen Gaspara-Dugs (1613-1675), das Elemente von Emotionen und Drama in der klassischen Landschaft eingeführt hat, insbesondere bei der Übermittlung der Auswirkungen der alarmierenden Donnerbeleuchtung. Zu den Werken von du ist die berühmtesten Landschaftszyklen in den römischen Palästen von Doria Pamphili und der Spalte.

Die klassische Richtung wurde von Estash Lesyur (1617-1655) verbunden. Er war ein Jünger von Vouse und half ihm, dekorative Arbeit zu erfüllen. In den 1640er Jahren. LESUER erhielt einen starken Einfluss auf die Kunst des Pussens.

Die Kreativität von LESUER ist ein Beispiel für die Anpassung der Prinzipien des Klassizismus an die Anforderungen, die Wurzel- und Klerikerkreise vor der Technik standen. In seiner größten Arbeit - das Gemälde des Lamber Hotels in Paris - Lesuer versuchte, die Prinzipien der ästhetischen Lehre des Klassizismus mit rein dekorativen Effekten zu verbinden. Es ist nicht zufällig, dass es keine Möglichkeit gibt, dass in seinem großen Zyklus "Leben von St. BRUNO "(1645-1648, LOUVRE), abgeschlossen in der Größenordnung der Kirchekreise, es gibt Damnungen der barocken Richtung, die sich auf die zuckerhaltige Idealisierung von Bildern und im Gesamtgeist des katholischen Fanatismus beeinflussen, den all dieser Zyklus durchdringt. Die Kunst von Lesuer ist eines der ersten Symptome der Wiedergeburt der klassischen Richtungen des Gerichtsakademismus.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Die absolute Monarchie in Frankreich erreicht seine größte wirtschaftliche und politische Macht und externe Blütezeit.

Der Prozess der Zentralisierung des Staates erhielt einen endgültigen Abschluss. Nach der Niederlage der Front (1653) verstärkte und nahm die King Macht unbegrenzt, despotischer Charakter. In einem anonymen Broschüren der Oppositionsliteratur des Ende des 17. Jahrhunderts. Louis XIV heißt ein Idol, dessen Opfer der ganze Frankreich gebracht wurde. Um die wirtschaftliche Situation des Adels zu stärken, wurden wichtige Ereignisse durchgeführt. Ein ökonomisches System wurde auf der Grundlage von Eroberung von Kriegen und der konsequenten Umsetzung der Mercantilism-Richtlinien durchgeführt. Dieses System wurde Kolbertismus genannt - namens Kolbera, der erste Königsminister. Der Royal Yard war das politische Zentrum des Landes. Sein Standort servierte prächtige Landresidenzen und vor allem (aus den 1680er Jahren) - berühmte Versailles. Das Leben im Hof \u200b\u200bfand in endlosen Feierlichkeiten statt. Der Fokus dieses Lebens war die Persönlichkeit des Sonnenkönigs. Sein Erweckung vom Schlaf, der Morgen-WC, des Mittagessen usw. D.- Alle gehorchte ein gewisses Ritual und trat in Form einer Zeremoniezeremonie auf.

Die zentralisierende Rolle des Absolutismus beeinträchtigte auch die Tatsache, dass in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts rund um das königliche Gerichtshof. Sie wurden im Wesentlichen alle Kulturkräfte von Frankreich zusammengestellt. Die prominentesten Architekten, Dichter, Dramatiker, Künstler, Musiker wurden von den Anordnungen des Innenhofs geschaffen. Das Bild von Louis XIV ist als großzügiger Monarch, der vorgefertigte Gewinner diente dem Thema für historische, allegorische, Schlachtgemälde, für die Frontporträts und für Wandteppiche.

Viele verschiedene Richtungen in der Kunst von Frankreich wurden ab sofort im "großen Stil" der edlen Monarchie nivelliert. Das Kunstleben des Landes hat strengste Zentralisierung unterzogen. Zurück 1648 wurde die Royal Academy of Malerei und Skulptur eingerichtet. Die Basis der Akademie hatte einen positiven Wert: Zum ersten Mal wurden die Aktivitäten von Künstlern von der Unterdrückung des Workshops freigelassen, und ein bestelltes System der Kunstbildung wurde erstellt. Seit dem Beginn seiner Existenz waren die Aktivitäten der Akademie jedoch den Interessen des Absolutismus untergeordnet. Im Jahr 1664 hielt Kolber in Übereinstimmung mit den neuen Aufgaben die Neuorganisation der Akademie, wodurch sie in eine staatliche Einrichtung verwandelt, die vollständig an den Innenhof geliefert wurde. Im Jahr 1671 wurde die Akademie der Architektur gegründet. Bei den Aktivitäten der französischen Akademien gab es viel konservativ, aber wir sollten nicht vergessen, dass es ihnen dank ihnen dank ihnen ist, dass es möglich war, eine große Anzahl von Meistern vorzubereiten, die an der Schaffung der grandiosen künstlerischen Ensembles von absolutistischer Frankreich teilgenommen haben.

Die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts. - Die Blütezeit der französischen Architektur. In der Hauptstadt Frankreichs wird Paris rekonstruiert und wiederhergestellt weite städtische Gebiete und große Palast, öffentliche und Kultgebäude. Grand teure Bauarbeiten an der Schaffung eines Landaufenthalts des Königs - Versaille wird durchgeführt. Einer der Gründe für die führende Position der Architektur unter anderem in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. in ihren spezifischen Funktionen verwurzelt. Es war die Architektur, die mit größter Vollständigkeit und Macht, um Ideen dieser Bühne bei der Entwicklung einer zentralisierten nationalen Monarchie auszudrücken konnte. Ein deutlicher manifestiert den Wunsch, nach strengen und monumentalen Bildern, kompositorischer Integrität und Stileinheit zu suchen. Während dieser Zeit war die organisierende Rolle der Architektur in der künstlerischen Synthese aller Art von Bildungskunst besonders ausgeprägt. Die Architektur hatte große Auswirkungen auf die Bildung dekorativer Skulptur, Malerei und Angewandte Kunst dieser Zeit.

Neue Funktionen in der Architektur der mittleren und zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, die im Rahmen des Klassizismus entwickelt wurden, manifestiert sich in erster Linie in den riesigen räumlichen Aufprall von Gebäuden und Ensembles, in einer konsistenten Anwendung der klassischen Reihenfolge, in der Vorherrschaft von Horizontale Mitgliedschaften über vertikal, in größerer Integrität und Einheit von volumetrischen Kompositionen und Innenraumgebäude. Zusammen mit dem klassischen Erbe der Antike und Renaissance, um den Stil des französischen Klassizismus der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts zu schaffen. Die Architektur des italienischen Barocks bot einen großen Einfluss. Dies spiegelte sich in der Kreditaufnahme einiger architektonischer Formen (Frontonkurven, Wölfe, üppige Patronen), in den Haftbefehlszusammensetzungen der Fassaden und der Grundsätze der Lösung des Innenraums (ANFILAD), in einigen Merkmalen der Planung großer Ensembles (longitudinal-axial Konstruktion) sowie in der inhärenten Architektur französischen Klassizismus der erhöhten Pomput der architektonischen Formen, insbesondere in den Innenräumen. Die Formen der klassischen und barocken Architektur werden jedoch 17 V unterzogen. Native Recycling aufgrund der nationalen künstlerischen Traditionen, die es ermöglichten, diese häufig widersprüchlichen Elemente auf künstlerische Einheit mitzubringen.

Das erste Produkt der Architektur des französischen Klassizismus der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, in dem die Vorherrschaft künstlerischer Prinzipien des Klassizismus über alten Traditionen eindeutig empfunden ist, gab es ein Ensemble des Palastes und des Parks in Le Vikont (1655-1661) ).

Die Schöpfer dieser wunderbaren Arbeit, die für den General Finance Controller gebaut wurden, und in vielerlei Hinsicht das Ensemble von Versailles, waren Architekten Louis Levo (ca. 1612-1670), Master of Garden Art Andre Lenotr, gebrochener Palastpark und Maler Charles Lebed , der daran teilnahm, das Interieur des Palastes und des Wandbilds von Plafon zu beenden.

Nach der Zusammensetzung des Plans, der Freisetzung von zentralen und eckigen turmartigen Volumina, die mit hoher Dachbildung gekrönt wurde, die insgesamt offene Natur des Gebäudes, umgeben von Wasser, das mit Wasser gefüllt ist, erinnert der Palast des Palastes des Meson-Luffyt. Wie in der Meson-Luffyt, in der Architektur dieses Palastes sind die traditionellen Merkmale der französischen Architektur noch in der Architektur dieses Palastes erhalten. Trotzdem, im Erscheinungsbild des Gebäudes sowie im Zusammensetzung als Ganzes Ensemble, zweifellos eine Feier klassische architektonische Prinzipien.

Dies äußert sich in erster Linie in der logischen und strikt entwickelten Planungslösung des Palastes und des Parks. Die große ovale Form des Salons, die die zentralen Unlauten der Parade-Räumlichkeiten ist, wurde zum zusammengesetzten Zentrum von nicht nur des Gebäudes, sondern auch das Ensemble insgesamt, da es sich an der Kreuzung seiner Hauptachsen befindet (der Main Parkegalisierung, die aus dem Palast kommt, und Quer, zusammen mit der Längsachse des Gebäudes). Das Gebäude und der Park sind somit einem strikt zentralisierenden Composite-Prinzip untergeordnet, mit dem Sie eine Vielzahl von Elementen des Ensembles eines Weile-Le-Vicont auf große künstlerische Einheit mitbringen können und den Palast als den wichtigsten Teil des Ensembles hervorheben .

Die Einheit beim Bau des Innenraums und des Volumens des Gebäudes ist typischerweise für die Grundsätze der klassischen Architektur. Ein großer ovaler Salon wird als Zentrum der Zusammensetzung und der Oberseite des Domdaches hervorgehoben, was ihm einen ruhigen, ausgewogenen Charakter verleiht. Die Einführung einer großen Reihenfolge des Pilasters, die zwei Etagen über dem Keller abdeckt, und eine leistungsstarke horizontale, strenge, strenge, streng auf Profile der klassischen Antlement erzielt die Vorherrschaft der horizontalen Mitglieder über die Vertikale, die Verallgemeinerung und Integrität der Fassaden und das Volumen des Gebäudes, die ungewöhnlichen Paläste der früheren Zeit. All dies gibt das Erscheinungsbild des Palastes monumentaler Repräsentativität und der Parade.

Im Gegensatz zu etwas Zurückhaltung der Formen im Erscheinungsbild des Palastes erhielt das Interieur des Gebäudes eine reiche und kostenlose architektonische Interpretation. Im Pressraum des Palastes - ovaler Salon - eine ziemlich strenge Reihenfolge des Corinth-Pilasters, der Wand, und zwischen Pilastern gewölbten Öffnungen und Nischen, werden mit einer herrlichen verzierten zweiten Wandstufe mit Fracht, Barock in der Zeichnung von die Caryiats, Girlanden und Kartuschen. Der Innenraum wird durch den Lieblings-Barock-Einlass erheblich verlängert - die Einführung von Spiegeln in den Nischen, die den Fensteröffnungen entsprechen. Perspektiven, die sich von den Fenstern gemütlicher Wohnzimmern und Salons in die umliegende Landschaft öffnen, und streng organisierten Raum des Parks als eine Art logischer Fortsetzung des inneren Innenraums wahrgenommen.

Das Parksemble des Palastes des Palastes des Palastes, der Viscount, der nach einem einzigen streng regulären System gebaut wurde. Geschicklich geschnittene grüne Pflanzungen, Gassen, Blumenbeete, Travers bilden klare, leicht wahrgenommene geometrische Formen und Linien. Springbrunnen und dekorative Statuen gerahmt einen umfangreichen Partner und einen Pool mit einer Grotte, die sich vor der Fassade des Palastes ausbreiten.

Im Ensemble gab es das La-Le-Vocont in 17 Jahrhunderten, die vom französischen Klassizismus erstellt wurden. Die Synthese von Architektur, Skulpturen, Malerei und Garten-Park-Kunst, die im Ensemble von Versailles noch größerer Umfang und Reife gewonnen hat.

Andere größte Gebäude verließen den zentralen Teil des Versailles-Palastes (der Umstrukturierung ausgesetzt), Hotel Lambert in Paris und dem monumentalen College-Gebäude der vier Nationen (1661 - ca. 1665).

An einem College mit vier Nationen (jetzt das Gebäude der französischen Akademie der Wissenschaften) entwickelt sich eine der monumentalen Strukturen dieser Zeit die Linke, die die Prinzipien der klassischen Architektur unter den Bedingungen des Stadtsembles entwickelt. Wenn Sie ein College-Gebäude auf dem Botting der Seine haben, offenbart die linke, kraftvolle, weithin entfaltete Halbszenen seiner Fassade in Richtung des Flusses und das Louvre-Ensemble so, dass die Kuppelkirche, die das Zentrum des College ist Zusammensetzung, fällt auf die Achse des Louvre. Dies erreicht eine regelmäßige räumliche Einheit von großen städtischen Gebäuden, die zusammen eines der architektonischen Ensembles des Zentrums von Paris bilden.

In der Architektur des College-Gebäudes mit seinem umfangreichen Halbkreis eines Open Yards, einer entwickelten Silhouette, einer starken Zuteilung des Zentrums der Zusammensetzung, deren dominierender Wert von den vergrößerten Mitgliedern und den Formen des Portals und der Kuppel betont wird , fand das Bild eines öffentlichen Aufbaus großer Bedeutung. Erstellt von links auf der Grundlage der kreativen Verarbeitung der Formen der Palast- und Kultarcharcharcharität, das das Erscheinungsbild eines öffentlichen Gebäudes mit einem Kuppel-Composite-Zentrum als Prototyp vieler staatlicher und öffentlicher Gebäude in der europäischen Architektur der 18-19 Jahrhunderte diente.

Einer der ersten Werke der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, in dem die grundlegenden Prinzipien des französischen Klassizismus den vollständigsten Ausdruck erhielten, ist die östliche Fassade des Louvre (1667-1678), in der Konstruktion und dem Bau von Francois d ORBE (1634-1697) teilgenommen, Louis Levo und Claude Perra (1613-1688).

Die östliche Fassade des Louvre, die oft als Kolonnade des Louvre bezeichnet wird, ist Teil des Ensembles der beiden in 17 V. Paläste - Tuileries und Louvre. Die Fassade einer großen Länge (173 m) hat eine zentrale und zwei Seitenrizalitis, zwischen der es kraftvolle (Höhe 12 m) doppelte Säulen der korinthischen Aufträge gibt, die sich zusammen mit dem Abflug der Wand des tiefen schattigen Gepäcks auf der Monumental bilden Glatte Basis mit seltenen Öffnungen. Die reichsten in ihren Formen, Dekor und Mitgliedern des zentralen Eintritts-Risatits mit einem Drei-Rollen-Teil werden mit erwarteten Formen und Anteilen eines dreieckigen Fronons gekrönt. TIMPAN-Front ist reich verziert mit Skulpturrelief. Seitenrisals mit weniger reichen Kunststoffentwicklungen werden von den Dual-Pilastern derselben Reihenfolge zerlegt. Die flache architektonische Entlastung von seitlichen Risals erzeugt einen logischen Übergang zu den seitlichen Fassaden des Louvre, der die Zusammensetzung der östlichen Fassade wiederholte, mit dem Unterschied, dass die Dual Corinth-Säulen durch einzelne Pilaster derselben Reihenfolge ersetzt werden.

In der extrem einfachen volumetrischen Struktur des Gebäudes, in einer klaren und logischen Erstellung des Volumens auf den Incomasium- und Trägerteilen, in den Details und Anteilen der korinthischen Bestellungen in der Nähe des klassischen Kanons und schließlich in der Unterordnung der Zusammensetzung Hoch erkannte rhythmische Reihenfolge, reifen künstlerischen Prinzipien der klassischen Architektur werden entwickelt. 17. Jahrhundert. Die monumentale Fassade des Gebäudes mit seinen vergrößerten Formen und einer unterstrichenen Skala ist voller Größe und Adel, aber gleichzeitig fühlt es sich an, dass er einen Schatten der rationalen Kälte fühlt, besondere Klassizismus.

Ein wichtiger Beitrag zur Theorie und Praxis des französischen Klassizismus machte Francois Blondez (1617-1686). Zu seinen besten Werken sollten der Triumphbogen angemessen sein, der das Tor von St. Denis in der Regel in Paris genannt wird. Die Architektur des Monumentals. TRIAFAL-Bogen, der in den Ruhm der französischen Waffen integriert wurde, um den Übergang der französischen Truppen durch Rhein 1672 zu erinnern, zeichnet sich durch eine große Konzession, eine Verallgemeinerung von Formen und unterstrichenen Paradity aus. Der große Verdienst von Blondine ist in der tiefen kreativen Verarbeitung der Art des römischen Triumphbogens und der Schaffung einer Art Komposition, die die Architektur solcher Strukturen in 18-19 Jahrhunderten erhöht.

Das Problem des architektonischen Ensembles, das fast das ganze Jahrhundert im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der Meister des Klassizismus des 17. Jahrhunderts war, fand seinen Ausdruck in der französischen Stadtplanung. Als herausragender Innovator, der größte französische Architekt des 17. Jahrhunderts von Jules Arden Mansar (1646-1708; ab 1688, traf er Arduen-Mansar Nachname).

Eines der hellen Beispiele der geschickten Auflösung großer städtischer Ziele ist der Arduth-Mansair der Kirche des Haushauses (1693-1706), der einen riesigen komplexen Komplex abschließt, der auf dem liberalen Projekt von Brune gebaut wurde (ca. 1635-1697). Das Haus von Personen mit Behinderungen, die für die Unterkunft der Herbergen von Kriegsveteranen entwickelt wurden, ist als eines der ehrgeizigsten öffentlichen Gebäude des 17. Jahrhunderts konzipiert. Vor der Hauptfassade des Gebäudes, das sich am linken Ufer der Seine befindet, umfangreiche Gebiet umfangreich, die sogenannte Esplanade der Behinderten, die ziemlich direkt an den Fluss, als wären die Entwicklung des richtigen Bankensemble von Tuilie und Louvre in der linken Bank der Stadt. Ein strenger symmetrischer Komplex des Behindertenhauses besteht aus geschlossenem Umfang von vierstöckigen Gebäuden, das ein entwickeltes System großer rechteckiger und quadratischer Meter bildet, der einem einzigen Verbundzentrum untergeordnet ist - einem großen Hof und einer assoziierten monumentalen Kirche.

Die Kirche ist eine zentrale Konstruktion mit einem quadratischen Plan und großen, einem Durchmesser von 27 m, einer Kuppel, die einen umfangreichen zentralen Raum wächst. In der strikten und zurückhaltenden Tempelarchitektur gibt es immer noch einen Einfluss auf eine außerirdische Kreativität von Arduen-Dachbarockkompositionen. Dies beeinträchtigt sich in Bezug auf das niedrigere Volumen der Anteile der Kuppel und in der Kunststoffanreicherung des zentralen Teils der Fassade mit Wärmer, die für den Barock charakteristisch sind.

Die Kuppel der Behindertenkirche ist eine der schönsten und hohen Kuppeln der Weltarchitektur. Er ist als zusammengesetztes Zentrum konzipiert, das ein riesiges geschmolzenes Array des Hauses behindert ist, und ist auch in der Union-Engineering von großer Bedeutung: zusammen mit den Kuppeln der Kirche von Val de Gras und in 18 V errichtet. Pantheon er schafft eine ausdrucksstarke Silhouette des südlichen Teils von Paris.

Besonders wichtig in der französischen Stadtplanungspraxis des 17. Jahrhunderts, dem Quadrat von Louis des großen (anschließenden Vandom-Platzes) (1685-1701) und des Sieg Square (1684-1687) auf Projekte von Arduen-Mansar.

Die Form eines Rechtecks \u200b\u200bmit geschnittenen Ecken (Abmessungen 146 x 136) Das Louis-Great-Platz wurde als Parade-Bau zu Ehren des Königs konzipiert. In Übereinstimmung mit dem Plan wurde die dominierende Rolle in der Komposition in der Mitte der quadratischen Reiterstatue von Louis XIV der Werke von Giradon gespielt. Die Fassaden, die den Bereich von Gebäuden, derselbe Art von Zusammensetzung bilden, mit einem leicht hervorstehenden Portikum an geschnittenen Ecken und im zentralen Teil der Gehäuse, dienen als architektonischer Rahmen des Weltraumraums. Mit den umliegenden Vierteln verbunden, nur zwei kurze Straßenkürzungen der Straßen, wird der Bereich als geschlossener, isolierter Raum wahrgenommen.

Ein anderes Ensemble ist der Bereich der Siege, der in Bezug auf einen Durchmesser von 60 m eine Kreisform aufweist, je nach Gleichlegung derjenigen, die den Bereich der Fassaden umgibt, und der Ort des Denkmals in der Mitte ist nahe das Louis-Platz des Großen. Die Platzierung des Gebiets an der Kreuzung mehrerer Straßen im Zusammenhang mit mehreren Straßen, die aktiv mit dem Gesamtsystem der Stadtplanung zusammenhängt, beraubt jedoch seine Schränke und Isolation.

Die Schaffung des Platzes der Siege von Arduuen-Mansar legte die Grundlagen der progressiven Stadtplanungstrends auf dem Bau von offenen, eng mit dem Planungssystem der Stadt der öffentlichen Zentren zusammen. Die Umsetzung dieser Prinzipien in der europäischen Stadtplanung sinkt jedoch um 18 Jahre und die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Die vollständige und umfassende Entwicklung von fortschrittlichen Trends in der Architektur des französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts wird in großer Waage, Mut und Breitengrad des künstlerischen Plans des Ensembles von Versailles (1668-1689) erhalten. Die wichtigsten Schöpfer dieses größten Denkmals des französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts. Arduuen-Mansar und Meister von Gartenkunst und Park Art Andre Lenotr (1613-1700).

Die erste Idee des Ensembles von Versailles, bestehend aus der Stadt, des Palastes und des Parks, gehört in jeder Wahrscheinlichkeit, Levo und Lenotra. Beide Meister begannen seit 1668 an dem Bau von Versailles zu arbeiten. Bei der Umsetzung des Ensembles wurde diese Idee zahlreiche Änderungen unterzogen. Der endgültige Abschluss des Versailles-Ensembles gehört zu Arduun-Mansar.

Versailles als Hauptwohnsitz des Königs sollte die grenzenlose Macht des französischen Absolutismus ausrichten und verherrlichen. Dies erschöpft jedoch nicht den Inhalt des ideologischen und künstlerischen Designs des Ensembles von Versailles sowie seine herausragende Bedeutung in der Geschichte der Weltarchitektur. Die von der offiziellen Verordnung gezählt, gezwungen, den Anforderungen des Innenhofs vorzulegen, sind die Bauherren von Versailles ein riesiger Armee von Architekten, Ingenieuren, Künstlern, Meister von Angewandten und Gartenkunst - gelang es, in den riesigen kreativen Kräften der französischen Menschen zu verkörpern .

Merkmale des Aufbaus eines komplexen Ensembles als strikt bestelltes zentrales System, das auf der absoluten kompositorischen Herrschaft des Palastes über alle anderen basiert, beruht auf seinem allgemeinen ideologischen Design.

In dem Versailles-Palast, der sich auf der Terrasse befindet, rund um die Umgebung überragt, konvergen drei breite, völlig direkte Strahlungsaussichten der Stadt; Die mittlere Avenue setzt auf der anderen Seite des Palastes in Form der Hauptbahnlinie eines riesigen Parks fort. Senkrecht zu dieser Hauptverbundachse der Stadt und der Park befindet sich in der Breite des Palastes stark länglich. Middle Avenue führt zu Paris, zwei anderen - in den königlichen Palästen von Saint-KLI und CO; Somit waren Versailles mit Straßen verbunden, die für ihn mit verschiedenen Bereichen Frankreichs geeignet sind.

Der Versailles-Palast wurde in drei Klebstoffen errichtet: der uralte Teil ist das Jagdburg von Louis XIII, das 1624 mit dem Bau begann und in der Zukunft wieder aufgebaut wurde; Dann entstehen sie den Kern des Gehäuses, der links gebaut wurde, und schließlich zwei Rückzug in Richtung des Parks entlang der oberen Terrasse des Flügels, errichtet von Ardune-Mansar.

Im zentralen Corps des Palastes konzentrierten sich die Formungseffekte der Luxushallen für Bälle und feierliche Techniken konzentriert. Riesige Spiegelgalerie, Hallen der Welt, Krieg. Mars, Apollo und der persönliche Rest des Königs und der Königin. In den Flügeln des Gebäudes gab es Räume für Angehörige der königlichen Familie, Höhlen, Ministern und edlen Gästen. Eine Palastkapelle benachbart zu einem der Flügel des Gebäudes.

Neben dem Hauptgebäude aus der Stadt in zwei großen unabhängigen Gebäuden, der einen großen rechteckigen Bereich vor dem zentralen Gebäude des Palastes bildet, wurden Palastdienste angeboten.

Luxuriöse Innendekoration, in der Barockmotive weit verbreitet sind (runde und ovale Medaillons, komplexe Zierfüllungen über den Türen und gemeinsam) und teuren Endbearbeitungsmaterialien (Spiegel, gejagte Bronze, Marmor, vergoldetes Holzschnitzen), weit verbreitete Verwendung von dekorativen Malerei - all dies soll den Eindruck von Größe und Parade erstellen. Einer der bemerkenswertesten Räumlichkeiten des Versailles-Palastes wird von Arduth-Mansair erbaut und befindet sich im zweiten Stock des zentralen Teils der herrlichen Spiegelgalerie (Länge von 73 m) mit den quadratischen Wohnzimmern neben ihm. Durch die weiten gewölbten Öffnungen, einem herrlichen Blick auf die Hauptbahnlinie des Parks und der umgebenden Landschaft. Der interne Raum der Galerie wird durch eine Reihe von großen Spiegel, die sich in Nischen gegen Fenster befinden, illussig ausgebaut. Das Innere der Galerie ist reich verziert mit Marmor-Corinth-Pilastern und einem herrlichen Stuck-Waisen, das als Übergang zu einer noch komplizierteren Zusammensetzung und Farblösung von einem barocken Celastic Artist Lebedin dient.

Die Architektur der von Arduen-Mansar erstellten Fassaden, insbesondere aus dem Park, zeichnet sich von großer Einheit aus. Das Horizontal stark gestreckt, ist das Palastgebäude mit einem strengen geometrisch korrekten Parklayout und einer natürlichen Umgebung gut harmonisiert. In der Zusammensetzung der Fassade, dem zweiten, dem Vorderboden des Palastes, diskretiert durch streng an den Anteilen und Gegenständen der Säule und der Säule und der Pilaster, die auf einer schweren Rush-Base ruht, hervorgehoben. Der oberste, kleinere Boden des Bodens ist als überfüllter Angriffsgebäude konzipiert, wobei das Bild des Palastes größere Monumentalität und Repräsentativität berichtet.

Im Gegensatz zu der Architektur der Fassaden des Palastes, nicht von einigen barocken Repräsentativen, sowie überladen mit Dekorationen und der Vergoldung von Innenräumen, unterscheidet sich die Planung des von Lenotr hergestellten Parks durch die klassische Reinheit und Klarheit der Linien und bildet. In der Planung des Parks und der Formen seiner "grünen Architektur" war Lenotr das beständigste Ausdruck des ästhetischen und ethischen Ideals des Klassizismus. Er sah in der natürlichen Umgebung das Objekt an vernünftiger menschlicher Aktivität. Die natürliche Landschaft von Lenotr konvertiert in ein fehlerfreies klares, komplettes architektonisches System, das auf den Grundsätzen der Rationalität und Ordnung basiert.

Der allgemeine Blick auf den Park öffnet sich von der Seite des Palastes. Von der Hauptterrasse führt die breite Treppe entlang der Hauptachse der Ensemble-Zusammensetzung an den Laton-Brunnen, der königlichen Gasse bei der Brunnen von Apollo. Die Zusammensetzung endet den Horizont durch einen großen Kanal, der von den Gassen der getrimmten Bäume gerahmt ist.

In der organischen Einheit mit dem Park-Layout und dem architektonischen Erscheinungsbild des Palastes gibt es eine reiche und vielfältige Skulptur des Parks. Versailal Park-Skulptur ist aktiv an der Bildung des Ensembles beteiligt. Skulpturale Gruppen, Statuen, Herma und Vasen mit Reliefs, von denen viele von herausragenden Bildhauer ihrer Zeit geschaffen wurden, schloss die Aussichten für grüne Straßen, Rahmenquadrate und Gassen, bilden komplexe und schöne Kombinationen mit einer Vielzahl von Brunnen und Pools. Jede Statue personifizierte ein bestimmtes Konzept, ein bestimmtes Bild, das in das gesamte allegorische System einbezogen wurde, und dient dem Handschuh der Monarchie.

Versailal Park mit klar ausgesprochenem architektonischen Bau, Reichtum und verschiedenen Formen - Marmor- und Bronzeskulpturen, Laub von Bäumen, Springbrunnen, Pools, geraden Gassenlinien, geometrisch korrekten Volumina und Oberflächen mit getrimmten Büschen und Bäumen - ähnelt einem riesigen "grünen Palast" "Mit einem IMFILADEN in verschiedenen Bereichen und Straßen. Diese "grünen Anfilader" werden als natürliche Fortsetzung und Entwicklung des Innenraums des Palastes selbst wahrgenommen. Das architektonische Bild des Versailandenensembles ist in der organischen Kommunikation mit der natürlichen Umgebung in der natürlichen und konsistenten Offenlegung verschiedener inländischer und äußerst vielversprechender Aspekte in der Synthese von Architektur, Skulpturen und Malen gebaut.

Der Bau von Versailles und anderen Landpalästen hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung der angewandten Kunst. Frankreich-Kunstindustrie in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Erreichte hohe Blütezeit. Möbel, Spiegel, Besteck, Schmuck, Teppiche, Stoffe und Schnürsenkel wurden nicht nur für den Palast und für Verbraucher in Frankreich hergestellt, sondern auch für den weiten Export im Ausland, der eine der Merkmale der Mercantilism-Richtlinien war. Zu diesem Zweck wurden spezielle königliche Manufaktionen organisiert. Als positive Tatsache ist zu beachten, dass die Organisation der künstlerischen Produktion, die auf der Zentralisierung basiert, zusammen mit dem System der akademischen Bildung zu einer großen Einheit in verschiedenen Industriesektoren führte.

Wunderbare Ergebnisse, französische Meister in der Herstellung von Wandteppichen. Im Jahr 1662 kaufte Kober den berühmten Teppich-Werkstatt von Wandteppichen (daher ergab der Name selbst - Tapisserie) und etablierte den Royal Tapestry Workshop. Der Direktor der Manufaktur war Charles Lebrée, und die meisten Tempizien für Versailles wurden auf seinen Kartenhäusern durchgeführt. In diesen Wandteppichen, hergestellt von Serien und verwandter Szene Einheit, war der dekorative Umschlag von Lebedin am stärksten ausgeprägt. Die Wirksamkeit der Verbundlösung wurde in den Wandteppichen mit üppiger ornamentaler Pracht und einem exquisiten Farbsinn verbunden.

Der größte Meister der künstlerischen Möbel, der Schöpfer der speziellen Technik ihres Finishs war Andre Charles Boule (1642-1732). Für die Dekoration wurde der Boule aus verschiedenen Holzvarianten, vergoldeter Bronze, Perle, Schildkröten, Elfenbein eingesetzt. Overhead-Metalldekorationen zeichneten sich durch dekorativen Wohlstand und die Feinheit der Jagdarbeit aus.

In kleinen Formen der angewandten Kunst bemügten Künstler, Monumentalität, strikte Symmetrie und gleichzeitig Luxus und Parade hervorzuheben. Im 17. Jahrhundert sind hohe künstlerische Vorteile erstellt. Französische Produkte aus Silber: Gerichte, Schüsseln, Wall BHs, Stehlampen, Candelabras. Die Werke der angewandten Kunst, die organisch in ein allgemeines architektonisches und künstlerisches Ensemble eingetragen sind, waren ein wesentlicher Bestandteil des absolutistischen "Großstils". Denkmäler der französischen Angewandten Kunst waren in anderen Ländern Westeuropas weit verbreitet und serviert lange Zeit als Vorbild.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Die französische Skulptur entwickelte sich hauptsächlich in den Grenzen des "großen Stils". Monumente von Skulpturen wurden häufig in der Erstellung von Urban- und Palast-Park-Ensembles verwendet, wenn Sie öffentliche und kultimale Einrichtungen dekorieren. Es ist eine enge Beziehung zur Architektur in vielerlei Hinsicht, die die besten Eigenschaften der französischen Skulptur dieser Zeit vorbestimmt. Sogar die Werke der Maschinenskulptur sind die Kunststatue, das Hauptporträt - sie trug die Merkmale und brachten sie näher mit den Werken monumentaler Kunststoffe. Die Anforderungen des "großen Stils", das Bedürfnis nach der Einhaltung der Anträge des königlichen Gerichtshofs wurde oft durch die Möglichkeiten der Meister der französischen Skulptur verengt. Das Beste von ihnen erreichte jedoch immer noch einen großen kreativen Erfolg.

Die größten Errungenschaften der französischen Skulptur des 17. Jahrhunderts. Im Zusammenhang mit dem Versailles-Palastkomplex in der Gründung, in der die führenden Meister dieser Zeit - Giradon, Sulz, Kuazevox und anderen teilnahmen.

Die charakteristischen Merkmale der französischen Skulptur der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurden in der Arbeit von Francois Giradon (1628-1715) ausgedrückt. Bernini's Student, Zhiradon, führte skulpturale dekorative Arbeit in den Louvre, Tuilery und Versailles-Palästen auf. Die skulpturale Gruppe "Entführung von Protepsie" (1699) im Versailles-Park gehört zu den hervorragenden Werken. Es befindet sich in der Mitte der Runde, elegant für die Formen und Proportionen der von Architekten Arduth-Mansar erstellten Kolonnade. Auf dem Sockel der zylindrischen Form ist die Entlastung mit dem Bild der Verfolgung der Ceres hinter Pluto, die die Transzzelnation im Wagen nimmt, die skulpturale Gruppe an der Verbund- und dynamischen Konstruktion erhöht. In Übereinstimmung mit der Ernennung dieser Arbeit konzentriert sich Zhiradon auf die dekorative Ausdrucksfähigkeit der Skulptur: Der Konzern entwickelt für Bypass von allen Seiten, die Gruppe hat eine große Fülle von Kunststoffaspekten.

Die berühmten Werke von Giradon beziehen sich auch auf die Grotte vor dem Hintergrund dicker Dicker des Parks der skulpturalen Gruppe "Apollo and Nymphen" (1666-1675). Die Frische der Wahrnehmung, sinnliche Schönheit der Bilder hebt die Erleichterung "Schwimmnymphen" hervor, die von einem Faton für einen der Versailles hergestellt wird. Als ob Sie die konditionierten akademischen Traditionen vergessen, hat der Bildhauer eine Arbeit von Vitalität und Poesie erstellt. Francois Giradeons Erleichterschaft manifestierte sich in zusammengesetzten Bildern auf dekorativen Vasen, die für Versailles ("Triumph Galatei", "Triumph Amphitrite") vorgesehen sind.

Giradon arbeitete auch an anderen Arten von monumentalen Skulpturen. Er besitzt ein Tombstone-Denkmal für Richelieu in der Sorbonne-Kirche (1694). Er war der Autor der Reiterstatue von Louis XIV, die auf dem Vandom Square installiert ist (danach während der französischen Revolution 18. Jahrhundert zerstört). Der König ist durch feierlich trittendes Pferd dargestellt; Er ist in der Robe des römischen Kommandanten, aber in der Perücke. Idealisiert über den Blendung von Louis wurde durch die Idee der Größe und der Macht des All-Russischen Monarchens verkörpert. Der Bildhauer fand die notwendigen proportionalen Beziehungen der Statuen und dem Sockel und das gesamte Denkmal insgesamt - mit seinem Raum um den Raum und seiner Architektur, so dass sich die Reiterstatue als ein echtes Zentrum des majestätischen Architektensembles erwies. Dies ist das Werk von Giradon für das gesamte 18. Jahrhundert. Er diente als Modell für Reiterkmäler europäischer Souveräne.

In der Arbeit eines anderen französischen Bildhauers in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. - Antoine Kuaziewox (1640-1720) - Verglichen mit der Kunst von Giradon erschienen die Merkmale des Wissenschafts in vielem großen Umfang. Kuazewox arbeitete mit Lebedron über dem dekorativen Finish des Versailles-Palastes zusammen. Sie führten skulpturale Dekorationen der Spiegelgalerie und der Kriegshalle aus. Er war auch der Autor einer großen Anzahl von Porträtstatuen und Büsten (Louis XIV, Prince Conde, Lebedin, Odrana). In diesen spektakulären, aber nicht ausreichend tiefen Werken von Kouazevox folgt der Tradition eines barocken Paradenportraits.

Der besondere Ort in der Geschichte der französischen Skulpturin dieser Zeit nimmt die Arbeit von Pierre PJW (1620-1694) - dem größten Vertreter der französischen Kunststoffe des 17. Jahrhunderts ein.

Masvent kam aus der Familie von Marseille Mason. Als Kind arbeitete er als Student in den Schiffen-Workshops als Carcher auf einem Baum. Die jungen Leute gingen nach Italien, wo er in Pietro und Corton malen studierte. Er fand jedoch seine gegenwärtige Berufung in der Skulptur. Puzh arbeitete seit einiger Zeit in Paris, aber seine wichtigste kreative Aktivität in Toulon und in Marseille, der Bildhauer musste offizielle Bestellungen erfüllen, insbesondere für die Dekoration des Versailles Park.

Die Kunst von Potazh liegt in der Nähe von barocken Merkmalen einer externen Tasche. Im Gegensatz zu Bernini und anderen Meistern des italienischen Barocks ist Puget jedoch frei von mystischer Erhöhung und oberflächlicher Idealisierung - seine Bilder sind direkt, frisch, sie spüren die lebenswichtige Kraft.

In dieser Hinsicht ist es angemeldet, dass einer der Hauptwerke von Matzh - der Marmorgruppe "Milon Crotonsky" (Louvre) anzeigt. Puget zeigte einen Athleten in seiner Hand in einem Baumspalten und montierten Löwen. Milons Gesicht ist durch unerträgliche Mehl verzerrt, spannt in jedem Muskel seines Muskels seines mächtigen Körpers. Mit einer allgemein komplexen Rotation einer Athletenfigur und einer starken Dynamik ist ein zusammengesetzter Bau der Gruppe klar und klargestellt - die Skulptur wird von einem, dem Hauptsicht, perfekt wahrgenommen.

Das Talent der Töpfe manifestierte sich in seinem Original und Shirman auf dem Design der Erleichterung "Alexander Macedonian and Diogen" (1692, Louvre). Der Bildhauer präsentierte sich vor dem Hintergrund der monumentalen architektonischen Strukturen, die durch Modellierung, helle figurative Figuren der handelsüblichen Personen mächtig waren. Licht, verstärkt die Kunststoffleistung der Figuren, verleiht dem Bild ein pathetisches Zeichen. Die Schläge von lebenswichtigen Energie durch den Rand ist ein Eindruck der Bilder dieser Erleichterung. Die gleichen Merkmale sind auch in anderen Töpfchenwerken inhärent, z. B. der Atlanta, der den Balkon des TOULON-Rateshalle unterstützt. Sogar in der formalen Reihenfolge des Basleichventilts von Louis XIV (Marseille) erzeugt Louges im Rahmen eines feierlichen und repräsentativen Porträts ein überzeugendes Bild des arroganten Monarchen.

Französische Malerei der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Ich entdeckte noch mehr Abhängigkeit von offiziellen Anforderungen als Skulptur. Bis zum Ende der 1660er Jahre. Die königliche Akademie der Malerei und der Skulptur entwickelte diese regulatorischen Regeln, die als Erstellung eines "großen Stils" dienten. Durch die Genehmigung der Unnachgiebigkeit dieser Regeln wurden Vertreter der Akademie von der Autorität des Pusssens behandelt. Die Kunst des großen französischen Künstlers hatte jedoch nichts mit diesem toten, dogmatischen künstlerischen System, das von der Akademie entwickelt wurde. In diesem System wurden die negativsten Aspekte der ästhetischen Klassizlehre des Klassizismus verwendet und in diesem System angenommen. Da der Klassizismus ohne Pomput für die feierliche Verherrlichung der königlichen Macht fehlt, beinhaltete der "große Stil" der französischen Malerei auch das Arsenal der Techniken von monumentalen Barockkunst.

Der Kult der Antikeakademismus, der zur Schaffung abgelenkter, starker Normen der Schönheit verwendet wurde. Diese Regeln waren jedoch skizzenhaft und leblos. Es wurde auch durch den Transfer menschlicher Emotionen reguliert, der mit der für immer etablierten Vorlage dargestellt wurde. Dogmatismus der akademischen Doktrin beschränkte die kreativen Möglichkeiten französischer Künstler, die in ihrer Individualität erschossen wurden.

Der Anführer von Akademismus und der Chefgesetzgeber "Big Style" war Charles Lebedre (1619-1690). Ein Student der VEU, Lebeds war gleichzeitig einer der heißesten Fans von Poussin, deren Kunst, die er nachahmen, vor allem in der frühen Zeit seiner Arbeit nachahmen. 1642-1646. Junger Lebrein arbeitete in Italien, wo er die Werke von Rafael und Vertretern von Bologna Academism kopierte. Bei der Rückkehr nach Mutterland tätigte Lebeds hauptsächlich von dekorativer Arbeit in den Palästen und Villen für den Adel (Hotel Lambert, das Schloss in Le-Viscount). Von den 1660er Jahren. Er begann im Hof \u200b\u200bzu arbeiten und schaffte eine Reihe von Gemälden "Personen Alexander Macedonsky". Er wurde 1662 entworfen, der "First Maler des Königs" und gleichzeitig Direktor der Manufaktur von Wandteppichen, führte er die größten Werke an der Dekoration der königlichen Paläste und vor allem Versailles. Er leitete die gesamte Armee der Dekorationskünstler, Graketen, Juweliere und Meister der angewandten Kunst, die an der Umsetzung seiner Designs arbeiteten. Lebewesen, die große Fachwissen, Energie und außergewöhnliche organisatorische Fähigkeiten besitzen, wurden Lebeds ein echter Diktator für künstlerische Geschmäcker.

In seiner Arbeit nutzten Lebeds die Traditionen der dekorativen Barockmalerei. Eines seiner zentralen Werke ist ein Plarquard einer Spiegelgalerie in einer Versal, die eine Apotheose von Louis XIV darstellt. Der Eindruck der Parade und der Pracht und gleichzeitig sehr oberflächlich erzeugt der externe Effekt diese komplexe, überlastete Zusammensetzung, in der das Bild historischer Ereignisse durch allegorische Figuren ergänzt wird.

Lebrée mit einem der Gründer der Akademie und dessen Regisseur trägt ein System der strengen Zentralisierung auf dem Gebiet der Kunst. In seinen Berichten für die Akademie fungiert er als Schöpfer der Ästhetik der Wissenschaft. Als Anhänger des Pusens argumentierten Lebeds die primäre Bedeutung der Figur, im Gegensatz zu diesen Vertretern der Wissenschaft, der sogenannten "Rubenisten", die die Priorität der Farbe ausruften. Der Gegner von Lebedin zu diesem Thema war der Maler Pierre Minyar (1612-1695) und ein Konkurrent und ein persönlicher Feind. In seinen Plotkompositionen ist Minyar ein typischer Vertreter der Wissenschaftlerin. Ein Beispiel für sein theatralisches bedingtes und hohes Gemälde kann als riesiges Bild von Alexander Macedonian (1689, Ermitage) dienen. Minyar war auch der Autor des Gemäldes des Plafons und der Kuppel der Kirche von Val de Graara (1663); In dieser Arbeit, charakteristisch für die baroque Theaterheit der Bilder, übermäßige Dynamik der überlasteten Zusammensetzung, erreicht der Wunsch nach externen Effekten ihre Grenzen. Berühmterer Minyar als Lieblingsporträt der Gerichtsgesellschaft. Idealisierte und oberflächliche Porträts von Minyar fanden ein sehr dunkleres und treues Merkmal in der Mündung von Poussin, in dem er feststellte, dass sie "kalt, zerkleinert, von Kraft und Härte beraubt sind". Die künstlerischen Lehren von Lebedna und Minyar hatten mit dem authentischen Inhalt der Kunst des Pussens und Rubens nichts gemeinsam. Die Unterschiede in ihren Ansichten gingen praktisch nicht über den Akademismus hinaus.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. In der französischen Malerei wurde auch ein Kampfgenre entwickelt, in dem zwei Richtungen bemerkt werden können. Die erste Richtung, die vollständig mit den Hofkreisen verbunden ist, wird durch das Werk von Adam France van der Maleylen (1632-1690), flämisch, durch Herkunft dargestellt. Van der Malylen schuf die Art des Beamten, der in der Natur der Kampfkomposition völlig bedingt ist. Er schrieb die Belagerung von Städten, Militärkampagnen, Schlachten, und die Aktion in diesen Gemälden tritt im Fernplan auf und ist im Wesentlichen nur ein Hintergrund für den im Vordergrund gezeigten König und Kommandant.

Die andere Linie der Schlacht des Genre charakterisiert die Kreativität von Jacques Courtois auf dem Spitznamen Burguignon (1621-1675/6), der hauptsächlich in Italien gearbeitet hat. Burgignon-Gemälde sind in der Nähe der Schlachtwerke des italienischen Salvators Rosa und der Niederländer von Higherman. Wie sie schreibt, schreibt er Biwaks, Kavallerie-Zusammenstöße, in denen unbekannte Krieger kämpfen, und der Betrachter findet es schwierig, darauf zu bestimmen, an deren Seite des Mitgefühls des Künstlers. Mit dem äußeren Effekt dieser dynamischen Zusammensetzungen sind sie immer noch sehr oberflächlich und vorlage.

Die höchsten Errungenschaften der französischen Malerei in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. gehören in den Porträtbereich.

Das Porträt dieser Zeit ist fast völlig wahrheitsgemäß. Es hat sich als natürliche Fortsetzung der Formen des Frontportraits entwickelt, das von Rubens und Van Diek entwickelt wurde, und französische Porträtisten, die von diesen Meistern aus diesen Meistern wahrgenommen wurden, hauptsächlich die Merkmale der äußeren Repräsentativität. Aus dem Porträtist war es in erster Linie notwendig, die Modelle des Grandeur, des aristokratischen Adels und der Raffinesse zu melden. Die Ermittlung des Schemas des Frontporträts, Theoretik der Art Roger de Pil schrieb: "Das Porträt sollte sein, wie wir uns sagen können: Halt, Peering Nun, ich bin ein unbesiegbarer König, der von Größe ausgeführt wird; oder ich bin ein mutiger Kommandant, der sich um sich herum ausbreitet; oder ich bin ein großartiger Minister, der alle politischen Tricks kannte; Oder ich bin ein Magistrat mit perfekter Weisheit und Gerechtigkeit. "

In seinem Wunsch griff das Modell der Künstler oft auf die ehrliche Schmeichelei. All dies sollte über den Alltag erhoben werden, um es mit einem Halo von Exklusivität zu umgeben, seine hohe soziale Position zu zeigen, betont die Entfernung, die sie aus gewöhnlichen Sterblichen trennt.

Die größten Meister des französischen Porträts von Ende 17 sind 18 Cent. Es gab Rigo und Larziller.

Hyacinth Rigo (1659-1743) war ein Gerichtsporträt des Königs. Sein berühmtes Porträt von Louis XIV (1701; Louvre) ist die anschaulichste Ausführungsform der charakteristischen Merkmale des Frontporträts. In dieser Leinwand ist der König in vollem Wachstum auf dem Hintergrund von Säulen und flatternden Vorhängen dargestellt; In einer spektakulären Position steht er auf dem Zepter. Der Ermeli-Mantel mit üppigen Falten wird mit seinen Schultern fallen gelassen; Unverschämtes Gesicht voller Arroganz. Das Gemälde dieses Porträts zeichnet sich durch einen virtuoso-Glanz und der betonte Wirkung aus. Die gleichen Merkmale sind auch für andere Werke von Rigo typisch, zum Beispiel Porträt eines prominenten Vertreters der katholischen Theologie von Bosseyu (Louvre) und Markiza Dango (Versailles).

Aber wo Rigo nicht von den Auftragsbedingungen gekauft wurde, schuf er die Werke von großer realistischer Überzeugung. So zum Beispiel im Porträt des fügsamen Schriftstellers (Museum für bildende Künste. Als Pushkin), in Form einer Nichtparade, aber ein intimes Porträt, ein Künstler mit einer großen Helligkeit eines einzelnen charakteristischen Charakteristiks, verkörperte das vollständige des Geistes und der Fähigkeit des Erscheinens eines der fortschreitenden Figuren der französischen Kultur. Der Geschmack dieses Porträts basiert auf tiefen Tönen und ist frei von externen Effekten.

Nicola Larziller (1656-1746) war auch ein Meister des Frontporträts. Er war der Autor der übertriebenen repräsentativen Gruppenporträts der Paris Eschezhens (Mitglieder der Stadtregierung, die hauptsächlich Vertreter der großen französischen Bourgeoisie waren). Diese Arbeiten sind nicht erhalten; Skizzen für sie sind im Louvre und in der Einsiedelei. Die vollständige arrogante Bedeutung von Ältesten in schweren Samtklängen und riesigen Perücken sind in üppigen Palast-üppigen Säulen und Vorhängen dargestellt.

Größerer war eines der berühmten und modischen Porträts des französischen Adels. Er ging sogar weiter als Rigo, ging offen von ehrlich gesagt, und Porträts davon sind noch konventioneller. Sogar sein "Family Portrait" (Louvre), in dem sich der Künstler sich mit seiner Frau und seiner Tochter darstellte, zeichnet sich durch Güte und Chemie aus. Größerer erzeugte den Kanon eines weiblichen Parade-Porträts, das aus den Maler aus dem 18. Jahrhundert weiterentwickelt wurde. Er schrieb weltliche Damen in Form von alten Göttinnen, der Nymphe, dem Hunger, der Hunger, der sie in den theatrischen Kostümen vor dem Hintergrund einer bedingt interpretierten Landschaft darstellt. In seinen Modellen betont er elegante Leichtigkeit der Posen, Gesten, Zärtlichkeit von milchweißem Leder, nasser Augenglitter, Toiletten-Eleganz. Portraits Diese sind sehr elegant und anspruchsvoll, der Künstler mildert Farben mit einer virtuosen Brillanz überdehnt die Textur luxuriöser Stoffe, Overflow-Samt und Satin, flackernde Juwelen. Porträt der Kammer de Montargu (Dresden) gehört zu guten Proben von leichten Porträts einer Schnürung. Einige seiner Porträts wie "Frauen-Porträt" im Museum für Fine Arts. WIE. Pushkin, nicht ohne lebenslanger Charme, viele sind äußerst bedingt. In einigen Werken gelang es dem größeren, immer noch über die Konditionalität hinauszugehen und lebhafte, helle Bilder zu erstellen. Dies sind seine Porträts von Voltaire (Paris, Karnevalmuseum) und einen Landschaftsspieler für die (Berlin).

Neben den malerischen Werken in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in Frankreich, einem Portrait-Gravur, deren die größten Vertreter Gravierer und Schubladen Claude Mellan (1598-1688) und Robert Nanket (1623-1678) waren, die eine ganze Galerie erstellten von herrlichen Porträts von Staatsmännern, Gericht, Philosophen und Schriftstellern ihrer Zeit. Das meisterhafte Besitz der Technik der Schneidstiche konnte sie in ihren Porträts die Genauigkeit der Eigenschaften mit der feierlichen Bildeparade kombinieren. Gleichzeitig entwickelte sich die Schneidgravur, die die Zusammensetzungen von Poussa, Lebedin, Lesyur, Mipyar, entwickelte. Der berühmteste Meister der Reproduktionsgravur war Gerard oder 1640-1703).

Die europaweite Bedeutung der französischen Kunst von 17 Jahrhunderten ist sehr groß. Frankreich war ein klassisches Land des Absolutismus, und in seinen Kunstmerkmalen dieses ERA fand der lebhaftste Ausdruck. Daher sorgte kein europäischer Staat in 17-18 Jahrhunderten. Die absolutistische Bühne konnte nicht an den Errungenschaften der französischen Kunst vorbeigehen. Wenn die französischen Künstler 17 in begannen. Oft wandte sich oft an die Kunst anderer Länder, der in den künstlerischen Beziehungen weiterentwickelt wurde, in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war es Frankreich vor anderen nationalen Kunstschulen in Europa. Die städtischen Planungsprinzipien und -typen der architektonischen Strukturen, die in der französischen Architektur entwickelt wurden, und in den bildenden Künsten - Die Grundlagen des historischen und des Kampfes, der Allegorien, eines Parade-Porträts, eine klassische Landschaft hat ihre Bedeutung für die Kunst vieler europäischer Länder bis zur Verfügung gestellt Anfang des 19. Jahrhunderts.

Kapitel "Kunst von Frankreich. Die Architektur". Abschnitt "Kunst 18. Jahrhundert". Universelle Kunstgeschichte. Tom IV. Art von 17-18 Jahrhunderten. Gepostet von: L.s. Aleshina; Unter der allgemeinen Ausgabe von Yu.d. Kolpinsky und E.I. Rotenberg (Moskau, State Publishing House "Art", 1963)

Wenn das 17. Jahrhundert in der Architektur von Frankreich von den grandiosen Bauarbeiten für den König geprägt ist, war das Hauptergebnis das Schaffung des monumentalen Ensembles von Versailles, in dem der Stil des Klassizismus selbst die Elemente der internen Verbindung mit der Barockarchitektur, dann bringt das 18. Jahrhundert neue Trends mit.

Der Bau ist in Städte gezogen. Die neuen Bedürfnisse der Ära setzen das Problem, eine Art von städtischen Wohngebäudehälten zu schaffen. Die Entwicklung der bürgerlichen Beziehungen, des Wachstums von Handel und der Industrie, die Stärkung der Rolle der dritten Klasse im öffentlichen Leben hat die Aufgabe des Aufbaus neuer öffentlicher Gebäude vorgelegt - Börsen, Geschäftsräume, öffentliche Theater. Die Erhöhung der Rolle der Städte im wirtschaftlichen und politischen Leben des Landes, die Entstehung neuer Arten von privaten und öffentlichen Strukturen setzen neue Anforderungen an die Schaffung des Stadtsembles.

Verabschiedete Änderungen und architektonischer Stil der Ära. Die Einheit der figurativen Entscheidungen des Outdoor-Erscheinungsbildes und der Innenraum zu Beginn des 18. Jahrhunderts sind für den Klassizismus des letzten Jahrhunderts charakteristisch. Zerfallen. Dieser Zerfallsprozess wird von der Trennung von Bauabläufen und theoretischen Lehren, dem Unterschied in den Prinzipien des Innenarchitals und der Fassade, begleitet. Führende Architekten in ihren theoretischen Werken verehren immer noch die Antiquitäten und die Regeln von drei Aufträgen, aber in der direkten architektonischen Praxis verlassen sie sich von strengen Anforderungen an logischer Klarheit und Rationalismus, der Unterordnung des privaten Ganzen, der klaren Konstruktivität. Die Arbeit von Robert De Cotta (1656-1735), dem Nachfolger von Jules Ardune-Mansar auf dem Posten des Königlichen Architekten (er absolvierte den Bau von hervorragend auf seiner strengen, edlen Architektur der Kapelle des Versailles-Palastes), ist ein Überzeugendes Beispiel dafür. In den in den 1710er Jahren errichteten. Pariser Mansionen (Hotel de Toulouse und das Hotel D Estre) Beachten Sie die Erleichterung von Architekturformen, freie Entwicklung des Dekors.

Der neue Stil, der ROCOCO oder ROCAIL namens ROCOCO oder ROCAIL, kann nicht nur einerseits in Betracht gezogen werden, wobei nur die reaktionäre und nicht vielversprechende Generation der Subcounting-Klasse sucht. In diesem Stil spiegelten sich nicht nur die hedonistischen Aspirationen der Aristokratie wider. Rokoko war für einige fortschrittliche Tendenzen der Epoche eigenartig; Von hier aus - die Anforderungen einer freieren und angemesseneren tatsächlichen Lebensraumplanung, natürlicher und lebender Entwicklung, interner Raum. Die Dynamik und die einfache architektonische Masse und das Dekor widersetzten sich der schweren pompösen Befragung des Innenraums in der Ära der höchsten Kraft des französischen Absolutismus.

Anfang des 18. Jahrhunderts. Der Hauptkonstruktion wird immer noch durch Aristokratie durchgeführt, der Charakter ändert sich jedoch erheblich. Der Ort der Villen, sogenannte Hotels, besetzen den Ort der Bezerrungsburgen. Die Schwächung des Absolutismus beeinflusste die Tatsache, dass der Adelverständigkeit Versailles verlässt und sich in der Hauptstadt setzt. In den grünen Emissionen von Paris - Saint Germain und Saint-Support - eines nach dem anderen in der ersten Hälfte des Jahrhunderts werden luxuriöse Villen und Hotels mit ausgedehnten Gärten und Dienstleistungen gebaut. Im Gegensatz zu den Palastkonstruktionen des vergangenen Jahrhunderts, in denen die Ziele der beeindruckenden Repräsentativität und der feierlichen Größe in den jetzt geschaffenen Villen, wird viel Aufmerksamkeit auf den eigentlichen Aufmerksamkeit des Lebens gelegt. Architekten verweigern die Kette der großen Hallen, die von feierlichem Anfilat, zugunsten kleinerer Räume, die sich eher in Übereinstimmung mit den Bedürfnissen des Privatlebens und des öffentlichen Amtes der Gastgeber befinden. Viele hohe Fenster beleuchtet leicht Innenräume.

Für seine Lage in der Stadt der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das Übergangsphänomen aus den Landgütern des Landes in hohem Maße präsentiert. Dies ist ein geschlossener architektonischer Komplex, ein eigentümliches Anwesen im Stadtviertel, das nur mit der Straße verbunden ist, nur mit dem vorderen Tor. Das Haus selbst steht in den Tiefen der Baustelle und verlässt die Fassade zum umfangreichen Innenhof, ohne geringer Bürofläche. Die gegenüberliegende Fassade steht vor dem Garten, der regelmäßiges Layout behält.

In Hotels der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Am hellsten manifestierte der charakteristische Widerspruch der französischen Architektur dieser Ära - die Diskrepanz zwischen der Außenarchitektur der Inneneinrichtung. Die Fassade des Gebäudes behält in der Regel traditionelle Bestellelemente, die frei und leicht behandelt, wahrer und leicht behandelt. Anmeldung

dieselben inneren Räumlichkeiten bricht oft vollständig mit den Tektonischengesetzen zusammen, um die Wand mit der Decke in einem ganzheitlichen Zusammenschlag zu verschmelzen, was keine Grenzen der Innenraumhülle aufweist. Es war nicht zufällig, dass die Künstler-Decoratoren, die wissen, wie man mit einer erstaunlichen Subtletie und Perfektion, die zu diesem Zeitpunkt erworben werden sollen, innen. Der Zeitraum des frühen und ausgereiften Rokoko kennt die gesamte Pleiaden der Meister und schafft exquisite Meisterwerke in Innenräumen (Wohnen von Marie Opener, 1672-1742; Zust Eagle Maissonier, 1693-1750 und andere). Oft wurde das Gebäude mit einem Architekten gebaut, wurde aber an andere erstellt. Aber selbst wenn alle Arbeit von einem Meister durchgeführt wurden, war sein Ansatz für die Entscheidung des äußeren Erscheinungsbildes des Hotels und seiner inneren Räumlichkeiten grundlegend unterschiedlich. Einer der prominentesten Architekten ROCOCO Germain Burgran (1667-1754) in seiner Abhandlung, "Livre d" Architektur "(1745) sagte direkt, dass der Inneneinrichtung der Inneneinrichtung ein völlig getrennter Teil der Architektur ist, der nicht auf das Dekor gilt von der Außenseite des Gebäudes. In er führte diese These konsequent. In der Architektur von Lunevils Burg in den in den 1720er Jahren errichteten Hotels in den 1720er Jahren. Nach den Traditionen des Klassizismus ist es eindeutig vom zentralen Teil unterschieden, der von Portico mit Säulen oder Pilastern. Über den Rokoko-Stil sagen sie nur wenige Formungsdetails ja vergleichende Erleichterung von Bestellelementen.

Lösen Sie völlig anders, um seine Innenräume zu lösen. Ein brillantes Beispiel ist das interne Dekor des Hotel-Subiz (1735-1740). Das Erscheinungsbild des Herrenhauses, der vom Demamer in 1705-1709 durchgeführt wurde, nicht zu glauben. In klassischen Traditionen informiert Bofran die Hotelzimmer den Charakter eleganter Bonbonniells. Geschnitzte Paneele, Stuckverzierungen, landschaftliche Paneele mit einem massiven Teppich reife Wände und Decke. Die Wirkung dieser exquisit eleganten, felend leichten Formen sollte im Gegensatz zu einer zurückhaltenderen Architektur der Fassade besonders beeindruckend sein.

Der Kultbau während dieser Zeit war unvergleichlich weniger wichtig als weltlich. Grundsätzlich beendete der Bau des vorhergehenden Jahrhunderts.

So ist die Kirche von Saint Rosh in Paris, die Ende des 17. Jahrhunderts von Robert De Cotton begann. und fertig nach dem Tod dieses Architekten sein Sohn J.-r. De cott.

Die interessantere Pariser Kirche von Saint-Sulpis, auch im 17. Jahrhundert. Bis 20. 18 V. Er blieb unfertige Hauptfassade. Es wurde mehrere Architekten entworfen. Das Projekt des berühmten Dekorators Maissonia (1726), der versuchte, die Rocial-Prinzipien auf die Außenarchitektur zu bewegen, wurde abgelehnt. Im Jahr 1732 wurde ein anderer Dekorator, Jean Nicola Servandoni (1695-1766), der in seinen Lösungen für klassische Formen angewandt wurde, in der für das Projekt der Fassade angekündigten Wettbewerb besiegt. Seine Absicht und legen Sie die Grundlage für den weiteren Konstruktion fest. Die Fassade der Kirche wird für zwei Ebenen seziert, von denen jeder seinen eigenen Haftbefehl hat. Auf beiden Seiten der Fassade türmt Türme Türme.

Aus dem zweiten Viertel von 18 V. Eine zunehmend herausragende Rolle in der französischen Bauweise begann, reiche Handelsstädte der Provinz zu spielen. Es war nicht auf den Bau einzelner Gebäude beschränkt. Das gesamte System der alten Feudalstadt mit einem chaotischen Gebäude mit einem verwirrenden Gitter der Straßen, die im engen Rahmen von städtischen Befestigungsanlagen enthalten sind, widersprach den neuen Bedürfnissen des wachsenden Handels- und Industriezentrens. Die Erhaltung vieler Schlüsselpositionen hinter dem Absolutismus hat jedoch zunächst eine ziemlich kompromisslose Entscheidung von städtischen Planungsproblemen angeführt. In vielen Städten kommt der Rekonstruktion einzelner Teile der Altstadt auf Kosten des Geräts des königlichen Raums. Die Tradition solcher Gegenden geht in das 17. Jahrhundert zurück, als sie nicht geschaffen wurden, um das Chaos der mittelalterlichen Stadt zu rationalisieren, sondern als offener Ort, um die Statue des Königs zu installieren. Nun, der Grund blieb wie für dasselbe - alles, was im 18. Jahrhundert entstanden ist. Während der Monarchie des Platzes wurde es entwickelt, um ein Monarch-Denkmal zu installieren ", aber die Architekten verfolgten jedoch viele breitere Stadtplanungsaufgaben.

Einer der ersten Plätze der neuen Art, die mit der Sanierung und Entwicklung ganzer städtischer Gebiete verbunden ist, war in Bordeaux. Der Designer und der Erbauer waren Jacques Gabriel (1667-1742), ein Vertreter, der aus 16 V bekannt ist. Die Dynastie der Architekten, der Vater des berühmten Architekten Jacques Anja Gabriel.

Die Arbeit an der Planungs- und Baufläche wurde 1731 ins Leben gerufen. Das Grundstück für sie wurde am Ufer einer weiten Garonna aufgeteilt. Der Architekt ist weitgehend und vielseitig entwickelte die Möglichkeit, ein neues Ensemble zu schaffen, das einen erheblichen Teil der Stadt abdeckt und mit einer natürlichen Umgebung verbindet.

Seine Arbeit in Bordeaux Jacques Gabriel begann mit dem Abriss der alten unzerbrechlichen Gebäude am Flussufer und dem Gerät des herrlichen Bösches. Die Stadt drehte sich gegenüber Garonne - seine Hauptdekoration. Diese Wende sollte den Bereich befestigen, der weit verbreitet an den Fluss geöffnet wurde, und das Layout zweier Straßen in der Umgebung. Mit dem Planungsprinzip von Versailles hat der Architekt einen neuen öffentlichen und künstlerischen Organismus angewendet - die Stadt, die es breiter löst. Die an den Seiten des Platzes gelegenen Gebäude waren für den Handel und den wirtschaftlichen Bedürfnissen der Stadt bestimmt: Rechts - die Börse links - der Börse, links - dem Steuerabteilungsgebäude. Die Architektur zeichnet sich durch Zurückhaltung und elegante Einfachheit aus. Der Bau der Börse und der zentrale Pavillon zwischen den beiden Straßen wurde nach dem Tod von Jacques Gabriel sein Sohn abgeschlossen. Eine Reihe innovativer Prinzipien des Bordeaux-Platzes - sein offener Charakter, sein Gespräch an den Fluss, der Anschluss mit den Stadtviertel mit Hilfe von Strassen - Jacques Anzh Gabriel hat sich bald in der Arbeit in der Gegend von Louis XV in Paris entwickelt .

Wenn der Bereich des Platzes in Bordeaux eine Lösung ergab, die viele Planungsprinzipien der späteren Zeit erwartet hat, dann ein weiteres wunderbares Ensemble der Mitte des 18. Jahrhunderts. - ein Komplex von drei Quadraten in Nancy, zu einem größeren, der mit der Vergangenheit im Zusammenhang mit der Vergangenheit verbunden ist, ist die Methoden der Organisation der Organisation der barocken Ära.

Drei verschiedene in den Umrisse des Gebiets sind der rechteckige Bereich von Stanislav, der lange Bereich des Trägers und des ovalen Bereichs der Regierung - einen eng kombinierten und intern geschlossenen Organismus, der nur in einem sehr relativen vorhanden ist Anschluss an die Stadt. Der ovale Kurdonerpalast der Regierung ist durch Arkade aus dem umgebenden Raum der Stadt und des Parks getrennt. Die aktive Bewegung davon kann sich im Wesentlichen nur durch den Boulevard-Square des Trägers und des Triumphbogens vorwärts entwickeln, so dass, so, dass, dem Stanislav-Platz ging, sofort ein Barriere für das monumentale Gebäude des Rathauses ist. Der Eindruck von zwei monumentalen Kurdonern, das vor den herrlichen Palästen und miteinander verbundenen geraden Gassen isst. Es ist charakteristisch, dass die Straßen mit Blick auf den Stanislav-Square mit Gitterkenntnissen zurückzuführen sind. Der Charme des Ensembles erzeugt von der festlichen Architektur der Paläste, erstaunlich in der Fähigkeit, die mit den Gildengitter, Brunnen an zwei Ecken des Platzes geschmiedet ist, in einer einzigen eleganten, eleganten Rokoko-Tonalität verwittert. Der Planer des Platzes und des Architekten der Hauptgebäude war der Schüler von Bofran Emmanuel Ere de Roots (1705-1763), der hauptsächlich in Lothringen arbeitete. Dieser Komplex in seinen Formen- und Planungsprinzipien erbaut erbaut in ihren Formen- und Planungsprinzipien im Vergleich zu der neuen Bewegung in der Architektur, die am Ende der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts begann.

Dies ist eine Bewegung, deren Auswirkungen, deren der Plan des Platzes bereits in Bordeaux bemerkt wurde, wurde in der Weigerung von Extremen und ruhiger Rokoko zugunsten einer intelligenten ordentlichen Architektur, in der Interesse an der Antike geäußert. Die Verbindung dieser Bewegung mit der Verstärkung der Position der Bourgeoisie ist zweifellos.

Gerade an der Grenze der ersten und der zweiten Hälfte des Jahrhunderts gibt es eine Leistung von Enzyklopädischen, die das Kriterium des Geistes als einziges Maß aller Dinge nominiert haben. Von diesen Positionen wird die gesamte Feudalgesellschaft kritisiert und seine Generation ist ein Rokoko-Stil, der als ohne Logik, Rationalität, Natürlichkeit logisch, Rationalität ist. Umgekehrt werden all diese Eigenschaften in der Architektur der Alten gesehen. In diesen Jahren erscheint das Reiben der Denkmäler der alten Architektur. Im Jahr 1752 beginnt ein bekannter Amateur und Patron Count de Cyleus dazu, die Arbeit der "Montage von ägyptischen, etruskischen, griechischen und römischen Antiquitäten" zu veröffentlichen. Zwei Jahre später geht der Architekt David Lerua nach Griechenland und veröffentlicht dann die Ruinen der schönsten Gebäude Griechenlands. " Unter den Theoretika der Architektur, der Abt einer Lüge, deren 1753 "Etudes auf Architektur" veröffentlicht hat, führte in weiten Kreisen der französischen Gesellschaft lebhafte Reaktion. Er spricht aus dem Standpunkt des Rationalismus, berät er vernünftig, das heißt, eine natürliche Architektur. Der Druck der pädagogischen, letztendlich demokratischen Ideen war so groß, dass er sich auf offizielle künstlerische Kreise auswirkte. Die Führer der künstlerischen Politik des Absolutismus fühlten die Notwendigkeit, sich dem positiven Egnen von Enzyklopathisten zu widersetzen, ihre überzeugende Kritik an der Illogie und der Unnatürlichkeit der Kunst von Rokoko. Die königliche Macht und die Akademie machen bestimmte Schritte, um die Initiative von den Händen der dritten Klasse zu schnappen und die aufstrebende Bewegung zu kopfzunehmen. Im Jahr 1749 führte eine eigentümliche künstlerische Mission zum Bruder des Alludal Favoriten Louis XV Madame Pompadur, der zukünftigen Marquis Mariny, der die Position des Direktors von Königsgebäuden führte, wurde nach Italien geschickt. Er wurde von Engraver und Architekten Jacques Germain Suflo begleitet - der zukünftige Erbauer von Paris Pantheon. Der Zweck der Reise bestand darin, sich mit italienischer Kunst vertraut zu machen - diese Wiege des Schönen. Sie besuchten kurz vor Beginn der Ausgrabung von Herculaneum und Pompeji. Sololo, studierte auch antike Monumente des Pestums. All diese Reise war ein Zeichen neuer Phänomene in der Kunst, und ihre Konsequenz gab es einen weiteren Wende des Klassizismus und des akuten Kampfes mit reiferen Prinzipien, auch in verschiedenen Arten von dekorativer Kunst. Gleichzeitig gibt diese Reise ein lebhafter Hinweis darauf, wie unterschiedlich den Anziehungskraft des alten Erbes verstanden und welche verschiedene Schlussfolgerungen von Vertretern der dominanten Klasse und den Künstlern selbst hergestellt wurden. Die Ergebnisse der italienischen Eindrücke und Reflexionen waren von Mariny in den Worten herausgegeben: "Ich möchte überhaupt nicht, dass die laufenden Exzesse ein wenig von dem alten, ein bisschen von der anderen." Er hielt diese Kompromisskünstlerpolitik in der Zukunft während seiner langjährigen Tätigkeit des Kopfes eleganter Künste an.

Seine Begleiter auf der Reise - Koshen und Suflo - nahm eine viel höhere und aktive Position. Der erste, der bei der Rückkehr der Abhandlung "Überprüfung der Antiquitäten von Herculaneum mit mehreren Reflexionen zur Malerei und Skulptur des alten" und dann einen sehr scharfen Kampf gegen die Prinzipien der Rocker-Kunst, für die Strenge, Reinheit und Klarheit der architektonischen und dekorativen Formen führte. Wie für das Soufflo, seine zusätzliche Reise zum Pestum und das Studium an der Stelle zweier wunderbarer Denkmäler der griechischen Architektur, zeugen von seinem tiefen Interesse an der Antike. In seiner Baupraxis, um von Italien zurückzukehren, sind die Prinzipien des Klassizismus vollständig und kompromisslos triumphiert.

Die Kreativität der gefangenen Meister der französischen Architektur von Jacques Anza Gabriel (1699-1782) wird ebenfalls in diese Übergangszeit blüht. Gabriels Stil scheint den Anforderungen von Marigna zu erfüllen, aber dies ist ein äußerst unverwechselbares und organisches Phänomen, das von der natürlichen, "tiefen" Entwicklung der Architektur von Frankreich erzeugt wird. Der Meister war nie in Italien, noch umsonst in Griechenland. Die Kreativität von Gabriel, da es, wie es war, und entwickelte die Linie der französischen Architektur, die in den späten Gebäuden von Jules Ardune-Mansar (großartiger Trianon und Capella in Versailles) in der östlichen Fassade des Louvre skizziert wurde. Gleichzeitig lernte er die progressiven Trends, die in der Rokokoarchitektur aufbewahrt wurden: Seine Annäherung an Person, Intimität sowie die exquisite Feinheit dekorativer Teile.

Die Teilnahme von Gabriel in der Stadtplanung von seinem Vater in Bordeaux bereitete ihn gut vor, die von der Mitte des 18. Jahrhunderts stattfindenden Ensemblesaufgaben zu lösen. Eine immer prominentere Rolle in der architektonischen Praxis. Gerade zu diesem Zeitpunkt intensiviert die Aufmerksamkeit von Paris auf Paris, auf das Problem, es in die Stadt zu drehen, einen würdigen Titel der Hauptstadt.

Paris hatte ausgezeichnete architektonische Denkmäler, eine Reihe von Gebieten, die im vorigen Jahrhundert erstellt wurden, aber all dies waren getrennt, in sich selbst geschlossen, isolierte Inseln des organisierten Gebäudes. In der Mitte des 18. Jahrhunderts gibt es einen Platz, der unter Zusatz des Ensembles des Pariser Zentrums eine große Rolle spielte, ist der derzeitige Zustimmung. Mit seinem Erscheinungsbild ist sie einem ganzen Team französischer Architekten verpflichtet, aber sein Hauptkreator war Jacques Anzh Gabriel.

Im Jahr 1748 wurde auf Initiative des Metropolitan Händlers die Idee des Denkmals von Louis XV vorgelegt. Die Akademie kündigte einen Wettbewerb um die Erstellung eines Gebiets für dieses Denkmal an. Wie wir sehen können, war der Anfang recht traditionell, im Sinne von 17 V.- der Platz war für die Statue des Monarchen gedacht.

Infolge des ersten Wettbewerbs wurde keiner der Projekte nicht ausgewählt, aber endlich wurde der Platz für den Platz eingerichtet. Nach dem zweiten Wettbewerb 1753 wurden nur unter den Mitgliedern der Akademie das Design und die Entwicklung von Gabriel erhoben, so dass er andere Anregungen berücksichtigen würde.

Der unter dem Platz ausgewählte Ort war ein umfangreiches Ödland an der Küste der Seine am Rande von Paris, zwischen dem Garten des Tuilry-Palastes und dem Beginn der Straße, die zu Versailles führte. Gabriel ist ungewöhnlich fruchtbar und vielversprechend nutzte die Vorteile dieser offenen und küstenhaltigen Lage. Sein Platz war die Achse der Weiterentwicklung von Paris. Es stellte sich heraus, dass es aufgrund seiner vielseitigen Orientierung möglich war. Zum einen glaubt der Bereich, da es in Erwartung der Palastkomplexe von Tuileries und dem Louvre war: Es ist nicht umsonst gegen die Grenzen der Stadt drei, die von der Gabriele-Gasse der Elysee-Felder, den geistigen Kreuzungspunkt vorgesehen sind davon befindet sich im Eingangstor des Tuilder Parks. In der gleichen Richtung - der Person zum Palast - das Reiterkennzeichen von Louis XV ist fokussiert. Gleichzeitig wird nur eine Seite des Platzes architektonisch akzentuiert. Es sieht den Bau von zwei majestätischen Verwaltungsgebäuden vor, und die Royal Street ist zwischen ihnen ausgelegt, deren Achse senkrecht zur Achse der Elysee-Felder - Tuilerien ist. Am Ende beginnt die Kirche des Architektenkontana D "Ivry, sein Portico und eine Kuppel, der die Perspektive geschlossen hat, sehr bald die Perspektive aufbauen. Parteien aus ihren Gebäuden, Gabriel entwirft zwei weitere Straßen parallel zum Royal. So. Somit Eine weitere mögliche Bewegungsrichtung, die den Bereich mit anderen Quartiers wachsenden Stadt verbindet.

Sehr witzig und völlig neu löst Gabriel Borders des Platzes. Nur eine nördliche Richtung, um den Grundsatz der freien Raumentwicklung, seine Verbindung mit der natürlichen Umgebung vorzunehmen, sucht er gleichzeitig, um den Eindruck seiner Amorpheidigkeit, Unsicherheit zu vermeiden. Von allen vier Seiten entwirft er die flache, trockene Rallye, eliminiert durch das Grün von Rasengebieten, die von Steinbalustraden begrenzt wurden. Lücken zwischen ihnen geben einen zusätzlichen klaren Fokus der Strahlen der Elysee-Felder und der Achse der Royal Street.

In der Guise von zwei Gebäuden, die von der nördlichen Seite des Einwilligungsbereichs geschlossen wurden, sind die charakteristischen Merkmale von Gabriels Kreativität gut ausdrückt: Klare, ruhige Harmonie ganzer und Teile, leicht von der Augenlogik der architektonischen Formen wahrgenommen. Die untere Tierkonstruktion ist schwerer und massiv, was von einer großen rustikalen Mauer hervorgehoben wird; Er trägt zwei andere Ebenen, die von korinthischen Säulen kombiniert werden, ist ein Motiv, das zur klassischen östlichen Louvre Fassade aufsteigt.

Der wichtigste Verdienst von Gabriel besteht jedoch nicht so sehr in der Werkstatt der Lösung der Fassaden mit ihren aufsteigenden leistungsstarken Arkaden der unteren Etage durch schlanke Cannells-Säulen und in einem bestimmten Ensemble-Sound dieser Gebäude. Beide Gebäude sind unbedenkbar und ein Freund ohne Freund, und ohne Raumraum und ohne eine Struktur, die in erheblicher Entfernung ist - ohne die Kirche Madeleine. Es ist auf ihr, die beide Gebäude des Einwilligungsbereichs fokussierten - es ist nicht zufällig, dass jeder von ihnen kein Akzentungszentrum hat, und ist von einem der Flügel eines Ganzen. In diesen Gebäuden, die 1753 entworfen wurden und in 1757-1758 konstruiert wurden, skizelt Gabriel solche Prinzipien eines Volumens und räumlicher Lösung, der während des reiflichen Klassizismus entwickelt wird.

Perle der französischen Architektur 18 V.- Small Tranony, erstellt von Gabriele in Versaille in 1762-1768. Das traditionelle Thema des Landkreises ist hier vollständig auf neue Weise gelöst. Ein kleines Quadrat in Bezug auf das Gebäude wird von allen vier ihrer Fassaden in den Raum gezogen. Es gibt keinen bevorzugten Schwerpunkt auf den Hauptfassaden, was immer noch so charakteristisch für die Paläste und der Güter war. Jede Partei hat einen unabhängigen Wert, der einen Ausdruck in verschiedenen Lösungen findet. Und gleichzeitig ist dieser Unterschied kein Kardinal - es ist wie Variationen eines Themas. Die Fassade mit Blick auf den offenen Raum des Parketts, der aus der weitesten Entfernung wahrgenommen wird, wird am meisten aus Kunststoff interpretiert. Vier pointbasierte Säulen, die beide Böden kombinieren, bilden ein leicht hervorstehendes Portikum. Ein ähnliches Motiv, jedoch in einer modifizierten Form, - die Säulen werden durch Pilastern ersetzt - es klingt in zwei benachbarten Seiten, aber jedes Mal, da sonst aufgrund der Pegelunterschiede das Gebäude zwei Etagen aufweist, in den anderen - drei. Die vierte Fassade, die an die Lounges des Landschaftsparks angesprochen wurde, ist sehr einfach - die Wand wird nur von rechteckigen Fenstern getragen, das in jedem der drei Größenscheinwerfer unterschiedlich ist. Einkaufen bedeutet also, dass Gabriel den auffälligen Reichtum und Sättigung von Eindrücken sucht. Schönheit wird aus der Harmonie einfacher, leicht wahrgenommener Formen aus der Klarheit der proportionalen Beziehungen extrahiert.

Das interne Layout wird auch mit großer Einfachheit und Klarheit gelöst. Der Palast besteht aus einer Reihe kleiner rechteckiger Räume, deren dekorativer Dekoration, der auf der Verwendung von geraden Linien, leichten kalten Farben, Stempeln von Kunststoffprodukten baute, der eleganten Zurückhaltung und edlen Gnade des Erscheinungsbildes im Freien entspricht.

Die Arbeit von Gabriel war eine Übergangs-, Bindungsverbindung zwischen der Architektur der ersten und der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

In Gebäuden 1760-1780er. Die neueste Bühne des Klassizismus wird durch die jüngere Erzeugung der Architektur gebildet. Es zeichnet sich durch eine entscheidende Wende der Antike aus, die nicht nur inspirierend von Künstlern geworden ist, sondern auch die von ihnen verwendeten Treasury-Formen. Die Anforderungen der Intelligenz von architektonischen Arbeiten erreichen die Aufgabe von dekorativen Dekorationen. Das Prinzip des Utilitarismus, der zusammen mit dem Prinzip der Natürlichkeit des Gebäudes verbindet, ist das Modell, dessen alte Einrichtungen sind, so natürlich wie der utilitäre, alle Formen, von denen alle Formen von einer angemessenen Notwendigkeit diktiert werden. Säule, Antablement, Frontoth, die zum Hauptmittel des Ausdrucks des architektonischen Bildes, ihr konstruktiver, funktionaler Wert wurde zurückgegeben. Dementsprechend wird der Umfang der Auftragsmitgliedschaften vergrößert. Für den Parkbau ist derselbe Wunsch nach Natürlichkeit charakteristisch. Es gibt eine Weigerung eines regelmäßigen, künstlichen "Parks und einem Flourieren des Landschaftsgartens.

Das charakteristische Phänomen dieser vorrevolutionären Jahrzehnte ist die Vorherrschaft der öffentlichen Strukturen bei der Konstruktion öffentlicher Strukturen. In öffentlichen Gebäuden ist es, dass die Prinzipien der neuen Architektur heller sind. Und es ist sehr wichtig, dass eines der herausragenden architektonischen Werke dieses Zeitraums Pantheon ist - sehr bald vom Bau des Kultziels zum öffentlichen Denkmal gedreht. Der Bau von ihm wurde von Louis XV als Kirche von Paris Patrone - St. konzipiert Genevieve, der Ort der Lagerung ihrer Reliquien. Die Entwicklung des Projekts wurde 1755 in Rechnung gestellt, Jacques Jacques Suflo (1713-1780), kam kürzlich von einer Reise nach Italien zurück. Der Architekt verstand seine Aufgabe viel breiter als sein Kunde. Er legte einen Plan vor, der neben der Kirche zusätzlich zu der Kirche ein umfangreicher Bereich mit zwei öffentlichen Gebäuden - angeboten wurde - Fakultäten von Recht und Theologie. In der zukünftigen Arbeit musste Soufflo diese Idee aufgeben und seine Aufgabe mit dem Bau der Kirche einschränken, dessen gesamte Erscheinungsbild erzeugt, dass der Architekt jedoch als Gebäude eines großen öffentlichen Klangs gedacht hat. Die Kreuzung in Bezug auf Gebäude wird mit einer großen Kuppel auf den von Säulen umgebenen Trommeln gekrönt. Die Hauptfassade wird eine leistungsstarke tiefe Hex-Säule mit einem Fronon betonen. Alle anderen Teile der Wände sind völlig taub, ohne zu öffnen. Die klare Logik der architektonischen Formen wird im ersten Blick eindeutig wahrgenommen. Nichts mystisch und irrational - alles ist vernünftig, streng und einfach. Die gleiche Klarheit und strikte Sequenz sind eigenartig und die räumliche Lösung des Tempelinnenraums. Der Rationalismus des künstlerischen Bildes, der so feierlich und monumental ausgedrückt wurde, erwies sich als äußerst nahe an der Weltwind der revolutionären Jahre, und die fertige Kirche wurde in einem Denkmal in einem Denkmal in einem Denkmal in ein Denkmal in ein Denkmal umgewandelt.

Von den Einrichtungen in Paris in den vorrevolutionären Jahrzehnten wird die chirurgische Schule von Jacques Honduan zugeteilt (1737-1818). Das Projekt, über den er 1769 zu arbeiten begann, zeichnet sich durch einen großen Breitengrad des Plans aus, der im Allgemeinen ein charakteristisches Merkmal der Architektur dieser Jahre ist. Gemeinsam mit diesem Gebäude konziierte Honduen die Umstrukturierung des gesamten Quartals. Und obwohl der Plan von Honduen keine vollständige Umsetzung erhalten hat, wurde das 1786 beendete Bauen der chirurgischen Schule mit einem Umfang entschieden. Dies ist ein umfangreiches zweistöckiges Gebäude mit einem großen Innenhof. Das Zentrum des Gebäudes ist von einem beeindruckenden Portisten gekennzeichnet. Der interessanteste Teil der inneren Räumlichkeiten ist der große halbkreisförmige Halle eines anatomischen Theaters mit dem Anheben des Amphitheaters der Bänke und des bedeckten Bogens - eine eigenartige Kombination aus der Hälfte des römischen Pantheons mit dem Kolosseum.

Eine neue weit verbreitete Art der sozialen Struktur war während dieser Zeit Theater. Und in der Hauptstadt und in vielen Provinzstädten, eines nach den anderen Theatergebäuden zerquetscht, in ihrem Erscheinungsbild als wichtiger Teil des architektonischen Ensembles des City Community Center aufgetragen. Eine der schönsten und bedeutendsten Strukturen dieser Art ist das Theater in Bordeaux, das 1775-1780 errichtet wurde. Architekt Viktor Louis (1731-1807). Das massive Volumen der rechteckigen Umrisse wird auf den offenen Bereich des Platzes gelegt. Der zwölf-Säulenportizist verziert eine der schmalen Seiten des Theatergebäudes und informiert die feierliche Repräsentativität seiner Haupteintrittsfassade. In der Antablement installierte die Portiko statuen der Musik und Göttinnen, die die Ernennung des Gebäudes ermittelt. Die vordere Treppe des Theaters, zuerst die Single-Probe, die die beiden Hülsen, die zu den gegenüberliegenden Seiten führen, dienen, dienten als Probe für eine Vielzahl späterer französischer Theatergebäude. Einfache, klare und feierliche Architektur des Theaters in Bordeaux, eine klare funktionale Lösung des inneren Raums, macht dieses Gebäude mit einem der wertvollsten Denkmäler des französischen Klassizismus.

In den Berücksichtern von Jahren beginnt die Aktivitäten einer Reihe von Architekten, deren Kreativität insgesamt bereits zur nächsten französischen Architektur gehört, inspiriert von den Ideen der Revolution. In einigen Projekten und Gebäuden, diese Techniken und Formen, die durch die charakteristischen Merkmale der neuen Klassizistinismus gekennzeichnet sind, sind geplant, die mit der revolutionären Ära verbunden sind.

Im Gegensatz zu Italien dienten in der absolutianischen Frankreich, Architektur und Kunst als Handschuh von Monarch, nicht der Kirche.

Die städtische Sanierung, die im 15. Jahrhundert in Paris umgesetzt wurde, unterscheidet sich von Roman, weil der Platz sowie große Wege unabhängig von Gebäuden waren, die Symbole der Stadt waren.

Der französische Barock manifestierte sich am hellsten in der säkularen Architektur - während der Bau von Palästen, Burgen, Häusern für die Bourgeoisie und öffentliche Gebäude. Die Art des P-förmigen Palastpalastes, bestehend aus den zentralen Konstruktions- und Seitenrizaliten, herrscht. Das Gebäude ist untrennbar mit dem Park verbunden, hinter ihm gebrochen, und ein Ehrenhof vor der Fassade. Der Innenhof wurde mit einem vergoldeten Gitter von der Straße getrennt. Oft waren solche Gitter selbst wunderbare Werke der Kunst von barocken Bronzefahrzeugen. Dank der Innovation des Architekten J.A.MAMSARA. das erhob das Dach und die angeschlossene Funktionalität, die an dem Dachboden befestigt ist, Dachgeschoss erscheint (eine Wohnungsvoraussetzung eines Dachbodens, der auf dem letzten Stock des Hauses bildete mansard Dach). Das Gemälde wurde helldächer hinzugefügt, entweder mit Farbfliesen in der "karierten" oder Schieferplatte ausgelegt und auf Herbsttrauben oder Efeu verdreht. Ein Beispiel für die französische Architektur, die von der italienischen Probe erstellt wurde, sind College von vier Nationen (1662) Arbeit Louis Levo. .

Kirche in Sorbonne. (1635) Jacques Lemeras ,

kathedrale von Häusern in Behinderte (1706) Jules Arduuen-Mansar - Beispiele für den Kult bauen Barock auf.

ZU
probleme (1613 - 1688) erstellt ein Projekt der wichtigsten östlichen Fassade Liebhaber (1667 - 1673) - königlicher Palast in Paris . Seine Arbeit verkörperte die engsten französischen Ideen und Stimmungen: Schweregrad und Feierlichkeit, Skala und extreme Einfachheit. Die östliche Fassade des Louvre wurde zum Beispiel eines rein französischen Barocks. Es ist fünfzehn Meter, die die echte Länge des Gebäudes überschreiten, in den Stufen unterteilt, mit einem Haftbefehl mit Säulen mit Säulen geschmückt. Der zentrale hervorstehende Teil der Fassade ist mit einem Teil mit einem Fronon verziert. Eine solche drei inklusive Zusammensetzung war charakteristisch für die Fassaden von Palästen und den Frontalvillen der Renaissance. Der Meister gelang es, zu zeigen, dass die alten Traditionen immer noch eine Schönheitsquelle bleiben.

Frage 22. Versailalensemble in Paris (Palast- und Parksemble)

ZU
einer der herausragenden architektonischen Gebäude der Weltarchitektur umfasst das bekannte Palast- und Parkensemble in Versailles, das unter der Schirmherrschaft solcher brillanten Handwerker als Louis Levo, Jules Arduen-Mansar und Andre Lenotr gebaut wurde. Die Planung des umfangreichen Parks, das mit dem Versailles-Palast verbundene Gebiet, ist der Gipfel der französischen Parkkunst, und der Palast selbst ist ein erstklassiges architektonisches Denkmal. Sie erstellten einen komplexen abgeschlossenen architektonischen Komplex, der das monumentale Gebäude des Palastes und eine Reihe von Parkstrukturen "Small Formen" umfasst, und die Hauptsache, ist in seiner Kompositionsintegrität des Parks außergewöhnlich.

ABER
rkhtectec Palace zeichnet sich durch große Einheit aus. Das Horizontal stark gestreckt, ist das Palastgebäude mit einem strengen geometrisch korrekten Parklayout und einer natürlichen Umgebung gut harmonisiert. Der zweite, der Vorderboden des Palastes, wird von streng auf den Anteilen und Details in der Nähe der Säulen und einem Pilaster zerstückelt, der auf einer schweren Rauschen ruht. Der oberste, kleinere Boden des Bodens ist als Hochzeitsangriffsgebäude gedacht, was dem Bild eines Palastes größere Monumentalität und Repräsentativität gibt.

Es ist bemerkenswert, dass das Layout des Parks, der vom LenoTrus hergestellt wurde, durch die klassische Reinheit und Klarheit von Linien und Formen auszeichnet. Lenotr war das beständigste Ausdruck des ästhetischen und ethischen Ideals des Klassizismus. Er sah in der natürlichen Umgebung das Objekt an vernünftiger menschlicher Aktivität. Die natürliche Landschaft von Lenotr konvertiert in ein fehlerfreies klares, komplettes architektonisches System, das auf den Grundsätzen der Rationalität und Ordnung basiert.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Natur streng geometrische Formen dabei akzeptierte, als ob der Geist des Menschen verschrieben wurde. Der Park zeichnet sich durch eine klare Symmetrie der Gasse und Teiche aus, die streng ausgewählte Reihen von getrimmten Bäumen und Blumenbetten, den feierlichen Vorteil der darin gelegenen Statuen.

Der Bau des Palastes begann 1661 und mehr als 30 Tausend Bauunternehmen waren an der Arbeit beteiligt (um die Anzahl der Arbeiter zu steigern, ist Louis alle privaten Bauarbeiten in der Nähe der Stadt verboten, und in Friedenszeiten wurden Soldaten und Matrosen geschickt zur Baustelle). Trotz der Tatsache, dass während des Baues buchstäblich auf allem auf alles gerettet wurde, wurde eine riesige Menge an Geld ausgegeben - 25 Millionen Lire oder 19,5 Tonnen Silber (fast 260 Milliarden Euro).

In der endgültigen Version betrug der Gesamtbereich der Palast-Räumlichkeiten, nicht einschließlich des Parks, etwa 67 Tausend Quadratmeter. Es installierte 25 Tausend Fenster, 67 Treppen, 372 Statuen.

Großer Trianon. Schloss im klassischen Stil, der mit rosa Marmor gesäumt ist. Die Monarchen, die für eine Vielzahl von Zwecken verwendet werden: von Treffen mit den Favoriten und enden mit der Jagd.

M.
scharlachrot Trianon.

D.
der Chef ist ein Übergang vom Rokoko-Stil zum Klassizismus und wurde auf der Initiative eines von Louis XV Favoriten, Marquise de Pompadur erbaut. Wahrschaftlich starb sie ein paar Jahre vor dem Ende des Baues, und deshalb starb ein anderer Favorit in ihm, Gräfin Dubarry. Als der König Louis XVI wurde, reichte er Mary-Antoinette-Schloss, wo sie vom Palastleben ausruhte (sogar der König hatte kein Recht, hier ohne ihre Erlaubnis hierher zu kommen).

Park und Gärten. Versailles Palace und Park sind zwei untrennbare Konzepte voneinander. Die Gärten von Versailles bestehen aus einer Vielzahl von Terrassen, die allmählich als Entfernung von der Burg reduziert werden. Sie besetzen die Gegend von etwa hundert Hektar, und das gesamte Territorium ist absolut glatt und findet darin, dass etwas kleine Hollly unmöglich ist.

Es gibt mehrere Palastgebäude, darunter ein großes und kleines Trianon, das Theater der Kaiserin, Belvedere, den Tempel der Liebe, des französischen Pavillons, der Grotte, und sorgen auch für Sichtplattformen, Gassen, Skulpturen, das System der Brunnen und Kanäle, aufgrund der die Gärten des Vers Seils "wenig Venedig" nannten.